O roteiro, segundo as informações já divulgadas, vai trazer um misterioso grupo de ninjas que iniciará bombardeios em todo o mundo. Nanami e Kouta começam a acompanhar a série de incidentes e são surpreendidos por uma figura conhecida e é mencionado que um erro foi cometido em um batalha de dez anos atrás.

Para nos situarmos melhor na história, vale ressaltar que os três ninjas principais ainda estão em atividade como membros do grupo Hurricanger. Yousuke Shiina, ou Hurricane Red, que é conhecido por ter voluntariado em locais de guerras ao redor do mundo, Nanami Nono, a Hurricane Blue, que pratica artes cênicas, enquanto Kouta Bitou, Hurricane Yellow , é agora casado e se tornou papai!

Já os Gouraiger, seguiram caminhos divergentes. Ikkou Kasumi, Kabuto Raiger, se tornou vocalista de uma banda, já o Kuwaga Raiger, Isshuu Kasumi, se aposentou da vida de Gouraiger após a opção do irmão pela música.

Para não ficar só nas palavras, já foi divulgado o primeiro trailer do V-Cinema, emocionante, divertido e cheio de nostalgia!

A partir de 9 de agosto, o pacote de colecionador estará disponível por 10.290 yen, a edição em Blu-Ray pelo preço de 5.775 yen e em DVD por 4.725 yen. A direção é de Katsuya Watanabe, com roteiro do escritor principal da série, Junichi Miyashita.

E como aqui no Senpuu, promessa é dívida, ta aí uma seleção de lindas fotos da deliciosa formosa atriz que é praticamente uma unanimidade entre os fãs de tokusatsu.

São pouco mais de dez minutos de imagens (sem legendas) dos atores e atrizes, passando por Kamen Rider Wizard, Gavan, Go-Busters, Kyoryuger e uma pontinha de Gokaiger, além da equipe técnica que tornaram todo esse filme possível.

Sempre que tenho a oportunidade de postar esse tipo de vídeo aqui no Senpuu, ressalto o quão bacana é poder ver eles se divertindo e trabalhando duro para que o resultado chegue nas telas como conhecemos.

O filme, que ficou com o terceiro lugar de bilheteria no fim de semana de estreia nos cinemas do Japão, atualmente ocupa a oitava colocação da lista.

Curtam os bastidores desta produção!

“Um dia, cinco crianças foram raptadas da Terra e levadas aos confins do Universo. E após 20 anos… Comando Estelar Flashman!”

Olá pessoal. Vou me manter ainda no meu top 5 de sentais recomendados e vou hoje falar sobre um totalmente desconhecido: Comando Estelar Flashman! Ou, o nome original muito mais maneiro, Choushinsei Flashman (Supernova Flashman).

Sei que a grande maioria já está careca de saber como Flashman é bom e provavelmente já viu a série, mas devemos lembrar que é um tokusatsu de 1986 que passou no Brasil lá em 1989, ou seja, a mais de 20 anos. Por isso, acho que vale uma olhada mais cuidadosa.

Quase 30, com tudo em cima

Entre os 36 super sentais  finalizados, o que leva Flashman ao meu top 5? Das cinco séries escolhidas por mim como favoritas, Flashman é a mais básica de todas. Não tem um enredo particularmente inovador, nem um clima diferenciado, e traz poucas inovações. Sim, eu sei, é a primeira vez que temos um segundo robô o que foi uma quebra enorme de paradigma, mas isso foi um pequeno arco dentro da série. Não estou minimizando, porém, as outras quatro séries inovam como um todo. Sendo assim, volto a perguntar: Por que Flashman merece estar entre as cinco melhores?

Aí vou usar uma classificação engraçada: Flashman para mim é uma série de vovó. Explico. Sabe aquele arroz com feijão da avó da gente? Era só isso, um arroz com feijão, uma carne, ou outra coisa, nada de diferente. Mas era tudo feito com tanto amor e zelo que tornava esse prato simples uma refeição espetacular. Assim é Flashman.

A criadora de Flashman

Começando pelo básico, temos cinco heróis muito carismáticos, mesmo que um pouco rasos. Jin é até hoje um dos meus Reds favoritos. Se eu estivesse naquela situação, eu o seguiria com certeza. Mais do que Tsurugi, mais do que Marvelous, tanto quanto Takeru. O esquadrão é bem balanceado, o que faz você se importar com eles sem destacar mais nenhum.

A parte de visual também era demais. Foi usada uma variação pouco vista antes, cada um tinha sua arma (ou uma bolinha, no caso do coitado do Go), uma bazuca que se desmembrava em armas maneiríssimas (nada de uma mirazinha merreca, viu, Changeman?) e dois robôs excelentes. Honestamente, gosto muito mais do falecido FlashKing do que da dupla Titan Jr./Gran Titan. E o uniforme deles, apesar de simples,era bem maneiro, especialmente o capacete. O detalhe de fechar o visor é muitíssimo maneiro.

Acima: não uma arma

Os vilões são históricos e um assunto à parte. Alguns são muito bacanas, como o próprio Monarca La Deus, a gatinha Nefer e o bizarrão Wanda, mas dois são inesquecíveis. Doutor Keflen era um cientista louco, criando seus monstros com o Sintetizador Biomolecular. Sua presença na tela era magnética e rapidamente conquistava o espectador. Além do caçador Kaura que no começo parecia apenas um outro vilão para ser o antagonista de Jin, mas aos poucos fomos descobrindo que toda a trama estava amarrada a ele.

“Te sento o chicote!”

Por falar em trama, chegamos ao que, para mim, é o maior trunfo da série. Além, é claro, de enfrentar o Cruzador Imperial Mess, temos duas tramas. Logo de cara a busca dos heróis por seus pais verdadeiros. Mais à frente na série, vem a contagem regressiva devido ao Fenômeno Flash-Negativo, que os mataria se eles ficassem tempo demais na Terra. Essas duas tramas se complementaram muito bem, criando um drama ao mesmo tempo simples e comovente.

Quando somos crianças, vemos tokusatsu basicamente por um motivo: ação. Não estamos muito interessados em trama ou drama, queremos ver robôs e monstros gigantes, pessoas com roupas coloridas e armas espalhafatosas e muita pirotecnia. Mas me lembro de que no caso de Flashman, eu ligava a TV toda semana não só por isso, e sim porque eu me importava. Eu ficava aflito com o tempo acabando, torcia para eles encontrarem os pais. Me emocionei quando Sara descobriu seu pai. Esse é o poder de Flashman.

Me emocionei com essa galera

Isso tudo pode parecer papo de saudosista, mas eu revi a série recentemente e continua tão legal quanto era antes. É um tokusatsu que te conquista, que faz você se importar além de vibrar com a ação. Por isso, meus caros, o Esquadrão Estelar vai ter sempre um lugar no meu Olimpo Colorido.

E repitam comigo: REFRAÇÃO FLASH!!

Diretamente dos Changeman e do SenpuuCast chega a camiseta “É o Gyodaai”.

Produto em Pré-venda!
Término das encomendas: 24/05/2013

Tamanhos disponíveis: P, M, G, GG e EGG (Masculino e feminino)
Valor: R$20,00
Frete Belo Horizonte e interior de Minas Gerais: R$10,00
Capitais: R$15,00
Outras regiões: R$17,00
Camiseta em algodão penteado na cor laranja. Gola redonda em punho. Costuras duplas/reforçadas.

Os dados bancários para depósito do pagamento da camiseta serão informados via e-mail. Os interessados devem entrar em contato pelo senpuu@senpuu.com.br usando o assunto: “Camisa É o Gyodaai”.

Informe na mensagem o seu endereço completo, a quantidade de camisas que quer comprar, o tamanho das camisetas e enviaremos a resposta com os dados da conta para o depósito.

Para saber exatamente o tamanho ideal para você, confira a tabela com as medidas de altura, busto, cintura e ombro. Lembrando que esses valores podem variar em até 2 cm.

De acordo com informações do vice-presidente de aquisições e produções da Shout! Factory, o lançamento acontecerá em preto e branco, mantendo o clima e o formato de cores originais. Portanto, tudo indica que uma versão colorida não será incluída neste lançamento. Além disso, ele informou que o idioma será o japonês, com legendas em inglês.

Contendo todos os 28 episódios em seis discos, a edição que foi lançada no Japão em janeiro, terá 690 minutos e será vendido pelo preço sugerido de $59.97, mas, segundo o que foi divulgado, a Shout! Factory está comercializando o DVD pelo valor de $47.98, enquanto a Amazon faz o preço de $41.98.

Considerado o programa de televisão mais caro de sua época, Ultra Q precedeu a franquia Ultraman nas telas japonesas em 1966 e teve 28 episódios. Um pouco diferente dos tokusatsus mais populares, a série traz uma mistura de ficção científica com os filmes de monstros da Toho.

Uma Ladra sem Limites

Direção: Seth Gordon
Roteiro: Craig Mazin

com: Melissa McCarthy, Jason Bateman, Eric Stonestreet, Amanda Peet, John Chu, Robert Patrick

crítica: Alexandre Landucci

“Antes só do que Mal Acompanhado” é uma das comédias mais bem sucedidas (e divertidas) do cinema. Certamente entra numa lista de 30 mais importantes e é sem dúvida a mais referenciada na última década. Em 2010, Downey Jr. e Galifianakis eram dois sujeitos que tinham que atravessar o país mesmo não se aturando, e que no fim criam uma amizade (da mesma forma que Steve Martin e John Candy faziam no filme de John Hughes). Esse ano essa mesma fórmula ganhou o aditivo do crime e substituição de um gordinho por uma gordinha.

No mais, Uma Ladra sem Limites obedece às regras do gênero. Na trama Sandy Patterson (Jason Bateman) é sujeito muito certinho – quase beirando o ridículo – mas é um marido amoroso, bom funcionário e bom pai que se vê envolvido em uma fraude de roubo de identidade. Diana (Melissa MacCarthy) se aproveita da ingenuidade do sujeito e clona sua identidade e com isso cria um cartão de crédito com o nome de Sandy – que tem nome de mulher, o que em teoria deixaria a historia mais “engraçada” – e parte para um festival de abusos, chegando a ser presa.

É claro que o verdadeiro Sandy acaba sofrendo com isso, e mesmo depois de provar sua inocência, tem seu emprego ameaçado (afinal à empresa não quer ter seu nome associado com um tipo de investigação policial que pode levar um ano para ser encerrada – informação que o filme faz questão de apresentar várias vezes ao espectador). Para evitar a demissão parte para um daqueles planos mirabolantes que mesmo completamente absurdos ganha até o aval da policia. O sujeito decide encontrar a fraudadora, com o pretexto de levá-la de volta a sua cidade para que ela confesse seus crimes ao seu chefe, embora de fato, ela estará sendo presa. Entendeu? É muita confusão para uma comédia que não é engraçada, se apóia em clichês e mesmo tentando ser politicamente incorreta é careta.

Desde a saída dá pra notar que a gordinha vai se redimir, porém o filme recheia a trama com momentos bobos e quase ofensivos. McCarthy, durante o filme, acaba arrumando um sujeito que é claro, só pode ser gordo já que gordos só podem se envolver com gordas, afinal, seria muito feio ver uma mulher bonita e um sujeito acima do peso não é? Ou vice versa. Por isso na cena de “intimidade do casal”, o que se vê não é nada além do que a visão adolescente retardada que a maioria do público comedor de pipoca deve ter em relação ao sexo: que ele está lá apenas para fazer rir. E pior, não faz, já que as piadas simplesmente não funcionam. Não existe graça em ver dois gordinhos gritando enquanto transam. E isso não é porque é politicamente “incorreto”, é porque simplesmente não é engraçado, além de reforçar um clichê bobo. Aliás a própria McCarthy se destacou na TV dentro de um clichê bobo, a péssima serie Mike & Molly, onde – olha só que coisa – Molly se apaixona por um policial gordo e viciado em comida.

Fora isso, os coadjuvantes são fracos e a correria onde nada acaba dando certo para os personagens nunca de fato, tem graça. Já que não basta a personagem de McCarthy ser uma falsária, ela precisa estar sendo perseguida não por um, mas por dois matadores que querem apagar a mulher. Todo esse excesso de “ruído” só tenta desviar a atenção de que de fato, o filme não é bom.

Jason Bateman faz o papel de bobo com alguma competência, mas nunca convence inteiramente como aquele sujeito que de fato está em perigo. Tudo é muito blasé e mesmo Melissa, uma comediante que transita com grande segurança pelos extremos da comédia, sabendo ser politicamente incorreta, brincar com o pastelão e com os textos rápidos e irônicos aqui se vê engessada num road movie que chega a lugar nenhum. Com participações especiais (não dá pra considerá-los como “coadjuvantes”) de Eric Stonestreet (o “amante” já citado) e Robert Patrick (um dos patéticos matadores), a historia nunca engrena.

E ainda insiste em momentos dramáticos excessivos: não basta terem roubado a identidade de Bateman, mas sua mulher está esperando o terceiro filho. Não basta McCarthy ser ladra, ela precisa ser humilhada, alvo de chacota e não ter amigos. E o pior é que a atriz até acerta quando precisa ir além do estereotipo, o que mostra que ela pode estar além da função de comediante, basta escolher trabalhos em que não seja sempre a “gordinha estranha e bizarra”. Uma daquelas produções que a expressão “um desperdício de talento” cabe muito bem.

Olá, pessoal! Começando mais uma semana com um novo tutorial cosplay pra vocês se divertirem e terem muitas ideias!

O passo a passo de hoje é do Kamen Rider Beast e pelo que eu pude reparar é um tutorial tranquilo, apesar de pouco detalhado e a confecção do cosplay parece ser até fácil.

Para começar, são usados moldes de E.V.A de todos os detalhes da armadura que, na sequência é revestida de courino nas cores preta e dourado. O procedimento se repete para o peitoral da armadura.

O capacete também usa um molde que é revestido com os detalhes em E.V.A e, posteriormente, pintado com spray de tinta, nas cores correspondentes.

Boa diversão e boa semana!

Como todo mundo sabe, a meta de vida do Gentaro é ser amigo de todo mundo e isso, porque não, inclui também as máquinas!

O SenpuuCast de hoje vai falar sobre “Kamen Rider Fourze The Movie: Minna De Uchuu Kita”, o filme que mostra que o espaço chegou para todo mundo, inclusive para mulheres gostosas lindas!

Fire, Mozenjaa, Patrine, Thunder e o debutante Robin, vão matar a saudade do Kamen Rider cabeça de foguete e de uma das turminhas mais carismáticas dos tokusatsus, falando o que acharam de bom e ruim neste filme.

Dê o play e Uchuu Kitaaaaaaa! \o/

Duração: 78 minutos

NOTÍCIAS, RIDER KICKS E COMENTÁRIOS DO SENPUUCAST

• VIII Encontro Senpuu
• Camiseta ‘É o Gyodaai”
• Camisetas Senpuu em estoque
• Tokusatsu: O Despertar do Herói

Envie e-mails para: senpuu@senpuu.com.br

O rapaz, de 20 aninhos, é japonês e, antes de fazer parte do elenco do nosso herói de tokusatsu, começou a carreira atuando no dorama Q10. Atualmente, Tsuchiya é membro do grupo D-Boys.

Curtam as imagens!

Depois da forma baseada em diamantes, agora é a vez de enfrentar um inimigo cheio de ouro! Uma primeira imagem que, ao que tudo indica, é de um catálogo de brinquedos, mostra o Golden Wizard, um mago mega poderoso que será enfrentado por Haruto em Kamen Rider Wizard The Movie.

Segundo as informações, os inimigos que aparecem no fundo da imagem são semelhantes aos que foram vistos durante as filmagens no início desta semana.

O filme, que estreia no dia 3 de agosto, terá direção de Shojiro Nakazawa e roteiro de Junko Komura.

Partindo de uma visão prática, não existe muita lógica da Toei/Bandai lançarem um “novo” belt do OOO, já que ele não tem nada de diferente. A alegação das empresas é que é uma versão de luxo, com mais medalhas do que a anterior, o que não justifica muita coisa. O que deixa a entender que a real intenção é ganhar mais dinheiro em cima de brinquedos baseados em tokusatsus.

Mas, como cada um sabe o que faz com seu dinheiro e existe colecionador para tudo, vamos deixar o ódio de lado e focar na “novidade”. De acordo com as informações divulgadas, o Super Best OOO Driver vai vir com as nove primeiras core medals presentes nos combos: GataKiriBa, LaToraTa e Tajador.

Essa preciosidade vai custar míseros 7500 yen, o equivalente a aproximadamente R$153,00. Além disso, estarão disponíveis também as core medals dos combos SaGoZho, ShaUtau e PutoTyra, que serão vendias separadamente pelo valor de 2500 yen, ou R$51,00, mais ou menos. Os dois produtos têm lançamento previsto para agosto deste ano.

]]> http://senpuu.com.br/2013/05/chega-no-mercado-o-super-best-ooo-driver/feed/ 1 http://senpuu.com.br/2013/05/tokusatsu-da-indonesia-estreia-em-junho/ http://senpuu.com.br/2013/05/tokusatsu-da-indonesia-estreia-em-junho/#comments Wed, 08 May 2013 13:16:12 +0000 Patrine http://senpuu.com.br/?p=29497
Saindo um pouco do circuito com o qual estamos acostumados, a Indonésia já está com tudo pronto para o lançamento de um tokusatsu no mês que vem! Uma parceria entre a indonésia MNC e a japonesa Ishimori Production deu origem à série chamada “BIMA Satria Garuda“, ou, numa tradução para o português, BIMA o Guerreiro Garuda.

Segundo o que foi divulgado, na trama, o enigmático Rasputin vai liderar a organização maligna VUDO e eles vão vir de um universos paralelo para roubar recursos naturais da Terra como oxigênio, água e luz solar. Mas, como nós sempre temos quem nos proteja, um jovem chamado Ray foi escolhido para ser o herói que defende a Terra desses ataques.

O elenco principal de BIMA, de acordo com informações já publicadas, terá como o protagonista Ray Bramasakti, Christian Loho , Rena Iskandar será interpretada por Stella Cornelia (JKT48), Rayhan Febrian vai dar vida a Randy Iskandar, Adhitya Alkatiri será Mikhail e Sutan Simatupang fará o vilão Rasputin.

No time dos heróis, Ray Bramasakti é o personagem principal, que vai se transformar em Bima Satria Garuda usando a Red Power Stone recebida por ele de uma pessoa misteriosa chamada Mikhail. Um rapaz quieto e honesto, ele trabalha como técnico na Satria Motor. Ray é órfão e tem Randy e Rena como amigos próximos.

Ao se transformar, ele ganha a agilidade, o foco e a força de uma Garuda (para quem, assim como eu, desconhece o que é uma Garuda, em pesquisa rápida no amigo Google, descobri que é uma figura mitológica do hinduísmo, sendo originariamente uma águia). Além disso, a arma dele é Helios e, quando chamada, ela vem voando diretamente do sol. O ataque final é o Garuda Strike.

Randy Iskandar é um dos melhores amigos de Ray desde a escola e faz as vezes de irmão mais velho para o protagonista. Também conhecido como Ray Way, ele era um órfão que herdou riquezas dos pais. Ele foi criado por um tio que o salvou quando criança.

A irmã mais nova de Randy, Rena Iskandar, também é parte importante na história. Inocente e ingênua, ela sempre tenta ajudar Bima, mas quase sempre acaba sendo sequestrada, o que atrapalha os planos do herói. Ela admira tanto Randy quanto Ray e é apaixonada pelo protagonista.

Já pela turma do mal, como já foi citado no início do post, Rasputin é o líder e usa o poder da Black Power Stone como principal fonte de recursos. O braço direito do chefe maléfico é Iron Mask, que tem a função de capitão da nave de guerra. A face por trás da máscara não é conhecido, no entanto, é sabido que ele tem o poder da Blue Power Stone.

Entre os monstros estão Tiger, Scorpion e Lizard Monsterman. Para completar a equipe, um homem chamado Azazel lutará com BIMA a mando de Rasputin, usando a arma Toranus (Deus do Trovão).

Programada para ter 26 episódios, conforme anunciado, BIMA Satria Garuda estreia no dia 30 de junho, às 8h30, com reprise dos capítulos aos sábados, às 15h, no canal de televisão RCTI. Existem também planos de lançar o tokusatsu em outros países como Malásia, Singapura e Brunei.

Outro detalhe interessante é que, assim como as produções japonesas, as mercadorias relacionadas à série serão responsabilidade da Bandai.

Para quem se interessou e ficou curioso, seguem dois vídeos com trailer e teaser de BIMA Satria Garuda. No canal oficial da RCTI no YouTube vocês podem conferir mais alguns vídeos bacanas da série.

E aí? Botam fé nesse tokusatsu? Gostaram do visual e da trama?! Enviem suas opiniões!

Gente, é uma emoção tão grande falar deste cantor que toda vez que escuto faz meu coração palpitar mais forte! Já deu pra perceber que ele é o meu favorito dos intérpretes de  músicas de tokusatsu, né? Antes da gente vasculhar um pouquinho da vida de Takayuki Miyauchi, eu quero contar uma experiência que tive com ele.

No final de 2011 aconteceu um evento aqui em Brasília, onde eu moro, e participei de uma eliminatória do concurso de cosplay com uma amiga. Caso ganhássemos, nós iriamos pra Sampa para a final nacional. A apresentação, ao meu ver, foi horrível, no dia choveu pra caramba e eu estava toda pintada de pancake azul e borrou tudo e foi aquela coisa. Mas nada podia tirar minha alegria naquele dia, já que quem estaria cantando no evento era nada mais nada menos que Takaiyuki Miyauchi.

Após nossa apresentação, logo ele subiria no palco, então eu troquei de roupa super rápido e ainda meio borrada de tinta fui assistir o show dele. Fiquei na primeira fileira. Lá, estava como intérprete, o nosso querido Ricardo Cruz. Foi super lindo, eu começava a cantar as músicas e não pude conter as lágrimas. O meu marido gritou que nem um doido para o Ricardo me deixar cantar uma música com o Takayuki. Até que, quase no final do show, começaram os primeiros toques da abertura do Kamen Rider Black RX e então o Ricardo me deu o microfone e pude cantar um trecho com ele. Depois disso, chorei mais ainda! Foi um dos dias mais perfeitos da minha vida, pois no final das contas eu também ganhei o concurso cosplay e fui pra São Paulo.

Depois de contar para vocês essa experiência maravilhosa, vamos ao que interessa!

Nascido em 1955, Takayuiki tem um apelido carinhoso de Myanii e, além de interpretar canções de tokusatsu tem em seu repertório músicas de animes também. Ele é a voz que dá vida aos temas de Kinnikuman, Dragon Ball – Red Ribbon Army e a abertura de Video Senshi Laserion.

Ainda no Ensino Médio, Miyauchi tocou bateria em uma banda formada por colegas de escola e tinha como referência musical os Beatles. Logo depois, começou a fazer shows em bares e casas noturnas, cantando músicas românticas e covers de jazz e blues. Além disso, ele participou também de grupos vocais.

Um dia resolveu se inscrever em uma audição da Columbia Records para gravar a abertura de Dynaman, mas perdeu para o Mojo. Porém, em 1984, Miyauchi foi chamado pra interpretar o tema de Bioman, iniciando assim sua carreira como cantor de tokusongs.

Com músicas marcantes e seu timbre de voz inconfundível, ele canta com a alma. Canções como as de Winspector, Solbrain e Kamen Rider Black RX ninguém esquece, principalmente quem assistiu essas séries  e lembra das cenas marcantes acompanhadas pela trilha sonora, é arrepiante.

Até nos tempos mais atuais, ele é convidado a fazer parte das trilhas de séries de tokusatsu e seu mais recente trabalho foi no projeto Bakushin Riser Ryu.

Aos 58 anos, Miyauchi continua fazendo shows para um público fiel e carente de uma das maiores vozes do estilo. Sua primeira aparição aqui no Brasil foi em 2005 no Rio de Janeiro e São Paul, seguido de apresentações em  2007 em Fortaleza, 2010 no Rio de Janeiro e a última vez que veio aqui fazer um show foi em 2011 quando esteve em Brasília e Salvador.

E pra você? Qual a música mais marcante do nosso querido Takayuki Miyauchi?

Para finalizar com chave de ouro, vamos para alguns covers brasileiros super bacanas de sucessos interpretadas por ele!

Segundo listagem publicada pelo site CDJapan dos futuros lançamentos em home video, serão quatro volumes, sendo três episódios nas edições 1 a 3 e, no quarto volume, serão quatro capítulos.

A parte de making of vai estar presente em todos os volumes com cenas extras e um folheto de seis páginas com conteúdo especial. Além disso, na edição final os fãs ganham uma caixa que vai guardar todos os volumes juntos.  A edição limitada vem ainda com um action figure do AkibaRed.

Disponíveis em DVD e Blu-Ray os preços vão ser de 4.800 yen e 5.800 cada. O lançamento do primeiro volume está previsto para 26 de julho, o segundo 28 de agosto, o terceiro para o dia 25 de setembro e o último para 25 de outubro.

Quem puder e quiser já pode encomendar por pré-venda e terá bônus especiais.

Em Transe

Direção: Danny Boyle
Roteiro: Joe Ahearne, John Hodge

com: James McAvoy, Rosario Dawson, Vincent Cassel

crítica: Alexandre Landucci

Entre aqueles colegas e amigos, devo ser um dos poucos que realmente gostou de 127 Horas. Em geral gosto de Danny Boyle, acho-o criativo no uso dos excessos, seja ele do som – em geral altíssimo, da montagem – em geral acelerada, dos temas – em geral multifacetados e das interpretações – em geral beirando over acting. Essa é a sua forma de fazer cinema e diante de Trainspotting, Cova Rasa, Extermínio e até mesmo Caiu do Céu, trabalhos muito interessantes – e diferentes um do outro – sua competência está provada. Que pese ainda o seu Oscar por Quem quer ser um Milionário (que eu particularmente não gosto) e o já citado 127 Horas, dois filmes que dividiram bastante o público e crítica, o diretor é bem sucedido e goza do respeito dos colegas e críticos.

Toda essa introdução de livro biográfico serve apenas para tentar entender em que poço Boyle se enfiou para conceber Em Transe, seu mais recente trabalho. Estruturado como filme de assalto, e posteriormente como uma produção quase onírica e por fim como “elegia da vingança”, Em Transe é um “semi-abacaxi” que pela maior parte do tempo parece uma bobagem pretensiosa, caminhando desgovernadamente sem um rumo específico.

Essa sensação de desconforto que senti é explicada pela trama. Simon (James McAvoy) é um sujeito que trabalha em leilões de arte e que durante um assalto acaba sendo atingido na cabeça e perde a memória recente. Ficamos sabendo na sequência seguinte que ele é um dos comparsas do assalto e que o quadro roubado no leilão ficou com ele. Mas ele não sabe aonde. Não se recorda com a pancada na cabeça.

O bando liderado por Franck (Vincent Cassel), tenta de tudo e no desespero para colocar as mãos no quadro, recorre ao hipnotismo. Aleatoriamente a escolhida é a bela Elizabeth (Rosario Dawson), que tem a missão de encontrar as memórias de Simon, em meio ao caos que sua perda de memória deixou sua cabeça. A partir daí, a trama se desenrola entre os mundos da memória criados pelo rapaz e pelas descobertas na vida real.

A confusão e desorientamento da trama – não dando a impressão que vai chegar a algum lugar – é ampliada pela forma como a narrativa é apresentada. A princípio simplista (caras querem um quadro caro vs. sujeito não sabe onde está e precisa achá-lo), ganha ares épicos e grandiloquentes quando vai se destrinchando, culminando em um daqueles finais saídos do pior do cinema pop, onde tudo “tem que fazer sentido e a trama precisa ser certinha”, o que parece fazer o gosto de uma parcela generosa do público.

Esse cinema robótico não dá espaço para o próprio desenvolvimento da historia. Boyle está tão preocupado em acertar sua resolução – para que tudo “faça sentido” – que ignora que seu ato final apesar de funcionar num sentido matemático (ou seja, a trama se encaixa) em termos cinematográficos e narrativos é patética. Você caminha por 90% do tempo em uma direção para mudar tudo em um daqueles plot twists exagerados e que dão um ar de realidade fantástica a uma historia que – quando não se passa na cabeça do protagonista – é calcada no realismo em termos narrativos.

Essa ideia beira o pedantismo, e quer dar um estofo épico a uma trama simples demais. Que pese o fato de Boyle ser um bom diretor e saber conduzir-nos por seu labirinto de referências, cores, sombras e iluminação precisa, fazendo da experiência ainda mais frustrante. Se o primeiro ato é intrigante (afinal por quê Simon quis se envolver com o crime?) e as respostas para nossos questionamentos no segundo são aceitáveis (óbvias, mas fazem sentido de forma prática) o ato final descamba para uma virtuose e exercício de estilo que – se é tradicional na filmografia de Boyle – prejudica sua história. E tudo começa na imagem mais impactante de toda a trama, um trabalho magnífico da equipe dos efeitos visuais do filme. A partir daí, com a quebra violenta entre real e imaginário, a trama corre – literalmente – até o fim de forma lisérgica com revelações sendo atiradas na cara do espectador, sem que exista muito espaço para que possamos engolir muito bem tudo aquilo dito. É uma estratégia claro, usada em milhões de filmes. Você derrama um caldeirão de informações em um espaço curto, não dando tempo para o espectador pensar nos furos e absurdos do que está vendo, porque estamos tão curioso para saber até onde a trama caminhará que aceitamos aquilo passivamente.

Se James McAvoy está correto, Vincent Cassel vê seu personagem ir perdendo força de forma agressiva e depois de um início forte, vai tornando-se um coadjuvante de luxo, enquanto Dawson da frieza inicial vai se tornando a peça fundamental da trama (pequeno spoiler aqui). Rosario é uma mulher belíssima e Boyle soube usar seus “atributos” para ilustrar sua pedante trama. Mesmo que seja ótimo ver a atriz completamente nua (pelo menos para os heterossexuais e as lésbicas) estas sequências são das mais gratuitas da história recente do cinema. E por que razão? Boyle precisa responder a uma pequena e insignificante referencia que faz no início do filme sobre um livro de arte. Muitos podem dizer que, na verdade, é uma exercício sobre o domínio que a personagem é submetida, mas por favor, ninguém me tira da cabeça que no fundo Boyle quis apenas mostrá-la pelada (nada contra, ela é linda) e que se as cenas não aparecessem na tela, de fato nada mudaria.

Em Transe flerta com o completo desastre com uma intimidade assustadora, mas Boyle sabe deixar o espectador, se não envolvido (já que os personagens são frios e a trama sórdida não ajuda), ao menos curiosos para saber onde aquele assalto mal sucedido vai nos levar. Uma pena que a resolução encontrada seja mais do mesmo, e caia no quase absurdo, transformando personagens em pessoas com habilidades super humanas.

Depois do anúncio de Ultraman Ginga, que aparentemente vem dar uma renovada na franquia e faz parte das comemorações de 50 anos da Tsuburaya, temos alguns scans que mostram algo a mais deste novo herói e também uma foto do elenco.

Um dos blocos do programa “New Ultraman Retsuden” trará Ultraman Ginga para as telas a partir do dia 10 de julho. No total, serão 11 episódios e dois capítulos especiais. Os primeiros seis episódios serão exibidos de julho a agosto e os últimos cinco entre os meses de novembro e dezembro, enquanto os dois extras vão ao ar durante eventos que acontecem em setembro de 2013 e na início de 2014.

Confira, na galeria, mais imagens do Ultraman Ginga e envie nos comentários a sua opinião sobre esse novo herói!

Lançada em 1977, a Voyager 1 é considerado o objeto feito pelo homem que viajou a maior distância a partir da Terra até hoje. Criada para explorar o sistema solar, a sonda está em órbita por mais de 35 anos, tendo viajado mais de 18 bilhões de quilômetros do nosso planeta e atualmente está em uma região desconhecida do espaço.

Caso a nave espacial seja encontrada por formas de vida inteligentes de outros sistemas planetários, a Voyager 1 carrega o “disco dourado” que contém uma apresentação da Terra para outras civilizações, com 115 imagens de grandes construções, 35 sons naturais do nosso planeta e saudações gravadas em 55 línguas diferentes.

De acordo com as informações divulgadas sobre o evento, durante 50 minutos, estudantes que cursam até a 3ª série podem acompanhar as atividades que acontecem de terça a sexta-feira e, durante os fins de semana e feriados acontecem duas apresentações diárias, uma de manhã e outra no período da tarde. A expectativa é que o programa aconteça até junho deste ano.

Nada mais justo que um detetive espacial e um Rider que tem a lua como segunda casa (Uchuu Kitaaaaa! \o/) para ensinar as crianças, né!? Mas acho que muito marmanjo ia querer aprender com eles também!

“Pare de ficar lendo mangá, ô panaca. Vá ler uns livros escolares”

                                                           – Hikaru Shinodo -

Campus Special Investigator Hikaruon é o nome desse ova divertidíssimo que presta uma homenagem aos tokusatsus e especialmente aos Metal Heroes.

Hikaru Shinodo, um jovem com uma jaqueta transadíssima, uma motoca supersônica e as clássicas luvas com dedos furados, se disfarça de estudante para investigar estranhos acontecimentos com a moçada da escola. Hikaru conta com a ajuda da sexy Adzumi Hadzuk que se passa por professora e também participa das investigações de misteriosas mortes de alguns jovens.

O vilão é Amakusa/Demonic Beast ou Demon Beast, um tirano que anda roubando a alma dos estudantes e também tem o poder de viajar para outras dimensões.  Durante a missão, Hikaru acaba arrumando confusão com o Bad Boy da escola, Gomi, um brutamontes filhinho de papai  que, junto com sua gangue da pesada na Sessão da Tarde, anda aterrorizando a turma do colégio. Hikaru também conhece Yayoi Shiina, uma clássica garota colegial tímida e de coração bondoso que acaba interessando por ele.

O anime esquenta quando Adzumi, ao investigar um bar, é atacada por um grupo de caras alucinados que mais parecem estar possuídos. O protagonista, por sua vez, também é vítima de um ataque de uma gangue de arruaceiros junto com Yayoi, mas logo dá cabo de todos. Ao ir atrás da amiga, Hiraru vai para outra dimensão e  se transforma em Hikaruon, o detetive escolar com sua armadura de metal supimpa e pronto para combater o mal!

Será que Hikaruon conseguirá resgatar Adzumi e Yayoi? Será que ele vai derrotar o malvado Amakusa? Avante, Hikaruon! Contamos com você!

Galera, fazer um texto mais anos 80 do que esse é impossível! Campus Special Investigator Hikaruon é um anime de 1987 produzido pelo estúdio AIC, com direção de Kazuhiro Ochi (Angel Tales tv, Hamtaro) e totalmente baseado em tokusatsu. Mas, também podemos perceber a influência dos animes da época com teores sombrios, moças com roupas rasgadas, close em seus atributos e, claro, sangue pra todos os lados.

Na minha humilde opinião, os melhores animes foram feitos nesta década, uma época de ouro na qual mesmo uma produção bem curta (como é o caso de Hikaruon) tinha um roteiro bem elaborado e coerente e não algumas obras de hoje que são repletas de furos e mal trabalhadas. A maneira de retratar os Metal Heroes é excelente, pode-se dizer que Hikauron faz homenagens a todos, desde Gavan, Jaspion até Shaider. A moto do herói, Sparuon, é bem parecida com a do Jaspion, já a armadura lembra muito a do Sharivan.

Outro ponto forte dessa pequena adaptação é o som, ouvimos Hikaruon sempre gritando antes de um pulo, além das músicas usadas em Metal Heroes. Há também câmeras dando close três vezes seguidas como acontece em muitos tokusatsus, frases heróicas,  golpe final com espada e, o que não poderia deixar de ter, uma trilha composta por nada mais nada menos que Akira Kushida, intérprete de temas de abertura de Gavan, Sharivan, Sheider, Jiraiya e Jiban.

Há uma cena sensacional na qual o monstro persegue Hikaruon que foge voando e a intenção é fazer parecer que ele está sendo puxado por cabos. Isso mostra a competência de Ochi em nos mostrar exatamente como a técnica, hoje considerada “tosca” por muitos, era usada nos live-actions da época. Outro detalhe que também não poderia faltar é a visão do personagem dentro do visor, outra característica marcante nos tokusatsus.

Embora de curta duração, esse anime fez muito sucesso. Aqui no Brasil possui milhares de fãs e é até chamado de “animatsu“. A animação é muito bem feita, o look dos anos 80 com personagens altos e de pernas longas está presente e a dublagem, como de costume, está perfeita. Hikaruon é dublado por Toshihiko Seki (Milo de Escorpião de Cavaleiros do Zodíaco e Iruka Sensei de Naruto).

Um OVA de apenas 29 minutos, mas que é um show de homenagens a nossos heróis do tokusatsu e que infelizmente não teve mais episódios porém, com certeza entrou no hall dos melhores animes da década de 80. Se você ainda viu essa preciosidade, assista, é programa obrigatório para os amantes de tokusatsus e também pra quem curte um ótimo anime. Rekkuu!

A novidade do momento é a nova linha de Gaia Memories colecionáveis! O dispositivo de transformação de Shotaro e Philip já teve uma versão com o rosto dos heróis desenhados nelas. Agora, os brinquedos terão as logos das séries das Eras Showa e Heisei.

Foi divulgado ainda que será lançado um segundo lote com algumas formas exclusivas e não das séries, serão elas: Wizard, Fourze Cosmic States, Kiva Emperor, Den-O Liner, Faiz Blaster, Ryuki Survive, Agito Shining, Rider #1, Rider #2, Riderman, Stronger, Black, Shin, J, Fourze, PuToTyra Combo, Decade Complete, Kabuto Hyper, Hibiki Armed, Blade King, Kuuga Ultimate, V3, X, Skyrider, ZX, Black RX, e ZO.

Agora é só esperar para saber as datas de lançamento e guardar dinheiro para adquirir essas preciosidades de uma das séries mais “magnificas” da história dos Kamen Riders!

Segundo informações, Matsuzaka foi agraciado graças à sua atuação no filme “Tsunagu“, uma adaptação do romance best seller de Mizuki Tsujimura.

Na produção cinematográfica, ele interpreta Ayumi, um estudante colegial que trabalha como aprendiz com a própria avô. O filme é um drama misturado com fantasia e conta ainda com as participações de Kirin Kiki e  Miyoko Asada.

Porém, há outros rumores circulando pela internet! Há a possibilidade de Shibue fazer uma aparição na série, mas interpretando um amigo de infância do Kyoryu Blue que provavelmente deve aparecer no episódio 15, programado para ir ao ar no dia 26 de maio.

O ator, de 30 anos, já participou de tokusatsus dando vida a Iori Izumi, o Kamen Rider Ibuki de Kamen Rider Hibiki e repetiu a dose atuando em Kamen Rider Decade.

Olá caros amigos. Quem acompanha nossos podcasts já ouviu mencionarmos diversas vezes o famigerado Protocolo Super Sentai. Mas para quem não o conhece, que protocolo é esse? É uma base de roteiro que é seguido por quase todos os episódios das séries dos guerreiros coloridos.

O protocolo segue da seguinte forma: primeiro começamos com a exposição da trama, normalmente atreladas ao personagem que tem o foco da semana. Depois temos o primeiro confronto com o monstro da semana, mas que não é concluído logo de cara. Então, vem mais uma evolução da trama, culminando com a segunda batalha com o monstro, que acaba com o sentai usando seu finisher para matar o inimigo, que então torna-se gigante (ou entra em um robô gigante em alguns casos) e aí vem a luta com o robô. Finalmente, acontece a conclusão da trama.

E sobem os créditos

Talvez quase nada tenha mudado tão pouco nestes 37 anos de série quanto o protocolo. Tirando a parte do robô, sua estrutura foi cunhada já em Goranger e sofrendo apenas pequenas modificações para incorporar alguns elementos novos. Talvez a única produção da franquia que tenha realmente quebrado o protocolo com regularidade tenha sido GoBusters, no ano passado, mas ainda assim manteve todos os elementos. O protocolo já se tornou-se parte da identidade dos sentai.

Mas por que essa estrutura é tão forte? O público principal dos sentai é o público jovem, especialmente o infantil e essa repetição torna os episódios fáceis de compreender e acompanhar, independente da idade. A trama raramente se mistura com a ação, tendo momentos separados. Além disso, como os capítulos são curtos, cada um dos segmentos é bem direto e claro, adicionando à facilidade de compreensão.

Drama!

Isso não significa que todos os episódios são iguais. Cada segmento tem um tamanho de acordo com a necessidade da semana. Algumas vezes temos combates mais rápidos e narrativas mais longas, ou até mesmo lutas de robô que são apenas a montagem e o finalizador. Há também capítulos especiais que quebram totalmente esse protocolo, como os episódios duplos ou aqueles que apresentam um novo elemento à série (novos vilões, sexto ranger, power up, novo robô, etc.).

Cada sentai também dá uma roupagem própria. Hurricanger não tinha apenas um herói de destaque da semana, mas também o vilão. Dekaranger apresentou uma estrutura de casos, sendo que os dois segmentos de trama são dedicados a pistas. Já GoBusters, quebrou bastante a estrutura fixa, misturando o tempo de cada parte, sendo que muitas vezes tínhamos trama em paralelo ao combate, ou mesmo lutas e combates gigantes simultâneos  Pessoalmente, acho que esse é um dos motivos pelo qual a série foi tão interessante.

Nada escapa à investigação minunciosa da SPD

Agora que você já conhece, vá assistir qualquer sentai e observe como o protocolo acontece na prática! Classe dispensada.

Hoje a sessão Japan Dolls vem com uma heroína e cantora, a linda Erina Mano, intérprete da Nadeshiko Misaki ou Kamen Rider Nadeshiko, na série Kamen Rider Fourze.

Erina começou a carreira como cantora em 2008 no grupo Hello Project. Em 2009 lançou o primeiro single solo e sua carreira começou a crescer  muito. O álbum mais recente da moça é “More Friends Over” lançado em 2012.

Como atriz, ela começou com participação no dorama Pocky 4 Sisters! em 2008 e atualmente atua em Minna! Esper Dayo! que começou no dia 12 de abril.

Agora vamos deixar de historinhas e vejamos as lindas fotos!

Os números, divulgados pelo site Movie Walker, mostram que o filme de tokusatsu não conseguiu superar Homem de Ferro 3, que ficou em segundo lugar e a medalha de ouro de arrecadação na terra do sol nascente pela segunda semana consecutiva foi para o 17º filme do Detective Conan, o “Private Eye in the Distant Sea”.

Ainda de acordo com as informações publicadas, o live action “Toshokan Sensou” conquistou a 4ª posição neste primeiro fim de semana nos cinemas.

Assim que saírem os números da bilheteria, atualizaremos aqui no post, fiquem ligados!

Conversamos, jogamos sinuca, escutamos boa música e rimos bastante. Agradecemos mais uma vez a todos os presentes que fazem com que esses momentos de reunião sejam possíveis!

Dessa vez teve até UFC na televisão, além do quadrinho de Os Vingadores em versão mangá (com altas referências de tokusatsu) que o Thiago O Rato levou para a gente dar uma olhada.

Pedimos desculpas pois, por motivos de força maior, não pudemos entregar os adesivos de séries prometidos, mas eles estão guardados e chegarão a todos os que participaram do evento.

Fique ligado para mais detalhes sobre o encontro do mês de maio!

A ideia é bem representada em trechos do clipe, nos quais a Gaijin está em várias partes do mundo com os fãs e mostra a vontade de seguir em frente e a determinação que colocou a banda onde ela está hoje, considerada uma das melhores do segmento no Brasil.

Confira o clipe abaixo:

Banda: Gaijin Sentai
Album: OST
Música: K
Edição de vídeo: Z Monteiro

Vale lembrar que essas produções só tem em comum a data de lançamento, mas são histórias separadas sobre cada uma das séries e não crossovers, por enquanto.

Kamen Rider Wizard The Movie terá a direção de Shojiro Nakazawa e o responsável pelo roteiro será Junko Komura. Na trama, Haruto vai viajar à “Land of Magic” (ou Terra da Magia), onde ele vai conhecer o Mago Dourado, conforme já publicamos aqui no Senpuu.

Já Zyuden Sentai Kyoryuger The Movie contará com a participação do Zyudenryu #00 Tobaspino, uma nova combinação que receberá o nome de SpinodaiOh e ainda um novo Kyoryuger para a equipe. Como também já anunciamos, o primeiro filme totalmente musical de super sentai será escrito por Riku Sanjo e dirigida por Koichi Sakamoto.

Infelizmente, tutoriais de cosplays de Super Sentai, Ultras e outros franquias de tokusatsu além de Kamen Riders não são muito comuns. Mas, hoje é dia de Go-Busters na nossa série de posts com passo a passo de armaduras de heróis. Para ser mais precisa, o tutorial é do Red Buster. Então, vamos a ele!

Basicamente, o cosplay de sentai tem foco na roupa em si, geralmente um collant, botas, luvas, cinto e capacete. Portanto, se você conhecer uma boa costureira ou souber costurar, esse será o seu trabalho.

Começamos o vídeo com a confecção do capacete, usando um capacete de obra e E.V.A pra colar no formato certo. Esta maneira de fazer o capacete é bastante trabalhosa, pois leva massa modeladora e pintura automotiva. É quase uma lanternagem aí, mas vale a pena testar todas as formas de confecção de capacetes.

A roupa é feita de courino. Para o cinto, foi usada uma espuma revestida também de courino e os detalhes podem ser feito de E.V.A. As botas foram pintadas e o acabamento na parte de cima do cano foi feito com courino preto. A luva também seria de couro vermelho. Não sei se dá pra pintar couro, pois eu nunca testei, mas quem conseguir, é aconselhável comprar a luva branca.

Cosplay pronto. Agora é só curtir!

Homem de Ferro 3

Direção: Shane Black
Roteiro: Drew Pearce e Shane Black

com: Robert Downey Jr., Gwyneth Paltrow, Ben Kingsley, Guy Pearce, Don Cheadle, Jon Favreau

crítica: Alexandre Landucci

A maldição da expectativa. Se existem filmes que sofrem desse mal, alguns sequer sobrevivem sem o arfar no cangote de fãs alucinando a cada nova imagem, trailer e pôster divulgado. Fazendo aqui um mea culpa, muito dessa loucura causada por quem divulga (eu, por exemplo) cada nova ação de marketing dos filmes. Mas, espera-se que em pleno século XXI, os fãs (e os curiosos) percebam que tudo é uma estratégia para deixar o espectador salivando por aquilo, e que não é porque o pôster é incrível, as fotos te animam e o trailer te fez arrepiar que o filme vai ser bom. Ou melhor, mesmo com tanta propaganda não o julguem por isso, mas por seus próprios méritos.

Dito isso, vamos a Homem de Ferro 3, um desses exemplos mais claros de filmes fadados a serem consumidos meses antes de sua estreia. Sem Jon Favreau no comando, e com Shane Black (roteirista da serie Máquina Mortífera, O Último Grande Herói e diretor do bom Beijos e Tiros) assumindo a responsabilidade de lidar com o personagem mais rentável e popular da Marvel Studios. A pergunta que todos vocês fazem é: E aí, é bom?

Sim, Homem de Ferro 3 é divertido, mas paremos por aí. Não “explode cabeças”, tem problemas diversos na estrutura da narrativa, um excesso de humor que surge em momentos onde ela simplesmente não deveria existir, uma pretensa “seriedade” que soa galhofa demais e alguns elementos que farão os fãs de quadrinho xiita xingarem até a décima geração de Shane Black.

Vamos por partes: Shane Black pega Tony Stark após os eventos vistos em Vingadores e o transforma em um sujeito que não dorme, obcecado na construção de uma infinidade de armaduras e que sofre de uma espécie de ataque de pânico que é repetido a exaustão durante a produção. Stark também se vê mudado pelos eventos do filme citado e questionando sua força, sua real importância como herói e em ultima instancia seu passado, responsável direto pelos acontecimentos desse terceiro filme.

Sem me ater a spoilers, basta dizer que nessa terceira aventura, um Stark pré-filme original comete um erro e o resultado desse erro (de caráter) vem bater a sua porta. Soma-se a uma dificuldade de relacionamento de Tony e Pepper e o cenário está criado para os problemas enfrentados nesse filme.

Shane Black assina o filme de verdade. Diferente do que poderia parecer, Black não age aqui como diretor de aluguel, mas trás seu humor cortante para a produção de forma bastante aguda. Isso quer dizer que o Homem de Ferro usa e verdadeiramente abusa de piadas por todo o tempo. Em comparação direta com os outros filmes, é de longe o filme mais engraçado e que talvez funcione melhor para um público mais multifacetado sem tanto interesse em quadrinhos (e aqui especulo de forma arrogante, admito).

O primeiro Homem de Ferro (de longe o melhor filme da Marvel Studios até aqui, seguido de perto por Vingadores) tem um saudável equilíbrio entre o bom humor – especialmente na figura e na personalidade de Tony Stark, e ótimas sequências de ação, que dão credibilidade aos desafios do personagem em ver-se livre do mal que suas empresas produziam e enfrentam a traição no seio de sua companhia.

Já no segundo, esse elemento de bom humor ainda existe, mas foi suplantado por uma preocupação maior na criação de um vilão – Ivan Vanko/Mickey Rourke – que não é carismático e rumina suas frases sem causar qualquer tipo de impacto. Se tínhamos Sam Rockwell como o outro vilão (mais interessante e carismático) ele acabou sendo deixado de lado, e acrescido ao surgimento do Máquina de Combate e da Viúva Negra, o filme padeceu dos problemas que sempre acabam acometendo filmes com excesso de gente em tela: mau desenvolvimento dos mesmos. Que pese que o filme mantém a qualidade de ação, é um passo atrás em relação aos muitos acertos (de tom principalmente) do filme original.

Já a terceira aventura, como disse é a mais engraçada das três. Tirando inclusive o impacto de diversas cenas de ação com essa mania de a cada segundo precisar justificar a personalidade de Tony Stark. Sabemos que ele é um gozador, sabemos que ele é um sujeito sarcástico e que não se leva a sério (esse é seu charme e grande diferencial em relação a todos os heróis de quadrinhos que o cinema mostrou até aqui), mas precisamos ser lembrados disso a cada cinco minutos? É plausível que em meio a uma batalha, o sujeito simplesmente faça uma piada segundos depois de imaginar que alguém que ele verdadeiramente se importa acaba de morrer? É plausível que cada capanga dos vilões da vez sejam excelente humoristas? É plausível que mesmo nas situações em que o filme tenta criar uma crise (seja de consciência ou simplesmente um evento que precisa ser evitado), sempre exista uma tirada engraçadinha?

Voltemos aos filmes anteriores. Quando Tony era espancado por Obadiah no final do primeiro filme ele fazia piadinhas? Quando foi espancado em Monte Carlo por Vanko, ele saiu-se com uma anedota? Não. Então Black exagera aqui, fazendo do Tony Stark uma versão de armadura de uma comediante. Os traços da personalidade de Stark não justificam esse excesso, principalmente quando essas ideias prejudicam o andamento e tiram o impacto das sequências de ação.

E os problemas de estrutura? Não existe um real impacto na trama. Seguindo o mal da maioria dos quadrinhos de heróis, nada de fato muda. Black brinca de cubo mágico aqui. Pega a estrutura pronta de Favreau/Whedon (diretor de Vingadores), muda as peças de lugar e inverte as cores para no fim, de fato, mudar quase nada. Sim, existe aqui um sentimento de final de trilogia, e me pergunto por quê? Seria Downey Jr. dando adeus ao personagem? Emulando os quadrinhos, esse seria o fim de um arco? Se formos pensar assim, porque ignorarmos elementos plantados ali no primeiro filme? A tal irmandade dos 10 anéis, que era tão poderosa no primeiro Homem de Ferro, ressurge aqui nas mãos do vilão Mandarim, mas de uma forma completamente distorcida, por exemplo.

As cenas finais do filme (não se preocupem, não vou contar) explicitam essa intenção quase Batman de Christopher Nolan de passar o bastão, para nos momentos finais mudar de ideia. Então para que seguir por esse caminho? Como disse, Black pega seu cubo mágico,  gira, mexe e remexe e no fim deixa-o como encontramos antes. Todo o mal perpetrado enfim, não serve de muita coisa. Nem mesmo as ideias que ele mesmo planta (o tal surto de ansiedade) tem um final digno.

E chegamos àquilo que deve (de novo, me dou o direito de especular aqui) irritar os fãs mais xiitas do Homem de Ferro. Na mitologia do herói, o Mandarim é seu nêmesis. Seu Coringa, seu Lex Luthor, seu Doutor Octopus (ou Duende Verde), seu Loki, enfim… aquele sujeito que realmente dá trabalho ao herói.

Falando do ponto de vista quadrinhístico, e aqui confesso não ser um leitor do personagem, mas conheço um pouco sua mitologia, Black faz algo parecido com o que Joel Schumacher fez com Duas Caras em Batman Eternamente (pra ficar num exemplo). Deu medo né? Mas calma, apesar do Mandarim que vemos em tela não ser exatamente aquele que o público imagina, ele funciona muito bem. Isso me leva ao questionamento que fiz no inicio desse texto sobre expectativa. Durante todos os trailers e pôsteres, a figura do Mandarim de Ben Kingsley serviu como símbolo do poder e do mal. O departamento de marketing da Marvel agiu de forma brilhante aqui, e assim como acontece na trama do filme, despistou completamente os fãs (e leigos) sobre o que de fato é sua trama e de que forma o Mandarim funciona na produção e isso leva a reflexão do ponto de vista cinematográfico. Nesse sentido, o Mandarim é maravilhoso, talvez a grande sacada do estúdio Marvel até aqui. Uma ideia tirada da cartola que o aproxima do mundo real e cria uma discussão curiosa e bastante válida em uma produção com interesses meramente escapistas (não é um demérito tá gente, é só uma constatação, afinal ninguém vai ver um filme do Homem de Ferro esperando uma discussão sobre o universo, não é?). Estou verdadeiramente curioso para ver (e ler) as reações do público em relação a esse personagem. De minha parte, fica o aplauso a ousadia da equipe do filme.

Downey Jr. conhece o personagem como ninguém (usando um lugar comum). Por isso, dizer que ele novamente acerta em cheio como aquele playboy redimido cheio de marra é chover no molhado. Ben Kingsley como o citado Mandarim está no mesmo nível de Downey Jr., divertindo-se com os elementos visuais e com o uso da linguagem por seu personagem. Guy Pearce faz de Aldrich Killian, um Tony Stark sem charme, o que para a historia contada é funcional, enquanto Don Cheadle volta à carga como um Rhodes menos sisudo. Enquanto Gwyneth Paltrow tem mais destaque emocional, sendo a real motivação para quase tudo que Stark faz na trama.

Em termos de ação, a coisa funciona novamente muito bem. Que pese a quantidade inacreditável de armaduras (que a gente sabe servem para vender toneladas de brinquedos) e que de fato só acabam sendo usadas de forma efetiva em uma cena, a antecipada cena de destruição da mansão de Stark é muito boa, assim como (minha favorita) a que envolve um salvamento de uma serie de pessoas em pleno ar. Como em todo filme de quadrinho que se preze, uma gigantesca sequência final aqui também se faz presente e ela é divertida, explosiva e repleta de gadgets (no caso armaduras). Tudo bem construído, fugindo do “piscou-perdeu” embora envolva uma quantidade obscena de personagens e uma montagem frenética. O mesmo vale para a citada sequência do avião, onde o sentido de urgência é evidenciado pela dificuldade em executar o salvamento.

Homem de Ferro 3 é uma aventura divertida e só. Talvez seja na medida do que de fato esse tipo de produção deva ser, mas diante de um primeiro filme impactante e vindo do mega sucesso de Vingadores, era de se esperar que Tony Stark tivesse seu primeiro arco no cinema (se é que se pode dizer assim) melhor arrematado. Diverte, entretém, faz rir, mas está longe do que o personagem e a Marvel mostraram poder fazer com o herói.

Se um Gavan já é bom, imagine dois!

O filme Space Sheriff Gavan: The Movie, sucesso de público e crítica, é o tema da edição 102 do nosso podcast! Fire, Mozenjaa, Patrine e Alexandre Landucci comentam a cerimônia de entrega de tocha do antigo Metal Hero para o Type G!

Vamos saber o que deu certo e o que não agradou tanto assim nessa produção que mistura nostalgia e renovação no mundo do tokusatsu!

Vale lembrar que as gravações deste SenpuuCast aconteceram antes de sabermos do falecimento do ator Toshiaki Nishizawa, o comandante Qom (que inclusive foi citado durante o bate papo) e ficam registrados mais uma vez nossos sentimentos pela perda dele.

Duração: 72 minutos

NOTÍCIAS, RIDER KICKS E COMENTÁRIOS DO SENPUUCAST

• VII Encontro Senpuu
• Resenha sobre Heroes Festival
• Camisetas Senpuu em estoque
• Tokusatsu: O Despertar do Herói
• Texto “Desafios e responsabilidades de um novo Gavan”

Envie e-mails para: senpuu@senpuu.com.br

Segundo informações iniciais, Bunpachy pode se combinar com Gabutyra e Ankydon resultando no Kyoryuzin Kung-Fu. Ainda não foram divulgados dados adicionais como quem será o ator que interpretará o novo herói, mas, fiquem ligados que, assim que soubermos de mais alguma coisa, faremos posts aqui no site!

Mas aí vocês podem perguntar: “ele já não esteve num post destes antes?” e eu respondo que sim, porém, o problema que tivemos com o servidor há muitoooo tempo levou todas as lindas imagens que eu tinha selecionado dele… E, afinal, a outra razão dele estar aqui é o fato de ser o japonês mais lindo de todos os tempos!

Portanto, vocês ficam com uma galeria mais completa, já que o rapaz tirou fotos para um calendário em 2012 e ainda fez outro ensaio fotográfico nesse período. Além disso, agora temos algumas imagens dele com seu inseparável chapéu de coelhinho, que rodou todo o set de filmagens da série e são muito divertidas!

Podemos separar os vilões de tokusatsu em dois grandes grupos: os humanos e os monstros. Veja bem, eu uso isso de uma forma bem ampla. Humanos são aqueles que possuem uma aparência basicamente de pessoas, normalmente com roupas bizarras e muitos apetrechos. Monstros são aqueles que são completamente fabricados, não possuindo nada de ser humano. Vamos pegar Gokaiger como exemplo para ficar fácil: Basco seria um vilão humano e Warz Gill um monstro. Mas, afinal de contas, qual a diferença entre eles?

Vilões monstros são, na maioria dos casos, mais visualmente impressionantes. O fato de serem totalmente construídos permite que sejam mais bizarros, mais grandiosos ou até mesmo em formas estranhas. Entretanto, ao mesmo tempo, eles têm menos expressão e por vezes mal têm movimentos, como era o caso do saudoso Monarca La Deus.

Monarca Mãozinhas

Já os malvados humanos são, apesar das vestimentas marcantes, mais restritos. Mesmo quando têm figurinos mais trabalhados, estes não podem ser tão grandes pois impediriam visivelmente a atuação. Por outro lado, o fato de mostrar o rosto do ator faz com que eles sejam capazes de muito mais expressão. Estes vilões quase sempre têm formas monstruosas que são mostradas mais no final das séries, porém, elas tendem a ser mais simples, uma forma mascarada de sua contraparte humana.

Badass Modafoca

O uso de cada um destes representantes maléficos varia bastante de série para série. Ultras tendem a ter apenas o primeiro tipo, enquanto Riders, especialmente os mais novos, tendem a ter apenas o segundo e os Sentais normalmente misturam os dois em suas equipes de vilões. O motivo para isso é que cada categoria tem seu propósito.

Como não possuem grande capacidade de expressão, vilões monstros não permitem muito aprofundamento dramático então são mostrados muito mais através de ações. Vejam por exemplo a diferença dos monstros da semana de DaiRanger (que possuem sempre uma forma totalmente humana) para os vilões de Go-Busters. Ambos têm o mesmo tempo de exposição e são baseados em objetos, mas os vilões de DaiRanger possuem uma personalidade exatamente por causa desses poucos minutos de exposição com um ator.

A mesma coisa acontece com os vilões principais da série. Em Shinkenger temos dois representantes mais memoráveis: o próprio “big bad” Doukoku e o espadachim Juuzo. Doukoku é o mal encarnado e seu desenvolvimento principal de personagem se dá apenas no final da série, totalmente por meio de seus atos e com o uso da própria narrativa da série. Já no caso de Juuzo, me remete aos vilões humanos. Ele passa a maior parte do tempo na figura de um homem e têm interações muito mais intensas, especialmente com Takeru.

Agora é pessoal!

Os vilões de Riders, especialmente os mais recentes (estou falando dos inimigos principais, não os da semana) possuem uma forma monstruosa praticamente só usada para combates. Isso porque um vilão humano permite que a atuação seja um elemento muito mais importante. Com isso, a trama em torno deles se torna mais pessoal.

Mas se é assim, por que ter uma forma de monstro? Por causa da morte. Lembram-se de quão impactante foi o duelo entre Jin/Red Flash e Kaura? Mostrar um rosto humano sofrendo e sangrando é uma morte muito mais forte do que a mesma coisa em um ser totalmente fantasioso.

Se me permitem uma opinião, sem dúvida acredito que vilões humanos são melhores. Se resgatarmos na memória os melhores vilões, a maioria são desta categoria. Da geração Manchete temos o próprio Kaura de Flashman e a bruxa Kilmaza, entre vários outros. Mais recentemente tivemos algumas séries apostando com grande sucesso em grupos quase exclusivamente humanos, como Enter e Escape em Go-Busters e a família Sonozaki de Kamen Rider W.

Nunca um francês pareceu tão mauzão

A semelhança entre esses vilões que eu mencionei é simples: por um motivo ou por outro, todos têm problemas mais pessoais com os heróis. A emoção passada pela trama de todo, da tensão até o confronto, é palpável e nós como espectadores ficamos envolvidos muito mais do que com algo que seja apenas a “dominação mundial”.

Enfim, espero ter conseguido mostrar aqui o que esperar de seus vilões favoritos. Claro que temos sempre exceções nos dois casos, mas basicamente é isso aí. Agora, para comprovar ou desprovar minha tese, nos digam quais seus malvados prediletos. Até a próxima!

Esperamos que gostem das várias versões de Tony Stark e não deixem de dar dicas de novos temas para essa sessão!

Um dos extras do DVD Kamen Rider Wizard Volume 1 mostra alguns lances bem bacanas dos bastidores das filmagens! Mais uma vez, apesar de ser em japonês e não ter legendas, dá pra gente ter uma ideia muito legal de como é o dia a dia dos atores e equipe de produção que trabalham para trazer pra gente essa série. Além de ter passagens bem divertidas!

Para os curiosos de plantão, segue o vídeo com a oportunidade de dar uma olhadinha por trás das câmeras! Um detalhe é para a citação feita aos 3:07!

Esse tutorial do Kamen Rider Super 1 particularmente eu não pensei que encontraria. Mas foi muito bom ter encontrado, pois é raro tutoriais cosplay de tokusatsus antigos e, além disso, o passo a passo está bem explicado. Então não deixem de conferir.

No início do vídeo, temos uma roupa preta que vai ser a base de sustentação da armadura. Então é feita uma costura de ombreiras na camisa. Logo depois, é usado um tecido preto, que é usado na cabeça, deixando somente o rosto livre. As luvas e botas motradas podem ser qualquer modelo que você achar nessas casas de equipamentos de proteção individual, os famosos EPI’S, e basta pintá-los de prata.

O cinto desse tutorial parece que  foi comprado, assim como a maioria dos cosplays que a galera faz de Kamen Riders. Mas, mais pra frente, você vai ver que ele foi confeccionado também! Então para quem não dispõe muito de grana, vale a criatividade da galera pra fazer o dispositivo. Usando alguma borracha ou até mesmo um papel duro para sustentação e alguns papéis coloridos, dá pra fazer um cinto bem legal.

Uma dica para você que está pensando em fazer um cosplay de Kamen Rider e quer comprar um cinto: a forma mais acessível é o Ebay, mas tem várias lojinhas de importações com acessórios de cosplay, que fazem isso, mas eles sempre irão tirar a porcentagem deles em cima do produto.

Para o peitoral, é cortado um tipo de esponja que eu acredito que possa ser isopor também, no formato desta parte da armadura seguindo o molde de papel e logo depois revestido por couro/courino prata e, com um tecido atrás, eles são fixados um ao outro. O mesmo procedimento se repete com o restante do peitoral do Kamen Rider e mais pra frente são cortados retângulos pequenos e emendados com courino prata que vão nos braços e pernas da roupa.

Então é impresso o símbolo do Kamen Rider em adesivo, para colar na luva. Logo após, é confeccionado o cachecol, com tecido vermelho armado com algum papel duro para sustentação. Infelizmente não é mostrado como se faz o capacete, mas já estamos craques e podemos pegar ideias de outros tutoriais. Então, o cosplay está pronto. Mas não acabou o tutorial!

Na sequência, o cosplayer começa a fazer os acessórios de suas formas secundárias do Kamen Rider. Foram compradas luvas coloridas e revestidas com courino e pintadas conforme as cores das formas. Então elas são finalizadas com os detalhes que ficam em cima da luva de onde saem os poderes do Rider. Foram confeccionados com E.V.A cortados e pintados.

Agora galera, bom tutorial e mãos à obra.

Ao contrário dos eventos de anime para os quais nós normalmente somos convidados e os nossos leitores podem estar acostumados, o público dessa vez foi um pouco diferenciado assim como as atividades e o foco. Tivemos muitas palestras sobre quadrinhos e ilustração, além de espaços para jogos de tabuleiros, video games, leituras na gibiteca e diversos workshops de ilustração, modelagem e cosplay.

O espaço CentoeQuatro foi super bem aproveitado e quem foi ao evento tinha atividades para aproveitar o dia inteiro, além de produtos bacanas para adquirir em stands bem equipados. A única confusão que parece ter acontecido, provavelmente por ser a primeira edição, foi com os horários. Infelizmente, em alguns momentos, as pessoas não conseguiram se programar para acompanhar algumas atividades desejadas porque elas não estavam acontecendo ou foram adiadas para depois.

No sábado (21), a presença do Senpuu ficou marcada com Fire, Mozenjaa, Patrine e Val na sala de cinema, exibindo o filme “Ultraman Zero Mega Monster Battle”. Infelizmente, talvez pelo horário muito cedo ou pela falta de interesse do grande público, a sala ficou vazia, mas nós nos sentimos muito satisfeitos e felizes em poder ver uma produção de tokusatsu na telona, experiência que achávamos que só era possível lá no Japão! Depois, Fire e Patrine adquiriram o livro “O Espadachim de Carvão” do Affonso Solano e conheceram o autor, além do Diogo Braga, ambos do Matando Robôs Gigantes que deram motivos apenas para elogios, sendo super simpáticos e receptivos!

O enfoque do dia foi mesmo as palestras sobre quadrinhos e também crowdfunding, que é o financiamento de projetos pelo próprio público. Rolou ainda um desafio de ilustrações temáticas ao vivo e, gentilmente, nosso amigo Kenshin chamou o Fire para sugerir um tema e, como não podia ser diferente, foi tokusatsu! Nosso Senpuuranger ficou com a ilustração do Rodney Buchemi de um Ultraman e, para ganhar a ilustração do Affonso Solano, a Patrine pagou o mico gigante de subir no palco e mostrar sua não tão linda voz cantando o tema de abertura de Jiraya! Praticamente uma dádiva dos ninjas (mas que não foi registrada em vídeo por ninguém)!

Encerrando o primeiro dia de evento, o Lord Vinheteiro tocou em um piano de cauda temas de jogos, séries e desenhos que marcaram a infância e ainda estão presentes na vida adulta do público. Músicas de produções como Chaves, Dragon Ball e Pokemon encantaram a plateia que aplaudiu de pé.

Para o domingo (22), separamos o Space Sheriff Gavan: The Movie que nos emocionou mais ainda e trouxe algumas pessoas à sala de cinema. Individualmente participamos de algumas atividades como jogos e uma viagem no tempo com as revistas Herói disponibilizadas para leitura. O pessoal do Conselho Jedi de Minas Gerais fez uma apresentação que levantou o público e trouxe os personagens icônicos para perto dos fãs de Belo Horizonte.

A partir das 19h, Fire e Mozenjaa subiram ao palco ao lado de Affonso Solano, Diogo Braga, Rodney Buchemi e Lucas Ed para um podcast ao vivo, com temas definidos pela platéia. As sugestões variaram de novelas à uma possível guerra nuclear iniciada pelas Coréias e foi um bate papo descontraído e que provocou muitas risadas em todo mundo! Finalizando, nossos queridos membros do SenpuuCast participaram da montagem de um robô gigante!

Vale destaque também para os cosplays super bacanas de Superman e Batman que registramos nas fotos da galeria aí embaixo e que chamaram muita atenção por onde passaram! Encontramos ainda dois membros de Super Sentais, ou Power Rangers, dependendo do referencial!

Agradecemos muito à organização do evento e também aos amigos e leitores que passaram por lá e deram apoio incondicional para a gente! Que venham os próximos!

Quando falamos em Hironobu Kageyama, qual a primeira música que te vem a cabeça? [Envie a resposta nos comentários!]

A que eu penso é a Cha la e Cha la do Dragon Ball Z. Mas, nem sempre ele foi conhecido por cantar temas de tokusatsus e animes. Kageyama nasceu em Osaka, Japão, em 18 de fevereiro de 1961 e desde cedo já apresentava aptidão para líder. Começou sua carreira aos 16 anos com o grupo LAZY, que hoje podemos até achar brega, mas como todo mundo tem que partir de algum lugar, essa é a origem do cantor e, na verdade, eu acho bem divertida.

A banda seguia um estilo light de rock, influenciada pelos Beatles e Deep Purple. O grande sucesso do LAZY foi “Hey! I Love You” e, aos poucos, o grupo acabou mudando o estilo. No fim da década de 70, eles apresentavam tendências Heavy Metal e Hard Core. Quando essa mudança ficou completamente evidente, algumas divergências começaram a ocorrer entre os membros, ocasionando o fim da banda em 1981. Triste notícias para os fãs da LAZY, mas não tão ruim para quem gosta do Kageyama.

Na carreira solo, o cantor começou a interpretar músicas de tokusatsu, anime e games. O recorde de vendas da música “Suki Suki Suki” lhe rendeu o prêmio Gold Single Disc (Single de Ouro) da Associação Japonesa de Gravações Musicais (Nippon Record Kyoukai) em 1994. No mesmo ano, ele gravou um álbum com músicas tema de seu time de futebol.

Logo viria o divisor de águas. O álbum “Hironobu Kageyama Power Live’95 Cyvox” trouxe uma coletânea das melhores músicas lançadas pelo ídolo em versões ao vivo. Nessa mesma época, ele gravou a primeira música com Ichiro Mizuki, muito conhecido no meio anime.

Em 1997 foi lançada outra coletânea: “Hironobu Kageyama 20th Anniversary Eternity”, considerada a maior e melhor obra do cantor. O box, com cinco CDs, trazia gravações autorais e performances de músicas de anime e tokusatsu de seus 20 anos de carreira até então. Os fãs foram à loucura e ele recebeu convites para trabalhar em vários games, cantando músicas para jogos como “Dragon Ball Final Bout”, “Super Robot Taisen” e “Psychic Force”.

Em setembro do mesmo ano, Kageyama se juntou a Masaaki Endoh, um de seus backing vocals, formando a dupla Koutetsu Kyoudai (Irmãos de Metal), com o objetivo de regravar músicas de animes antigos no estilo Metal. O projeto teve ótima repercussão, rendendo aos dois até um próprio mangá.

Com a carreira já bastante consolidada, Kageyama ainda viria a surpreender os fãs no final da década de 90. O grupo LAZY retornava à ativa após 17 anos. O trabalho para marcar a volta seria uma música de anime chamada “Ultra High”, o segundo encerramento de Ultraman Dyna. Ainda assim, o cantor não deixou sua carreira solo, nem a parceria com Endoh, participando inclusive de mega-shows famosos no Japão como o Super Robot Spirits e o Super Hero Spirits.

Nos anos seguintes, aconteceu a migração de bandas J-Pop para animes e live-actions patrocinadas por grandes gravadoras que buscavam o espaço para aumentarem a visualização dessas bandas na mídia. O problema era que as músicas não tinham muito a ver com os temas das séries. Kageyama então decidiu criar a lendária JAM Project (Japan Animationsongs Makers Project), que reúne os maiores cantores de músicas de anime de todos os tempos. A formação original contava com Ichirou Mizuki (o rei das animesongs), Eizo Sakamoto (considerado o maior cantor de Metal do Japão na época), Rica Matsumoto (intérprete de músicas de Pokémon), Masaaki Endoh (famoso no meio de animes) e Hironobu Kageyama, é claro, como líder.

O sucesso foi alcançado rapidamente. “Soultaker”, “Crush Gear Fight”, “Hagane no Messiah” e “Kaze ni Nare” são alguns dos destaques do início de carreira da banda.

Em 2002 nasce também o Trio Mangá, composto por Kageyama, Masaaki e Hiroshi Kitadani (intérprete de “We Are” de One Piece), fazendo tours por todo o mundo com os grandes sucessos de tokusatsu, anime e games.

Em 2003, Kageyama esteve no Brasil pela primeira vez, se apresentando juntamente com Akira Kushida no primeiro Super Friends Spirits, show que acontece anualmente dentro do evento Anime Friends, em São Paulo. Ele então passou a se apresentar no país quase que anualmente. Dois anos depois, o ídolo fez uma participação em “GARO – Kiba Ookami”, dublando o personagem Zaruba. A JAM Project também gravou duas músicas para a mesma série.

Os shows no Brasil foram determinantes para que o ídolo decidisse fazer a primeira turnê mundial da JAM Project. Ele chega a citar o Brasil no DVD “World Flyght – No Border”. Tanto carinho rendeu o maior público da JAM fora do Japão em todas as apresentações durante a turnê.

Atualmente, Kageyama continua fazendo shows com o Trio Mangá e com a JAM Project. A formação atual da JAM tem Masaaki Endoh, Hiroshi Kitadani, Masami Okui (Yu-Gi-Oh, Slayers), Yoshiki Fukuyama (Macross Seven) e nosso glorioso Ricardo Cruz (brasileiro que interpreta várias versões brasileiras de músicas de animes e tokusatsu). Kageyama também apresenta o “Anipara Ongakukan” junto com Endoh, um programa de TV que mostra performances ao vivo de músicas das séries japonesas tanto animadas quanto live-actions, muito bom.

Ao longo da carreira, Hironobu Kageyama gravou mais de 800 músicas de anime. O número, mais do que relevante, lhe rendeu o título de Príncipe das Animesongs. Ele compõe a maioria das músicas da JAM Project.

Já cinquentão, o cantor continua com a mesma energia em todas as apresentações que faz. Sempre simpático e pronto a interagir com o público, conquista plateias por onde passa. Seus shows são emocionantes, causando os mais variados sentimentos de nostalgia nos fãs enquanto canta os grandes temas de animes e tokusatsu de todos os tempos. Pessoalmente, tenho apenas uma palavra para resumir um show de Kageyama: inesquecível.

Agora vai mais uma pergunta. Qual a música mais emocionante interpretada pelo Kageyama? Na minha opinião são três: Blue Dream, Soldier Dream e Kokoro wa Tamago.

Enquanto vocês pensam e respondem, confiram alguns covers do nosso querido Kageyama.

A Morte do Demônio

Direção: Fede Alvarez Roteiro: Fede Alvarez e Rodo Sayagues com: Jane Levy, Shiloh Fernandez, Lou Taylor Pucci, Jessica Lucas, Elizabeth Blackmore

crítica: Alexandre Landucci

O primeiro Evil Dead, no longínquo ano de 1981, fez muito sucesso e virou cult imediato, pois conseguia a proeza de em uma história aparentemente sanguinolenta, atrair a atenção de um público muito mais amplo. Qual a mágica? O uso sem pudor do humor negro, que garantia aquela historia absurda uma cara de quadrinhos de terror e gerava simpatia em quem não tinha a menor inclinação a curtir produções recheadas de mutilações ou bruxaria. A serie como a imensa maioria de vocês sabe (eu acho, pelo menos) ganhou mais duas sequências e fez de Bruce Campbell (seu protagonista) uma figura marcante na cultura pop. Avançamos para a contemporaneidade, nessa releitura dos temas de Evil Dead. Acho que releitura cabe melhor a produção do que remake, já que se mudam os personagens, a desculpa para que um grupo de adolescentes tenha se enfiado em uma cabana no meio do nada e principalmente, o tom da história. Essa não é uma história que abraça o humor negro, pelo contrário. Evil Dead 2013 é um slasher movie, daqueles bem crus, com nenhum pudor em despedaçar (literalmente) seus protagonistas sem procurar concessões bem humoradas. E isso é um problema sério.

Não que tramas de terror ou gore precisem ter humor, não é esse o ponto, principalmente se levarmos em consideração outras produções do gênero que são bem sucedidas apostando apenas no slasher, sobrenatural e afins. O problema é quando ela se leva a sério demais, ou realmente acha que sua historia é boa e suficiente para levar noventa minutos de filme em frente. Sem querer comparar, apenas como dado para explicar minha observação, no original dos anos 80 o grupo de adolescentes vai para aquela cabana – que ninguém conhece, se minha memória não falha – para se divertirem. Nesse, a seriedade é implícita desde a saída. Em busca de um refugio para tratar da dependência química de Mia, interpretada por Jane Levy, o grupo de amigos – que inclui o irmão da garota – resolve se refugiar na velha cabana da família da menina. Entenderam? Sai a diversão descabida cheia de excessos, entra a seriedade do século 21, onde tudo precisa ter uma explicação metafísica para ser comprada pela audiência.

Sim, garotos numa cabana no meio do nada é um clichê e hoje funciona muito melhor como paródia (Cabin in the Woods que o diga). O que nos levaria a inevitável pergunta do “por que então se fazer um remake”. Mas, enfim, essa é uma pergunta de resposta óbvia e que vocês aí do outro lado da tela devem imaginar qual seja. Apesar dessas mudanças fundamentais, o destino daqueles jovens como os do filme original é mantido. Eles também encontram um livro macabro, liberam um demônio e essa entidade passa a persegui-los. Saindo de uma trama que quer ser séria, a produção tem até um desnecessário prólogo para explicar alguns elementos que os protagonistas vão acabar encontrando escondido na cabana, especialmente o famigerado Livro dos Mortos.

O filme se enfia na caverna sem fundo dos clichês do filme ruim de terror, como personagens que demoram a perceber que existe algo realmente errado nas crises de Mia. O fato dela estar sofrendo com a abstinência das drogas é a forma como o pavoroso roteiro de Alvarez e Sayagues tem para justificar a ação dos personagens que não percebem que ela de fato pode estar sofrendo de outra coisa. Morte do Demônio também tem entre seus personagens aquele sujeito que encontra um livro em meio ao caos e imundice – coberto de arames pra deixar ainda mais claro que aquilo não deve ser lido – e simplesmente o lê, além de uma serie de clichês que uma audiência mais esperta já viu tantas vezes que até nem tem mais ânimo para “reclamar com a tela” chamando aqueles personagens de burros e afins. Isso sem citar a óbvia questão de que aquelas pessoas jamais devem ter visto um filme de terror, mas relevemos porque aí isso acabaria virando uma tese.

Os personagens – todos, sem exceção – são bem ruins. Se a garota em recuperação até tenta esboçar alguma coisa já que é quem tem “uma jornada” na historia, esbarra nos excessos e no over-acting. Os demais são realmente pavorosos. O jovem Shiloh Fernandes que serve como protagonista masculino da trama e que vive o irmão da garota, é tão fraco que não deve ter convencido nem mesmo sua mãe. É um daqueles casos em que se pergunta se o diretor de casting foi de fato pago por essa contratação, já que o garoto não consegue acertar em nenhum aspecto. Não tem carisma para levar a trama, não convence como herói acidental e muito menos nas decisivas e fundamentais cenas de emoção. O hippie perdido, Eric (Lou Taylor Pucci) faz o tipo cético e reclamão e de fato é o catalisador da trama por sua arrogância típica dos personagens metidos a inteligentes em filmes de terror. Existe ainda a presença da loira “muda” que é a namorada de Fernandez e da enfermeira “eu sei o que fazer para curar qualquer pessoa” que de saída parece ser a líder da turma, mas que se amedronta e perde a aura de liderança quando a coisa começa a complicar. Mas o filme tem elementos positivos também. Como filme slasher ele funciona.

O diretor Fede Alvarez tem controle sobre a violência mostrada na tela e até consegue criar tensão em diversos momentos, como a que revela o destino de uma das mulheres da trama. Essa sequência é muito bem construída, e me fez criar uma expectativa sobre seu destino cruel e violento. Talvez com uma história menos fajuta o diretor pudesse se sair melhor, pois demonstra com um material fraco que consegue dirigir sequências de ação com qualidade. Também não tem medo de mostrar os resultados da violência e aí vale uma deferência ao espetacular trabalho de próteses e maquiagem do filme. Realmente muito, muito bom e ao lado de bons efeitos visuais fazem a credibilidade das ações violentas do filme parecerem reais, o que é objetivo do filme, sejamos honestos. Nenhum slasher funciona se o público não sentir asco ou sentir-se atingido por aquelas situações na tela, e nisso esse remake de Evil Dead acerta em cheio. Ele realmente consegue fazer vocês sentir-se mal, realizando algumas sequências verdadeiramente grosseiras e “estúpidas”.

Os fãs do original vão reconhecer algumas homenagens ao filme de Sam Raimi como a presença da floresta funcionando como torturadora, a natureza conspirando para que os jovens não consigam ir embora, a câmera acelerada que “corre” pela floresta, a prisão da garota possuída num porão entre outros detalhes. Claro que se nos anos 80 isso era abordado de uma forma quase fabulesca e cheia de exageros, aqui é tudo mostrado de forma “séria e adulta”. O humor do filme é involuntário, graças aos diálogos primários e evolução da trama que cria um absurdo ato final que só está ali para justificar duas cenas de gore muito boas, já que são tão ridículas que geram risos involuntários, em momentos em que a trama tenta ser dramática e séria.

Essa releitura do cult oitentista é uma versão sem graça e sem a mistura de humor e terror que funcionou duas décadas atrás. Tem acertos por sua construção do gore e dos elementos do slasher movie, mas isso não salva uma trama tão estúpida, personagens ruins e pretensão dramática exagerada.

Continuamos nos reunindo no Sinuca e Scotch Bar Bola 14, na rua Guajajaras, 460A, no centro aqui de Belo Horizonte a partir das 19h. O dia marcado é um sábado, 27 de abril. Vamos conversar, ouvir boa música, comer uns tira gostos, beber cerveja, refrigerante, suco e água. Além disso, o estabelecimento tem fliperamas com clássicos do video game e sinuca para rolarem aquelas competições saudáveis!

Enfim, as opções são variadas para todos os jeitos e gostos!

Contamos com a presença de cada um de vocês e confiram os preparativos e comentários confirmando a presença no evento do Facebook!

Olá galera, tudo bem? Trago as impressões iniciais sobre o primeiro episódio de Shingeki no Kyojin (Attack on Titan) e já deixo claro que não li o mangá (se tivesse lido não seria primeira impressão) e até então não sabia nada sobre a série, apenas vi o primeiro capítulo e gostei. Para os que leram e já tem conhecimento do anime, saibam que todo comentário e análise será baseado neste primeiro episódio, tentando não dar muito spoiler claro, portanto, caso eu cite algo que não condiz com ritmo que está no mangá, peço sua compreensão, pois ainda não li.

Ah, sugestões de críticas de animes que vocês querem que eu faça uma análise, não se acanhem, podem mandar pelo e-mail ou nos comentários que farei de muito bom grado.

“Não quero viver como um pássaro preso em uma gaiola!”

Eren Jaeger 

Imagine viver em um mundo no qual você jamais pode sair de sua cidade, onde você tem que passar toda sua vida atrás de paredes imensas e ainda com o temor de uma ameaça chamada “Titãs”.

Essa é a premissa de Shingeki no Kyojin (Attack on Titan), obra de Hajime Isayama, (mangá) o anime é dirigido por Tetsuro Araki (Death Note, High School of Dead) pelo estúdio Wit Studio, lançado em abril deste ano e logo no primeiro episódio já vemos a luta pela sobrevivência dos humanos contra os Titãs , seres gigantes que estão na Terra há mais de 100 anos com propósito de destruir toda a raça humana.

O protagonista da história é Eren, um jovem que vive se indagando sobre ficar “preso” atrás de muralhas imensas sem conhecer o mundo externo e com medo de um dia os gigantes conseguirem acabar com  essa paz que dura mais de  um século. Eren vive se questionando sobre viver nessas condições e chega a dizer que os seres humanos vivem agora como pássaros presos em uma gaiola.

Ele está sempre acompanhado de sua irmã adotiva, Mikasa Ackerman, que parece ser uma espécie de guarda-costas pra ele. Eren decide se tornar um membro da Legião das Sentinelas (soldados altamente treinados para lutar contra os Titãs tanto fora quanto dentro da cidade), porém é duramente repreendido por sua mãe. Seu pai, um médico respeitado em toda cidade, parece não se opor ao desejo do protagonista, dizendo que, não há muito o que falar quando alguém está buscando por algo.

Eren se encontra com seu melhor amigo, Armin Arlelt, que estava levando uma surra por discordar de um grupo de garotos. O personagem principal sai correndo em defesa do amigo e os garotos fogem, não porque viram Eren e sim Mikasa que estava junto a ele. Os três estão conversando quando um raio cai do lado de fora da muralha e, ao olharem, notam que há um gigante bem maior do que os outros olhando para dentro da cidade. A colossal criatura acaba destruindo parte da muralha, fazendo que os demais gigantes consigam entrar. O desespero toma conta de todos, Eren e Mikasa correm para casa, onde buscam pela mãe.

A cena que mostra alguns soldados do grupo de sentinelas indo em direção ao Titã no meio de uma floresta é belíssima, a música acompanha bem o ritmo, a câmera é mostrada de cima pra baixo nos passando o ponto de vista dos gigantes. Outra cena em destaque é a de Armin brigando com os garotos que o chamam de “herege” por ele dizer que um dia que humanos deveriam ir para fora da muralha, nos mostrando que humanidade já se acostumou totalmente a viver sobre proteções de muros e essa é agora a realidade indiscutível, falar sobre sair da cidade se tornou tabu (Mito da Caverna de Platão total).

Os gigantes lembram muito zumbis, pois estão sempre caminhando lentamente como o único propósito de devorar os humanos, com exceção do Titã que destruiu parte da muralha, que parece estar em plena consciência. Há também crianças gigantes. Essas criaturas seriam seres da próxima cadeia de evolução? Seriam seres alterados geneticamente? Ou um castigo divino para os humanos?

Muita ação já é mostrada nesse episódio inicial e a violência também não é poupada, mostrando até crianças sendo arremessadas pra longe durante o caos.  As cenas são muito bem trabalhadas e isso mostra a força da produção do anime. A dublagem dispensa comentários, como na maioria dos animes em geral. É uma série que vale a pena ser acompanhada, não apenas pela ação, mas também pelo dilema de Eren, seus conflitos e pelos propósitos filosóficos também mostrados.

]]> http://senpuu.com.br/2013/04/shingeki-no-kyojin-review/feed/ 10 http://senpuu.com.br/2013/04/atores-de-kamen-rider-em-novo-live-action/ http://senpuu.com.br/2013/04/atores-de-kamen-rider-em-novo-live-action/#comments Thu, 18 Apr 2013 12:31:05 +0000 Patrine http://senpuu.com.br/?p=28956
A versão live action do mangá de comédia “Danshi Koukousei no Nichijou” (que poderia ser traduzido como “A vida diária de garotos estudantes”), de Yasunobu Yamauchi, foi oficialmente confirmada e terá a participação de dois atores que atuaram em séries de Kamen Riders!

De acordo com as informações já divulgadas, Masaki Suda, o querido Philipi de Kamen Rider W, vai fazer o papel de Tadakuni, o rapaz sério do grupo. Já Ryo Yoshizawa o Meteor de Kamen Rider Fourze, também está no elenco principal dando vida a Hidenori. Para completar o trio de protagonistas, temos Shuhei Nomura (GTO 2012) interpretará Yoshitake. Os dois últimos personagens geralmente são os que envolvem o grupo em situações malucas!

O elenco secundário é composto por Kumiko Shiratori, Sara Takatsuki, Yui Koike e Eita Okuno, que irão fazer o papel das estudantes femininas na história. Além disso, segundo o que foi publicado, o filme também vai trazer um novo personagem chamado Saino, que será interpretado por Rui Kurihara (Zekkyo Gakkyu).

A direção fica por conta de Daigo Matsui (Afro Tanaka) e o live action tem lançamento previsto para o dia 12 de outubro deste ano.

Apesar das pitadas de humor, a história original contada no mangá traz o dia a dia de Tadakuni, Hidenori, Yoshitake e outros alunos da Sanada North Boys High. O roteiro do filme vai seguir essa trama do trio em uma escola só para rapazes e as meninas de uma instituição só para garotas, enquanto eles organizam um festival.

A moça tem 26 anos e muitos trabalhos de sucesso na bagagem. O filme do Gavan foi sua primeira participação em tokusatsu, mas antes disso ela já trabalhou em vários doramas e filmes como o The Gift from Heaven de 2007.

Agora vamos ver mais um talento dela, a beleza!

Confira os belíssimos cosplays e deixe sugestões de temas para essa coluna!

O filme do super sentai, de acordo com as informações preliminares, vai ser um musical! Isso mesmo, querido leitor, um M-U-S-I-C-A-L com todas as letrinhas e, certamente, com um bocado de samba! Além disso, a produção vai marcar a estreia de Tobaspin (que vocês podem ver nas imagens já postadas aqui no site).

Riku Sanjou será o roteirista e a direção é responsabilidade de Koichi Sakamoto. Assim como o filme de Wizard, o lançamento nos cinemas japoneses está previsto para agosto.

Vejo pelos comentários e contatos que o pessoal faz com a gente que existe muita rejeição e preconceito única e exclusivamente pelo uso do samba ou referências ao Carnaval. Devo dizer que, pra mim, isso é o de menos na série e não prejudica de forma alguma. Portanto, acho que a experiência de um musical de tokusatsu vai ser algo extremamente surpreendente e agradável para mim!

Só resta sabermos como será colocado em prática! Aí é que são os outros 500…

Os japoneses estão sendo convocados pela Toei a se inscreverem para fazer parte do filme via internet e também por telefones e smartphones. De acordo com o que foi publicado, os requisitos são usar um cinto e um capuz e as filmagens acontecerão em Kanagawa e Chiba.

Além disso, sempre tem um espião de leve que consegue ver os trabalhos de produção, né? Desta vez foi na Universidade Kanda, em Chiba, onde o traveco dono da loja de Donust e o fiel ajudante foram vistos usando um tipo de WizarDriver com cinto e anéis. Para completar, um Wizard dourado deve fazer parte do filme!

Mais alguns rumores dão conta que dois novos personagens serão apresentados ao público no longa, sendo eles o Rei da Magia Sol e o sacerdote Luna. As indicações são de que um Phantom poderá se tornar mago por meio de uma pedra filosofal (alô, Harry Potter!). Todo mundo vai se transformar em mago no filme, o que provocará uma espécie de “guerra mágica“. Wizard se transformará em Final Wizard, que, ao contrário das outras formas do Rider, não é uma Style.

O roteiro fica por conta de Junko Komura e o filme será dirigido por Shojiro Nakazawa. A previsão de lançamento é para agosto deste ano, simultaneamente com o filme de Kyoryuger.

Fiquem ligados, qualquer novidade será divulgada aqui no site! Enquanto isso, aproveite para ouvir o nosso podcast sobre Kamen Rider Wizard!

Voltamos a nossa escavação nos arquivos de tokusatsus antigos e quase desconhecidos. Hoje o nosso herói é mais um Kyodai Hero chamado Ryusei Ningen Zone, que começou a ser exibido na televisão em abril de 1973 e ficou no ar até setembro do mesmo ano. A série foi produzida pela Toho e teve 26 episódios.

A trama começa quando o Barão Garonga vem ao planeta Terra para dominá-lo. Então, o guerreiro Zone Fighter e seus dois amigos Zone Angel e Zone Boy são chamados para impedir esses planos maléficos. Fighter é o mais poderoso e tem sede de vingança, já que o vilão destruiu seu planeta de origem.

Com feixes de neutrons e mísseis que saem de seus punhos, Fighter pode acabar com qualquer inimigo.

O lado negativo de toda essa história é que, apesar desse imenso poder, o herói tem um tempo determinado para ficar na Terra e, caso ultrapasse esse período, Fighter morre e tudo estará perdido. Então, ele usa um dispositivo que avisa o tempo que sua energia dura para conseguir se manter em nosso planeta. Ao contrário dos personagens da franquia Ultraman, Zone Fighter pode, durante as batalhas, fazer recarga de energia e assim aumentar o tempo de exposição à radiação solar.

Godzilla foi um personagem que deu o ar da graça em uma das cenas mais clássicas do seriado, quando ajuda Zone Fighter em combate, com direito a aperto de mãos no final do episódio. Um crossover jamais esquecido pelos fãs da Toho e dos tokusatsus em geral, que tem Godzilla como um personagem memorável.

Segue o tema de abertura da série para vocês conferirem.

Agora imagine se a série fosse exibida na década de 90! Como seria a abertura? Abaixo segue um vídeo que circula na internet e mostra, de uma maneira divertida, como isso seria possível.

É sempre triste dar esse tipo de notícia, mas é inevitável… A morte do ator Toshiaki Nishizawa, conhecido dos fãs de tokusatsu por sua interpretação do Comandante Qom (ou Kom, como preferirem) nas três séries de Uchuu Keijis, tendo repetido o papel no recente “Uchuu Keiji Gavan: The Movie”, foi noticiada no site Nikkan Sports e no portal japonês do MSN.

O óbito aconteceu em Tóquio, em decorrência de um câncer de pulmão. De acordo com as informações divulgadas, o velório e enterro do ator, que tinha 77 anos, aconteceram em cerimônias particulares, para membros mais próximos da família.

Ficam aqui os sentimentos de toda a equipe do Senpuu e o respeito a esse ator que fez história nas séries japonesas e permeou não só a infância como também a vida adulta de todos nós.

Confira as produções que contaram com a participação de Nishizawa:

1962 – Hourou-ki
1968 – Kaiki daisakusen (Série de TV)
1972 – Chikyû kogeki meirei: Gojira tai Gaigan
1974 – Akai meiro (Série de TV)
1978 – Supaidaman (Série de TV)
1978 – Yokomizo Seishi Series II (Mini Série de TV)
1982 – Akai scandal: joji
1982 e 1983 – Uchuu Keiji Gavan (Série de TV)
1983 – Uchuu Keiji Sharivan (Série de TV)
1984 – Meitantei Kindaichi Kôsuke Series 3: Gokumoniwa no kubi (Filme para TV)
1984 e 1985 – Uchuu Keiji Shaider (Série de TV)
1986 – Kyôtarô Nishimura’s Travel Mystery 9 (Filme para TV)
1990 – Deka Kizoku (Série de TV)
1991 – Akakabu kenji funsenki: Nanki-Katsuura Onsen satsujin meiro (Filme para TV)
1997 – Sequestro
2005 – O Sol
2006 – Uchuu Keiji Tamashii (Video Game)
2012 – Uchuu Keiji Gavan: The Movie

O post tem a colaboração do leitor Lecus Mattos

A informação inicial é de que apenas o líder KyoryuRed usará  a forma mais poderosa, que vai se chamar, como não poderia ser diferente, KyoryuRed Carnival!

Para usar a roupa que é praticamente uma alegoria, Daigo vai precisar usar o Gabutyra DeCarnival, que pode ser combinado com o Gaburevolver. A comparação é com um Gabutyra deformado que pode se transformar em uma arma.

Mas, como diria o pessoal do Teleshop, “isso não é tudo!” Ao usar três Beast Batteries, KyoryuRed Carnival pode adquirir diversos anexos semelhantes aos do Kyoryuzin, ou seja, podemos ter Western Carnival, Macho Carnival e Kung-Fu Carnival.

Alimentando a indústria dos brinquedos, sem a qual nossos queridos tokusatsus não teriam tanta força, Sentai Hero Series 07 Kyoryured Carnival será lançado em agosto pelo preço de 900 yen, enquanto o Gabutyra DeCarnival tem previsão de chegar às lojas em setembro, por 6,800 yen.

Aproveitando esse monte de baterias, a Bandai não ficou pra trás e já anunciou o Zyuden BraveBox, uma espécie de maleta onde os fãs podem armazenar as Beast Batteries que adquirirem até completar a coleção! O apetrecho será lançado em julho e vendido pelo preço de 3900 yen.

Confira, na galeria de imagens, os novos Zyudenryus, Pleson e Tobaspin (este último que será visto exclusivamente em filme) e as próximas Beast Battery previstas.

Mais uma edição do Uai Drops em Ipatinga aconteceu e o Senpuu participou da segunda edição do evento no último final de semana, no Vale do Aço.  Dessa vez, realizamos duas atividades: o Quiz de Tokusatsu e um bate papo sobre RPG, tokusatsu e o livro Tokusatsu: O Despertar do Herói.

O evento aconteceu no salão do clube Ipaminas, muito bem localizado e de fácil acesso ao público. O espaço era dividido em dois pavimentos, sendo que o segundo andar era uma espécie de área vip com mesas e uma visão total da parte de baixo e, era nesse segundo pavimento que o Senpuu iria ficar. Iria pois não ficamos. Na verdade, o espaço foi cedido pela produção do evento mas não era viável para realizarmos algumas outras atividades programadas como a exibição de séries, gincanas e uma partida experimental do RPG Despertar do Herói.

A vantagem em ter um espaço como esse em um evento é que o público fica concentrado em um único lugar e eles podem ter acesso a todas as atividades de maneira prática, mas tem o lado negativo é que, esse acesso rápido e fácil pode fazer com que os frequentadores se cansem de tudo. O fato de não existirem as tradicionais salas deixou o público, em alguns momentos, entediado e desanimado, conforme a gente pôde notar.

Vamos então para a participação efetiva do Senpuu no Uai Drops Ipatinga. No sábado, assim que chegamos fomos cumprimentados por alguns leitores/ouvintes que aguardavam por nós e pelas nossas atividades. Alguns deles ficaram decepcionados por não ter a sala, mas aguardaram o Quiz e a palestra ansiosos.

Nesse primeiro dia aconteceu o já tradicional Quiz sobre tokusatsu, com provas, muita diversão e brindes para todos os participantes, além, é claro, do grande conhecimento das séries que muitos absorveram.

.

.

Ao chegar para a participação de domingo, o Mozenjaa foi abordado pelo leitor e ouvinte Lyon, que o presenteou com medalhas dos Zyurangers, que vocês podem ver na imagem abaixo.

A última atividade realizada foi o bate papo sobre tokusatsu e RPG, para introduzir os presentes ao universo do livro Tokusatsu: O Despertar do Herói e também do jogo em geral.

Para encerrar o evento tivemos a apresentação da banda Legend of Animes, com destaque especial para as camisas usadas pelo vocalista Renato e pelo baixista Ale durante o show! São lindas, não acha?

Nosso balanço final foi bem produtivo, agradecemos a todos os envolvidos na produção e atividades do Uai Drops Ipatinga. A próxima parada do SenpuuLiner é aqui na nossa terra natal, Belo Horizonte!

O evento é o Heroes Festival, que acontece nos dias 20 e 21 de abril e no qual faremos exibição de dois filmes em uma sala de cinema e participaremos de um podcast ao vivo ao lado do Matando Robô Gigantes e MDM.

Aproveitando a onda do SenpuuCast da última sexta-feira, o tutorial cosplay de hoje traz para vocês Kamen Rider Wizard!

Sinceramente, eu fiquei feliz por ter encontrado o passo a passo, pois eu acho esse Rider um dos mais elegantes em questão de figurino e um cosplay de Kamen Rider nunca é demais.

O vídeo começa com um molde de papel do capacete, que é revestido por um tipo de espuma/borracha, que pode ser substituído por E.V.A e a parte da frente que compõe os olhos é feita com algum plástico parecido com garrafa PET, (se você não encontrar na cor vermelha, acho que vale a pena tentar pintar), com uns detalhes em E.V.A preto. Para finalizar o elmo as partes pretas foram cobertas com algum papel ou tecido prata, que me parece courino ou vinil.

Para o resto da armadura o procedimento foi quase o mesmo, salvo alguns detalhes que foram feitos direto no E.V.A coberto com courino ou vinil nas cores do mago: prata, vermelho/vinho e preto.

As ombreiras foram desenhadas em cima de uma papel brilhante na cor prata, e colada por cima do molde. A saia preta foi costurada com um material que parece ser couro ou courino e a parte de cima com um tecido grosso e brilhante vermelho, com bordas em courino prata.

Inspire-se, aventure-se e mãos à obra!

Oblivion

Direção: Joseph Kosinski
Roteiro: Joseph Kosinski, Karl Gajdusek e Michael Arndt

com: Tom Cruise, Andrea Riseborough, Olga Kurylenko, Morgan Freeman, Nikolaj Coster-Waldau e Melissa Leo.

crítica por Alexandre Landucci

A expectativa no cinema é trágica. Quando ela é provocada por gente sedenta para divulgar um filme pode ser enganosa, às vezes até vexatória e ridícula. Quando ela surge dos fãs de uma obra muito conhecida, pode se transformar em ódio ou tristeza (ou alegria extrema, sejamos justos). Mas, nada é pior do que ver na tela um filme criar expectativas e ir se desfazendo em erros e clichês na nossa frente.

É o caso de Oblivion, produção ancorada no carisma de Tom Cruise e dirigida por Joseph Kosinski, o mesmo por trás de Tron: O Legado. Os primeiros vinte minutos da produção são espetaculares. Sem exagero. Mesmo com uma narração absurdamente expositiva de Tom Cruise, que conta toda a historia da Terra até aquele momento, Kosinski consegue criar uma escala enorme e muito elegante para ilustrar a imensidão da tarefa do personagem de Jack Harper (Tom Cruise). A grandiosidade da natureza que invade antigas moradas humanas, destruindo pontes, prédios, estádios e tudo mais é uma versão “tunada” daquilo que a serie do Discovery, “Um Mundo sem Ninguém” apresentou ao público como factível.

Inegavelmente, Kosinski sabe filmar. Ele tem ótimas ideias visuais e conceitos para os elementos de ficção cientifica mais óbvios como veículos e gadgets, que apesar de serem futuristas, guardam uma praticidade e uma sensação de “sim, isso poderia existir”, garantindo a funcionalidade das coisas e dando credibilidade a toda a construção desse mundo.

A trama é uma variação do tema do futuro apocalíptico. Sessenta anos antes do presente do filme, a Lua foi atacada e depois a Terra foi invadida por alienígenas. Os humanos lutaram e venceram, porém o planeta foi completamente comprometido, sobrando apenas os destroços e um planeta quase que completamente tomado pela radiação. Os sobreviventes humanos, dividem-se entre uma morada em um satélite que fica em órbita do planeta e a vindoura passagem de ida para uma lua de Saturno. A função de Jack Harper/Cruise na trama é a de fiscalizar as gigantescas máquinas que sugam a água dos mares do planeta, transformando-a em água doce para servir de combustível e alimento para a população que se divide entre os dois ambientes habitados pelos humanos. Ao seu lado, Vika/Andrea Riseborough é ao mesmo tempo sua companheira de trabalho e de alcova, servindo como oficial de comunicações e de ligação entre os dois e o satélite.

O drama está no personagem de Cruise, um nostálgico e obcecado pelo passado, que recolhe livros, objetos dos mais genéricos e vive sonhando com uma outra realidade quando – ao lado – de uma mulher desconhecida vivia numa realidade bastante próxima da nossa. Por outro lado Vika é uma mulher segura das regras, seguindo sua rotina, esperando ansiosamente o dia em que seu trabalho na Terra se encerre e que ela possa – ao lado de Jack é claro – finalmente ir para a lua de Saturno.

A historia vira completamente quando um acidente faz uma antiga nave cair na Terra e com ele, um segredo ser revelado. É claro que não vou contar a vocês do que se trata, pois esse é daquele tipo de filme onde a trama te leva a querer saber respostas para uma situação que parece desde a saída estranha. E o problema está justamente aí. Criada uma expectativa pelo filme, especialmente pelas perguntas colocadas em questão e pela forma com que Kosinski conduz com grandiosidade seu filme, esperamos atingir uma resolução digna.

Não é o caso. Não que Oblivion jogue pro alto tudo o que mostra até ali, mas é inegável que a produção é derivativa. Trabalhar com clichês do gênero é complicado. A chance da mistura de elementos conhecidos não funcionar é sempre grande. Aqui, algumas soluções encontradas para a trama são bastante questionáveis, em especial a que explica a origem dos sonhos do protagonista. Por outro lado, é curioso que Kosinski aposte em uma abordagem diferente do esperado, subvertendo a opinião do publico a respeito dos protagonistas, o que funcionaria se a trama desse mais tempo para que os antagonistas de Cruise pudessem ser mais explorados, talvez evitando algumas descrições em diálogos e apostando em soluções cinematográficas (trocando em miúdos: em vez de falar sobre, seria mais impactante mostrar aquilo).

As tais referências vem de todas as eras. Se existe – por exemplo – um deserto radioativo, em algum momento um dos personagens da trama diz a Cruise que lá “ele encontrará mais que a verdade”, uma observação que remete ao fabuloso final de Planeta dos Macacos. Além dele, 2001 é grosseiramente referenciado sem nenhum pudor, assim como o recente (e ótimo) Lunar é responsável pela referência mais absurda, e que me parece uma solução – que apesar de funcionar na trama – desnecessária.

É difícil escrever a respeito do filme sem especificar detalhes importantes da trama, mas tento explicar: o roteiro dentro da proposta da produção funciona bem, não existem furos grosseiros ou algo do tipo. Porém a sensação é que as respostas aos questionamentos produzidos não atingem o nível da expectativa gerada pelo próprio Oblivion.

Além disso, a inserção de uma historia de amor na produção – e que é fundamental para o andamento da mesma e desenvolvimento do personagem de Tom Cruise – não tem a força necessária para que consigamos comprar o sacrifício daqueles personagens na trama.

Cruise atua com seu carisma e num ambiente seguro. Cheio de seus tiques e momentos em que sua presença física é exigida está longe de seus grandes momentos interpretativos, mas acerta por compor um personagem que gostamos facilmente, um sujeito bacana e interessado em conhecer, em saber, em descobrir.

Oblivion é menos cheio de surtos estéticos do que Tron: O Legado e mostra que Kosinski é um diretor com bons instintos e olho. Cria aqui uma historia de impacto visual muito grande (ainda mais visto em IMAX), com som monstruoso e uma trilha sonora que acerta em cheio (a cargo de Anthony Gonzales e M83) criando uma atmosfera épica ideal para a grandiosidade da historia contada, mesmo que essa grandiosidade se apresente com tão poucos personagens importantes. A engenhosidade das perguntas e de algumas respostas dadas, perdem impacto quando confrontadas com outras opções que seguramente poderiam ter sido evitada

Esse é um ano especialmente fértil para a ficção cientifica no cinema. Esperemos que Oblivion seja apenas um aperitivo para produções mais fortes. Se encararmos como aquele couvert antes do prato principal, até que se sai bem. Porém, vendido como o “novo filme de Tom Cruise”, com tanto barulho envolvido e chegando ao público em uma linda bandeja de prata e champagne, Oblivion é apenas mediano.

Para mais críticas e novidades do cinema, acesse o blog Fotograma Digital!

Só para manter o nível do 100puucast, nossa edição número 101 chega com um tema super pedido nas nossas redes sociais e nos comentários aqui do site! É a hora do show com Kamen Rider Wizard!

Fire, Mozenjaa, Thunder e Pato vão comentar o que a série trouxe até aqui e quais são as primeiras impressões sobre o herói mago. Além disso, como é de costume nos primeiros casts sobre Riders, os participantes vão falar também sobre o Rider Secundário que tem roubado a cena, Kamen Rider Beast!

Levando em conta que o podcast foi gravado quando o episódio 29 estava no ar, lembre-se da possibilidade de SPOILERS!

No mais, entre no clima mágico de Wizard, please, aproveite o Showtime e, para os mais esfomeados, o Lunch Time!

Duração: 85 minutos

NOTÍCIAS, RIDER KICKS E COMENTÁRIOS DO SENPUUCAST

• Uai Drops . Ipatinga/MG . 13 e 14/Abril
• Heroes Festival . Belo Horizonte/MG . 20 e 21/Abril
• VII Encontro Senpuu . 27/Abril 19hs
• Loja Senpuu
• Nova Coluna de Anime
• Generation BR

Envie e-mails para: senpuu@senpuu.com.br

Antes de continuar as considerações iniciais e expectativas construídas pelo primeiro episódio da série, fica aqui, mais uma vez o ALERTA DE SPOILERS! Portanto, se você não gosta de saber detalhes sobre os capítulos antes de assisti-los, corre lá, dá uma conferida e volta aqui para ler!

O post demorou um pouco a sair porque eu gosto de ver o episódio com calma e preferencialmente com legendas! Não vejo muito sentido em acompanhar algo sem entender uma palavra do que está sendo dito e depois tentar tirar alguma conclusão mirabolante dali. Mas, vamos ao que realmente interessa!

Eu pensei duas vezes antes de vir aqui para escrever algo sobre esse início de nova temporada já que, até quase a metade do primeiro capítulo, eu achei que não estava entendendo nada e que nenhuma novidade ia sair dali. O que acontece é que eles repetiram um pouco da receita do episódio 13 da primeira etapa de Akibaranger e usaram dos flashbacks pra guiar o espectador.

Foi bacana para relembrar alguns momentos cruciais da série, especialmente para aqueles que, como eu, não tiveram a oportunidade de rever o que aconteceu anteriormente. Inseridas nos meio dos diálogos, as viagens no tempo começam a se misturar com fatos inéditos e é aí que a gente vê que, realmente, a produção vai dar continuidade ao clima gostoso e insano que trouxe para nós no ano passado.

O foco principal desse primeiro episódio é o AkibaRed, responsável pelas lembranças, sonhos e viagens durante todos os vinte e poucos minutos.

Além disso, de cara temos a oportunidade de ver os esquadrões Boukenger, Dekaranger e Jetman e, novamente, os Akibarangers protagonizam das cenas mais engraçadas, pagando de fãs doidinhos e tirando fotos (isso mesmo) na frente da formação oficial dos respectivos sentais oficiais já citados, fazendo a gente se colocar, mais uma vez, no lugar dos heróis! Os artifícios usados para mostrar que a batalha foi longa e durou três dias e nove horas são de arrancar boas risadas do público.

Outro ponto divertido que vale a pena ressalta é a batalha dos robôs gigantes decidida por uma latinha de refrigerante que acerta o botão de auto destruição do mecha do mal, comandado pela sexy Malshina.

Quando a cronologia é teoricamente retomada, o flashback nos mostra a despedida da AkibaBlue, com sofrimento extra da AkibaYellow que, na sequência, anuncia que também tem que “resolver alguns problemas” e por isso vai sumir por uns tempos. Então, finalmente entendemos o porquê da solidão do líder da equipe, que busca consolo e companhia na loja que é o antigo centro de comando do sentai.

No momento em que você pensa que só vai ver o pau quebrar mesmo no próximo episódio, Nobuo Akagi é arrastado de sua folga e volta para os trabalhos de entregador, quando, não mais que de repente, se depara com algo inesperado! Uma loja cheia dos artigos favoritos dos otakus tem, na vitrine, todos os apetrechos relacionados aos Akibarangers!

O maluco dono da loja, que muitos de vocês devem ter chamado de Kiyoto Maki (e que, assim como seu personagem em Kamen Rider OOO tem um macabro boneco apoiado nos ombros), explica para o nosso protagonista que a série, na verdade, foi um sucesso de público e crítica, sendo o 17º super sentai exibido na televisão. Tudo isso ainda dando uma zuada básica em Dairanger!

E aí, queridos leitores, é que está o trunfo desse primeiro episódio, que é igual ao sucesso de tudo que a série já apresentou. Eles foram capazes de retomar os acontecimentos anteriores, dar uma pincelada de coisas que nós não vimos e que, teoricamente aconteceram, mostrar o destino das duas outras participantes do esquadrão sem dar detalhes demais que possam prejudicar o roteiro mais pra frente e ainda fechar tudo com um gancho que abre mil possibilidades para a história que vem a seguir!

Veja bem, além de soltar as dúvidas nas nossas cabeças sobre o que teria acontecido, o protagonista vai junto com a gente e se mostra confuso com tudo o que está acontecendo, mais uma vez, quebrando a barreira entre a mensagem e o receptor (conforme eu falei no texto sobre o final da temporada anterior). Sem contar o fato de que o nosso querido Red está desanimado e triste com o fim do grupo durante todo o episódio, até os momentos finais, quando é surpreendido pela “oficialidade” e sucesso de Akibaranger.

Literalmente, a segunda temporada começa sendo uma continuação da primeira. A impressão que se tem é de que as filmagens nem foram paradas e o ritmo se manteve de maneira muito positiva. Agora é aguardar pela inserção da nova Blue e ver o que mais a criatividade e as mentes doentias desse pessoal nos reservam!

Um viva para a bizarrice e diversão!

No fim do mês passado nós noticiamos aqui no Senpuu o registro dos direitos autorais de um novo Ultraman, o Ultraman Ginga. Agora, os fãs da franquia já podem comemorar porque foram divulgados detalhes da nova série que vai se chamar “New Ultraman Retsuden” e tem estreia prevista para o dia 10 de julho!

Mas, segundo informações, ao contrário de Ultraman Retsuden, os episódios com o novo personagem serão de 30 minutos com personagens e filmagens inéditos. A história vai se passar no Japão dos dias atuais e se desenvolve em volta de um grupo de estudantes colegiais que (porquê não), acabam envolvidos na luta contra os monstros ao lado do herói Ultraman Ginga. Alô, Kamen Rider Fourze!

Basicamente a trama vai ter o seguinte plot: “Muito tempo atrás, em algum lugar do espaço, uma força maligna fez que todos os Ultras e monstros gigantes se transformassem em pequenos bonecos (isso mesmo!). Essas miniaturas foram dispersadas por todo o universo, até que chegaram à Terra por meio de uma chuva de meteoros. Nos tempos atuais, um jovem garoto acha Ginga Spark, que o permite ajudar os bonecos a voltarem para sua forma original. Com o Ginga Spark, ele pode fazer ‘UltraLive’ e se fundir com as miniaturas.“

Vamos então aos personagens e seus respectivos intérpretes!

Takuya Negishi será o protagonista Hikaru Raidou, um estudante de 17 anos que se transforma em Ultraman Ginga utilizando o misterioso dispositivo Ginga Spark, citado acima. Vale ressaltar que o rapaz vai marcar a franquia como o herói mais novo a se tornar Ultraman!

Mais uma vez lembrando Kamen Rider Fourze, teremos também um misterioso e despachado estudante transferido de de escola. Ele se chama Tomoya Ichijoji e será rival do personagem principal. O ator escolhido para interpretá-lo é Takuya Kusakawa.

Completando o elenco secundário, os amigos de infância de Hikaru vão estar ao lado dele e, até agora, foram revelados os nomes de Misuzu Isurugi (Mio Miyatake), Kenta Watarai (Mizuki Ono) e Chigusa Kuno (Kirara). Ainda sem informações adicionais sobre esses personagens.

A direção da série fica por conta de Yuichi Abe, Tomo Haraguchi, Kengo Kaji e Yoshikazu Ishi.  “New Ultraman Retsuden” será separado em duas partes, sendo que os episódios de 1 a 6 farão parte da primeira temporada, “Summer Break” (numa tradução para o português, “Férias de Verão”) e os capítulos 7 a 11 serão a temporada dos feriados de Ano Novo.

Outra curiosidade é que, a data estipulada para o lançamento da série, dia 10 de julho, coincide com o dia em que Ultraman apareceu pela primeira vez na televisão japonesa, no ano de 1966! Podemos aguardar também dois episódios especiais que serão exibidos em um evento.

Então, pessoal? O que acharam dessa renovada e retomada no universo Ultraman?!

Nosso Asian Boy desta quinta-feira participou de algumas produções da TV japonesa, entre elas Ouran High School Host Club e Brilliant Thieves Royale em 2011 e, um anos depois, Renai Neet ~Wasureta Koi no Hajimekata e Houkago wa Mystery Totomo ni. Nos filmes, o currículo dele tem Lesson of the Evil registrado.

Quem quiser acompanhar Nagase, é só acessar o site oficial dele e ficar por dentro de informações sobre a carreira do gatinho!

Por aqui, vocês ficam com uma seleção de fotos escolhidas com muito carinho para vocês!

A Kickstarter, uma produtora norte-americana, está tentando angariar fundos para um live-action decente, de qualidade e que seja o mais fiel ao jogo.

Só que o lançamento dessa produção não será tão fácil quanto parece. Como eu disse aí em cima, é preciso de recursos financeiros para realizar o projeto. De acordo com a Kickstarter, é preciso arrecadar um mínimo de 625 libras, cerca de R$1.900.000,00. Esse valor é necessário para fechar o orçamento de filmagens e permitir que os atores entrem em produção.

Em 2010, a produtora lançou o fan film “Street Fighter: Legacy” no YouTube. O vídeo teve taxa de aprovação de 98,7%, com mais de 8 milhões de visualizações, em crescimento. Graças a esse retorno estrondoso é que surgiu a ideia da elaboração de um longa.

Nós como fãs esperamos que tudo dê certo e esse filme seja (bem) produzido! E, quem quiser se divertir um pouco com mais sobre Street Fighter, pode ouvir a edição 93 do nosso podcast na qual falamos sobre aqueeeele filme com o Van Damme!

Caso você queira ajudar na produção do filme pode visitar o site da Kickstarter e doar! Assista agora o vídeo da campanha do Street Fighter: Assassin’s Fist.

Estou arrepiado, não só pelo fato de ter sido lançado esse trailer do live-action de Gatchaman, mas por de até agora não estar acreditar que esse filme vai mesmo ser lançado. Estou muito esperançoso pela produção, já que o Japão nos últimos anos tem acertado nas adaptações de animes para o cinema. Para vocês terem uma ideia, ao acessar o site oficial do filme e conferir o vídeo, eu reassiti mais de cinco vezes para acreditar que era real!

Como é de se esperar de um trailer inicial, não podemos ver muita coisa sobre a história, mas as roupas estão lindas e muito atrativas. Eu gosto muito desses vídeos de divulgação curtos, pois aguçam mais a curiosidade e fazem o espectador se emocionar  e criar suposições.

Conforme já temos anunciado aqui no Senpuu, o live vai ter grandes estrelas do tokusatsu Tori Matsuzaka (Takeru Shiba de Shinkenger) , Go Ayano (Aki Sawada de Kamen Rider 555), Ayame Goriki, Tatsuomi Hamada (Nao de Ultraman Zero e Marvelous com 10 anos em Gokaiger vs Gavan) e Suzuki Ryohei.

O filme será dirigido por Toya Sato, com roteiro de Yusuke Watanabe e design e desenhos de Shinji Aramaki. As filmagens estão acontecendo desde outubro do ano passado e o lançamento está marcado para 24 de agosto desde ano. Não sei você, mas eu estou contando os dias para o a estreia!

Olá amigos. Começo aqui outra série de posts no Senpuu: os Sentais Recomendados! Então, periodicamente, selecionarei alguma série da franquia super sentai que eu acho que vale a pena ver e indicarei para vocês. Particularmente, eu não poderia começar com outra que não fosse a série de 2004, Tokusou Sentai Dekarager.

Depois do fim da chamada “Era Manchete“, eu fiquei um bom tempo sem conseguir encontrar as séries nipônicas para assistir, acompanhando o mundo sentai muito pelas suas contra-partes americanas. Isso mudou em 2005, quando eu encontrei um canal do YouTube passando os episódios de Dekaranger. Naquele momento, minha chama de fã de tokusatsu foi reacendida! Portanto, não poderia iniciar falando de outro sentai.

Dekaranger tem muitos admiradores, mas também muitos detratores, e vejo motivos para os dois. Essa é uma série muito única na sua execução. A história é bem simples, conta sobre a unidade de controle de atividade de alienígenas (chamados de alienizer) na Terra, que tem o nome de Special Police Dekaranger. Algo como uma versão multi-colorida dos Men In Black.

Isso, mas com collant

Aí está talvez o maior diferencial: Dekaranger não tem uma grande organização maligna para enfrentar. Seu principal antagonista é apenas um, Agente Abrera, um alienizer traficante de armas. Com isso, cada vilão é apenas um criminoso qualquer que compra equipamentos, robôs gigantes e informações de Abrera. Claro, no final há um grande confronto, mas não existe enrolação, nem mesmo uma grande trama que vai se desenrolando. Isso incomoda muita gente, mas me agradou bastante.

Essa característica faz com que Dekaranger seja uma série que explora muito seus personagens. Os monstros da semana têm muito mais importância e significado do que apenas os descartáveis de outras séries e o Ranger que recebe a atenção do episódio também tem reflexões muito mais detalhadas do que o normal. Neste ponto, a série correu um risco grande, pois dependia de um roteiro afiadíssimo e, felizmente, Naruhisa Arakawa (que viria a escrever também Gokaiger e Akibaranger, além de vários outros) fez um trabalho fantástico.

Em seu coração, temos sete heróis que são realmente fantásticos. Liderando o grupo, o cabeça quente DekaRed, Ban. Seu principal rival, por achar que deve ser o vermelho, é o frio e propenso a soltar frases em inglês, Houji, o DekaBlue. Temos também o gênio bobalhão Sen como DekaGreen e sua “pose de pensar” plantando bananeira. Completando os cinco iniciais, não poderiam faltar as garotas. A mediúnica e calma Jasmine é a DekaYellow e a empolgadíssima Umeko como DekaPink vem junto com seus três patinhos de borracha. Mais à frente, temos a adição do inicialmente frio e calculista DekaBreak, Tetsu.

Uma galerinha do barulho se metendo em altas confusões

Na formação desse time, temos o chefão mais legal desde… bem, desde sempre. Viúvas chorem pelo Comandante Ibuki, mas eu digo que Doggie Krueger, ou Boss e, às vezes DekaMaster, é o melhor chefão de qualquer sentai! Além disso, para completar o recorde ainda mantido de dez rangers, a construtora do time, Swan-San, se transforma em DekaSwan, além de Tetsu que é o DekaBreak, Lisa Teagle é a DekaBright e, apenas no filme, Mari Gold como DekaGold.

O Cão de Guarda do Inferno

O destaque, portanto, é a forma como esses heróis são explorados. Poucas vezes vi personagens tão ricos e cheios de detalhes. Jasmine quase cometeu suicídio por conta de seu poder até ser salva por Boss. Sen veio de uma família pobre e numerosa. Houji perdeu o parceiro devido a uma falha e se culpa por isso. Todos têm uma bagagem riquíssima e bem explorada, além dos relacionamentos evoluírem ao longo da trama. Inclusive, é a série recordista de casais, sendo oficiais Sen e Umeko, Ban e Mari e, nunca admitido, mas óbvio mesmo assim, Doggie e Swan.

Outra coisa que me faz adorar esse sentai é o fato dele ter várias referências culturais. A série toda é uma grande homenagem aos Metal Heroes, inclusive com a clássica explicação do henshin e o chefe cabeça de pássaro. Além disso, várias alusões a filmes, seriados e outros movimentos culturais permeiam os episódios. Um em especial que me lembro, é o capítulo em que Houji investiga um clube de pugilismo clandestino. Seu líder? Durden, do planeta Tyler.

Porque Clube da Luta faz parte do currículo escolar no Japão

Além disso, é um tokusatsu com ação fantástica. Como é muito baseado em investigação, temos muitas lutas em perseguição, como os clássicos filmes de detetive. Outra coisa que eu gosto bastante é algo que poucas séries exploram, que é utilizar os componentes do mecha individualmente e preocupações operacionais, como é mostrado na transformação do DekaBase Robo. E, para embalar tudo isso, uma trilha sonora sensacional!

Enfim, poderia escrever muito mais sobre Dekaranger, mas acho que alonguei até demais. A minha recomendação é uma série ao mesmo tempo muito bem construída e leve de assistir, com ótimos personagens, excelentes vilões individuais e muita criatividade.

Então amigos, EMERGENCY! DEKARANGER!!!

O tutorial de hoje vem ao som da música tema da Putotyra Form do Kamen Rider OOO e é até fácil de fazer.

Primeiro observamos que o elmo tem como base um papel durinho, tipo papel cartão ou cartolina mesmo. O próximo passo é dobrar no formato do capacete e grudar com fita adesiva mesmo. Logo depois, vem uma camada de espuma preta grudada por cima do papel e de acabamento foi colocado E.V.A preto. Os olhos sempre foram um dilema, pois eu nunca descobri do que é feito, então se você tiver alguma dica, comente abaixo deste post.

Para fazer o peitoral, foi usado o mesmo princípio da parte da cabeça, então não tem segredo. Deve-se atentar para os detalhes do símbolo do elmo e peitoral que, com cuidado, deve ser desenhado em um papel e recortado e revestí-lo com um tecido brilhante do estilo do vinil nas cores roxa, verde e dourado.

As luvas tem detalhes que são revestidos de courino preto e vinil roxo, assim como as caneleiras e braceletes também. Para fazer a bota, é usado um tênis apoiado em uma plataforma segura, pode ser de madeira e revestida assim como todo o resto do cosplay.

Essas foram algumas coisinhas que eu observei no vídeo. Para mais detalhe, é só conferir o vídeo abaixo e ficando com a maior vontade de fazer essa armadura, assim como eu.

Mama

(Mama, 2013)
Terror – 100 min.

Direção: Andrés Muschietti
Roteiro: Neil Cross, Andrés Muschietti, Barbara Muschietti

com: Jessica Chastain, Nikolaj Coster-Waldau, Megan Charpentier, Isabelle Nélisse

crítica: Alexandre Landucci

Volto a tocar num ponto que parece inevitável toda vez que se fala de algum novo filme de terror: a dificuldade para encontrar uma produção que funcione como seu gênero pede. Tramas insossas, efeitos visuais exagerados, sustos previsíveis ou até mesmo um excesso de violência desnecessária a trama, tudo pode comprometer a experiência assustadora que o filme pretende ter.

Porém, às vezes, mesmo contando com uma serie desses elementos que dariam descrédito a qualquer produção, a coisa funciona. É o caso de Mama. Méritos a equipe do filme que usa dos clichês a seu favor, e diante de uma trama batida de fantasmas e crianças ligadas ao macabro consegue encontrar uma forma de acertar no clima, com bons atores e soluções óbvias e eficientes.Primeiro com uma trama que cria tensão em duas frentes, já que de saída apresenta o sobrenatural ao colocar um pai perturbado – que acabará de chacinar colegas de trabalho e sua mulher – levando suas duas filhas para o meio da floresta e sendo morto por alguma coisa estranhíssima que nunca fica visível ao público. O filme então avança cinco anos no tempo e apresenta seus reais protagonistas, um jovem casal moderno que o público alvo do filme consegue se relacionar de saída. Nikolaj Coster-Walden (o galã Jaimie Lannister de Game of Thrones) é o irmão gêmeo do tal pai maluco e passou todo esse tempo em busca do irmão e das sobrinhas. Ele vive com a namorada, Annabel (a linda e talentosa Jessica Chastain em versão “garotinha rock’n'roll’) baixista de uma banda e que não tem grande vontade de ser mãe. Depois de muitos gastos com a busca, as garotas são encontradas e o filme ganha sua segunda frente de interesse: “como é que essas meninas sobreviveram e mais ainda, como é que elas estão cinco anos depois de serem largadas sem nada no meio da floresta?”

O segundo motivo para Mama funcionar bem é seu elenco. Se a já citada Jessica Chastain dá credibilidade a uma personagem que tinha tudo para ser mas um esqueleto vazio e sem força nas mãos de uma atriz com tendência maior ao escândalo, as jovens Megan Charpentier e Isabelle Nélisse (especialmente a primeira) estão no mesmo tom de Chastain buscando encontrar emoções genuínas na interpretação dessas garotas que vão se transformando de pequenas selvagens em garotas “normais”. Por outro lado, o galã Nikolaj tem um papel ingrato já que sua importância na trama é sumariamente diminuída, deixando claro que esse é um jogo para garotas e que as “Mamas” é que são as estrelas da companhia.

Isso leva aos clichês do gênero que aqui estão todos representados. Temos aqueles sustos óbvios com o auxílio da trilha sonora, aqueles vultos que atravessam a tela, barulhos sinistros e até mesmo as – hoje populares – manchas escuras na parede e insetos que simbolizam a podridão. Mas, mesmo assim, a direção de Andrés Muschietti é eficiente e consegue manter o espectador preso com alguns momentos visuais realmente bons, como a curta sequência que envolve uma brincadeira entre as duas irmãs no quarto, vista em um ângulo que divide a tela em três quadrantes. Na esquerda, temos a visão do corredor da casa e uma escada que liga o patamar do alto (onde a sequência se passa) ao piso inferior. No centro a divisão dos batentes entre as duas ações. E na direita uma visão do quarto. Mas Muschietti é inteligente e nos mostra apenas uma fração do quarto, e quando vemos a pequena Lilly (Nélisse) se divertindo e tentando se soltar de um lençol, somos sutil e assustadoramente surpresos. O diretor usa dos clichês para criar uma experiência muito convincente e divertida, especialmente se você é um fã do gênero e identifica esses símbolos.

E a tal Mama? Os méritos vão para a escolha do estranhíssimo Javier Botet, que por baixo de uma boa maquiagem e efeitos visuais que auxiliam os voos e outras aparições fantasmagóricas, realmente convence como essa criatura macabra e com uma linguagem corporal que desafia as leis da física. Muschietti é corajoso ao temer expor de forma direta sua personagem principalmente na parte final do longa, o que demonstrar ainda mais confiança na caracterização de Javier que consegue criar asco e simpatia na mesma personagem.

Se não é uma grandiosa produção, com inovações e etc, Mama é ótimo no que se propõe a fazer. Uma historia de fantasma simples, direta ao ponto, com suas convenções e clichês, o que já é muita coisa em um período bastante complicado para o gênero. Que bom, que ainda existam produções que não tentem surpreender o espectador de qualquer jeito, mas que se atenha ao “arroz com feijão” que quando bem temperado, sempre será suculento.

Para conferir novidades do cinema e mais críticas, acesse o blog Fotograma Digital.

Diend . Kamen Rider Decade

A grande peça de lego, oops, quer dizer, o Diend, chega na série como um simples ladrão que só quer roubar tesouros. Sua história é bem simples e às vezes até confusa e durante toda a jornada ele ajudou ou prejudicou nosso protagonista. Pelas indas e vindas, ele ocupa a 10ª colocação da lista.

9º Lugar

Ixa . Kamen Rider Kiva

Para falar deste Rider temos que lembrar que a unidade Ixa foi usada por cinco pessoas diferentes durante toda a série,  tanto no passado quanto no presente. Ixa é um personagem fundamental para o desenrolar da trama de Kiva, muitas das vezes roubando a cena e poderia muito bem ser o herói principal.

8° Lugar

Beast . Kamen Rider Wizard

Maionese, please! Um dos personagens que cativam em Kamen Rider Wizard, muitas vezes rouba a cena de Haruto e parece comandar o show. Com um power-up de encher os olhos, muita força e uma fome gigantesca, Kosuke Nito conquista o telespectador e é um incentivo a mais para quem quer continuar acompanhando a série ou quem quer começar a ver os episódios. Alívio cômico na medida certa, traz um background ainda um pouco desconhecido, mas que parece reservar desfechos interessantes para o Rider.

.

7º Lugar

The Bee . Kamen Rider Kabuto

Podemos dizer que The Bee é um parente mais velho do Ixa (já que apareceu antes), por ser “bem rodado”. Foram mais de dois usuários durante toda a série. Com uma das armaduras mais bonitas feitas até hoje, ele está no ambiente propício, já que toda a série de Kabuto tem um visual bem atrativo e interessante. Por representar uma estética marcante dos Riders de Kabuto, The Bee fica com o sétimo lugar deste Top 10.

6º Lugar

Kuuga . Kamen Rider Decade

Há quem vá dizer que Kuuga não é Rider secundário e, na verdade, teoricamente ele não é mesmo! Então, vamos explicar direito, a nossa sexta colocação não é para o Kuuga original e sim para o genérico, aquele que ajuda o Tsukasa em sua jornada pelos mundos.

5º Lugar

RiderMan . Kamen Rider V3

Considerado o primeiro Rider a desempenhar um papel secundário, de ajudante, RiderMan teve sua aparição na série do V3 e é bem interessante por sua peculiaridade de ser o único herói deste tipo a mostrar metade de seu rosto. Além disso, ele também foi o primeiro cavaleiro mascarado dos tokusatsus a empunhar uma arma pessoal. Com tanto pioneirismo, o personagem, obviamente, tinha que constar nesta lista!

4º Lugar

Birth . Kamen Rider OOO

De acordo com a Patrine (e boa parte do público feminino do Senpuu), Kamen Rider Birth merece lugar de destaque na nossa lista pelo simples fato de ter como um de seus intérpretes o gatíssimo Hiroaki Iwanaga! Mas, não é só pela beleza do rapaz, ele deu vida a um personagem carismático que, até nos momentos em que está contra o protagonista, nos leva a torcer por ele! Um badass que ensina a Shintaro Goto (o outro Birth) a ser um pouco mais maluco e lutar pelo que acredita. Está aí mais um fato importante a se colocar sobre esse personagem: a maneira como a função de Rider secundário é dividida para dois personagens foi muito bem inserida e trabalhada na série! Para eles, nosso 4º lugar.

3º Lugar

Meteor . Kamen Rider Fourze

Watchaaaa! Os pontos deste Rider secundário já começam a ser somados por sua estética diferenciada e que encaixa perfeitamente com a temática espacial de Fourze. A necessidade de se esconder para lutar por um objetivo que desvia do de Gentaro deu um tempero especial para a construção da relação entre os heróis que, como não poderia deixar de ser, unem suas forças e se tornam grandes amigos. Vale ressaltar a porradaria épica no penúltimo episódio contra o Leo Zodiart, um oponente muito maior, mas que não assustou o ágil Meteor!

.

2º Lugar

Accel . Kamen Rider W

Além de cumprir a função de auxiliar o(s) Rider(s) protagonista(s), Accel concretizou o clima policial da série como um todo e trouxe junto consigo uma nova história que acrescentou muita coisa para o roteiro. A medalha de prata ainda fez surgir um relacionamento amoroso divertido que amenizou o clima da série e o personagem foi responsável por um dos filmes de tokusatsu mais eletrizante dos últimos tempos!

1º Lugar

Zeronos . Kamen Rider Den-O

O que seria de Den-O sem o Zeronos? Com certeza não seria a febre que foi! Zeronos é o melhor Rider secundário que já existiu nos tokusatsus e está longe de perder seu reinado. O desenvolvimento do personagem, alcançando uma forma definitiva com um dispositivo de transformação, faz tudo ficar ainda mais interessante! Com uma história carregada e cheia de incógnitas (que são esclarecidas no final da série), ele tem merecidamente lugar mais alto no pódio neste Top 10.

“Somos apenas aplicativos, não precisamos de nossos corpos.”

                                                                                   – Lain Iwakura -

“Serial Experiments Lain” é um anime que foi lançado em 1998 pelo estúdio Triangle Staff. Dirigido por Ryutaro Nakamura (Ghost Hound) e com o ilustrações de Yoshitoshi Abe, a história ganha um tom surrealista e filosófico. Logo no início da série, temos uma cena surpreendente. Chisa Yomoda, uma estudante ginasial que a princípio parece alucinada, comete suicídio se jogando de um prédio. A partir daí, fatos estranhos começam acontecer, como as colegas de classe dela receberem e-mails vindos da moça após a morte dela, dizendo que abandonou seu corpo, mas ainda vive e que existe um “Deus” onde ela está.

Entra então em cena a protagonista Lain Iwakura, uma garota de 13 anos, tímida e reservada e com uma família totalmente indiferente. Um pai que adora navis (computadores do futuro) e suas expansões. A mãe, de poucas palavras, não demonstra emoção alguma e a irmã mais velha, Mika, sempre está reclamando de algo. Lain também recebeu os e-mails e, sem saber o que fazer, tenta conversar com seus pais, porém nada se resolve.  Esse é o ponto crucial da série, uma vez que marca o início de uma longa jornada de descobertas entre os dois mundos: o real e o virtual chamado de wired (uma espécie de internet do futuro).

Durante sua jornada, Lain conhece a boate Cyberia, apresentada por suas amigas de escola. Cyberia é uma espécie de ponto de encontro dos jovens, lugar que fornece a eles a experiência de se conectarem à wired e fazerem o uso de “Accela”, a droga do momento, muito popular entre alguns jovens.

Com a ajuda de seu poderossíssimo navi, Lain começa a se familiarizar cada vez mais com wired, ao ponto de sua própria realidade ser influenciada por esse estranho mundo virtual. Em algumas cenas, podemos ouvir um ruído semelhante ao de um computador e em outras a própria protagonista e os demais personagens conversando com uma voz robótica. No decorrer da trama, Lain encontra alguns perigos, como o “deus” da Wired e a ameaça hacker chamada “knights”. Há também aliados como Taro e sua melhor amiga Arisu.

Ao longo da série, Lain muda bastante e passa de uma menina introspectiva a uma personagem com personalidade forte e de incrível habilidade no uso dos Navis. Além disso, ela consegue usar poderes paranormais fora da wired, o que nos leva a questionar se a garota sempre foi assim ou se na verdade é outra pessoa, assumindo a identidade da personagem principal.

Teoria da conspiração, evolução e até mesmo extraterrestres são temas decorrentes no anime. Surgem muitas perguntas e conceitos filosóficos como: quem realmente somos? Existe algum tipo de Deus? Estamos todos conectados? O que realmente é Lain? O que é real afinal de contas, o mundo ou a wired? Por tratar de temas bem atuais na época em que foi lançado, Serial Experiments Lain também nos atrai por levantar questões inerentes ao existencialismo, à angústia pela necessidade de respostas e, claro, à fragilidade nas relações interpessoais através da internet e das comunidades online. Em alguns momentos é impossível dizer se Lain está no mundo real ou na wired.

Se alguém se lembrou de Matrix saiba que boa parte do filme criado pelos irmãos Wachowski possui vários elementos retirados de Lain.  A direção de Ryutaro é excelente, os enquadramentos são ótimos, os jogos de câmera bem posicionados mostram muito do que ele quer mostrar.  Por exemplo, durante uma conversa de Lain com Arisu,  ela diz que “o mundo real não é tão real assim”, estando atrás de uma grade de um prédio, passando a ideia de que ela está se sentindo presa, enjaulada. Outra cena que mostra o brilhantismo de Ryutaro na direção é o episódio em que aparece um ET com uma roupa listrada nas cores vermelha e verde encostado à porta observando Lain. Em outro episódio, quando a protagonista está confusa e vai pedir desculpas a Arisu, ela aparece com a mesma roupa que o ET usava e encostada à porta, criando uma analogia à cena anterior, nos mostrando o quanto ela está se sentindo um ser de outro planeta.

A animação feita por Abe é um show a parte. Com cores vivas, personagens com traços fortes e um design único, ele cria uma ambientação perfeita para situar todas as cenas. O diretor Ryutaro disse em uma entrevista contida nos extras do vhs original quando o anime foi lançado que, por se tratar de uma história surreal, seria muito difícil manipular os personagens. Coube então ao escritor Chiaki Konaka desenvolver toda a trama enquanto Abe e Nakaumura cuidavam do design. Abe desenvolveu o estilo do desenho e uma das ideias principais foi a de explorar as emoções dos espectadores de um modo difícil. Para exemplificar, há uma sequência que se passa na escola, o corredor está vazio, mas é hora do lanche e deveria haver pessoas ali. Surge, logo, um senso diferente de mistério, algo bem intrigante e refinado. Existe outra cena em que Lain está indo para o colégio e o cenário de fundo é completamente branco, deixando em dúvida se ela está ou não no mundo real.

A série provoca um efeito de manter as alucinações por tanto tempo que o espectador esquece que são alucinações, até o momento em que a realidade aparece.  O escritor Konaka sempre disse em seus depoimentos durante entrevistas que escrever os scripts de Lain foi uma tarefa muito difícil, até mesmo para alguém experiente. Na mesma entrevista que estava nos extras do VHS da série, para Yoshitoshi Abe, a principal ideia de Lain é a maneira que sua realidade se modifica e a sugestão de que enquanto seja ficção hoje, amanhã poderá ser fato científico.

O produtor Yasuyuki Ueda disse em uma entrevista feita para a revista Animerica (que não existe mais) que ele esperava que o público ocidental não entendesse nada (acho que ele não tinha dimensão do quanto sua série faria sucesso no ocidente). Lain é um trabalho baseado na sensibilidade do povo japonês e que seria um tipo de declaração de guerra à cultura e aos valores americanos que foi adotado no Japão após a 2ª guerra mundial. Só que não foi bem assim, Lain atingiu popularidade no mundo inteiro e se tornou um anime Cult ao lado de obras incríveis como “Akira” e “Ghost In The Shell”.

Por fim, Lain retrata também muito sobre o desenvolvimento das telecomunicações, que passa ser algo indispensável no mundo de hoje. É possível identificar a presença de postes, telefones e vários fios de linha telefônica em close enquanto você apenas ouve o que os personagens estão conversando. O anime não só levanta várias questões como aborda muitos assuntos que vão desde a existência de um “Deus” até a manipulação pensamentos e lembranças. Serial Experimentes Lain é um anime diferente, intrigante e obrigatório para quem curte uma história complexa. Se você ainda não assistiu procure, veja, e tire suas conclusões.

Foram divulgadas algumas cenas de reunião entre todos os heróis, além da porradaria entre Gavan e Wizard. Uma novidade que podemos ver é que “Kamen Rider × Super Sentai × Space Sheriff: Super Hero Taisen Z” vai trazer um time um tanto quanto dourado composto por Beast e KyoryuGold!

Para quem gosta de mais detalhes, é só dar uma espiadinha também em alguns atores do elenco que estampam as fotos. E, se você quer se preparar e ainda não ouviu o nosso podcast sobre o primeiro filme dessa “franquia”, é só clicar aqui e conferir as opiniões sobre essa bomba produção na edição 95 do SenpuuCast!

Enjoy!

Temos a honra de apresentar nosso novo colaborador do site, o Ashram, vulgo Júlio Cesar. Ele vai escrever uma  nova coluna para o Senpuu, que deve dividir opiniões dos nossos leitores. Quinzenalmente, vamos apresentar um review de um anime. Isso mesmo, anime! Antes que comecem a dissipar suas energias de ódio sobre nós, vamos explicar.

Essa novidade não quer dizer, de forma alguma, que o site vai mudar de foco ou desviar os olhares do tokusatsu. Nossas atualizações e textos opinativos sobre o tema continuarão a todo vapor! Simplesmente queremos trazer até vocês algumas opiniões sobre animes clássicos, recentes e grandes sucessos deste segmento.

Ressaltando que os posts não vão ser de notícias e novidades sobre as animações japonesas ou divulgação de “qual é a série da semana”. É mais uma linha editorial para quem, além dos tokusatsus, também tem envolvimento com outros tipos de produção do nossos amigos dos olhinhos puxados e quer debater sobre algumas delas!

Antes de tudo, o Ashram é também  um grande fã de tokusatsu e divide seu amor com animes e mangás. E, complementarmente, a equipe do Senpuu, assim como muitos dos nossos leitores, adoram a cultura japonesa em geral, portanto, nada melhor do que expandir o conteúdo e os horizontes! Então vamos deixar que ele mesmo se apresente:

Galera é com imenso prazer que inicio essa jornada no melhor site de Entretenimento do Brasil o Senpuu. Otaku “veio” das antigas assim como muitos aí, sou da época que quase não se conhecia o termo “anime”. Eu presenciei o boom do animê com a vinda de Cavaleiros do Zodíaco e seus “sucessores” na extinta e saudosa Rede Manchete. Formado em estilo, forma e crítica cinematográfica (minha outra paixão) sou também um apaixonado pelo universo anime/mangá e cultura japonesa há muitos anos e estou sempre acompanhando o que acontece nesse meio. Espero que gostem do trabalho. Deixo meu muito obrigado!

Aguardem e fiquem ligados nos reviews quinzenais de animes feitos por Ashram.

O personagem, como o nome deixa a entender e você pode conferir no canto direito da imagem abaixo, é verde e fará referência a um hipopótamo. O nome dele é Atsushi Domyoji e quem vai interpretá-lo é Tatsuhisa Suzuki o voice actor que dubla o BuddyRoid Usada Lettuce.

Serão 45 minutos de duração do especial em DVD, incluindo essa nova história e novos personagens, num universo paralelo que vai levar em consideração como seriam as coisas caso os acontecimentos de 13 anos atrás, que levaram os heróis a ficarem sem família, não tivessem se concretizado. Muito bizarro pensar nisso, né? Mas, ao mesmo tempo, abre um leque de possibilidades para os roteiristas e produtores brincarem à vontade com esses personagens já construídos, de uma maneira totalmente diferente!

Para quem tiver curiosidade, além de imagens, foi postado também no site oficial da produção, um pequeno trailer que você confere abaixo:

Noticiamos ontem o lançamento de DVDs e Blu-Ray das séries Hurricanger e Kamen Rider W.

De acordo com a página oficial dos Hurricanger no Facebook está confirmado o lançamento de um V-Cinema para o dia 9 de agosto. Já que alguns leitores questionaram no post anterior, temos agora alguns detalhes sobre o material, que será um V-Cinema. A história será independente e vai mostrar, depois de 10 anos, o retorno dos ninjas que derrotaram o império Jakanja, agora enfrentando um novo inimigo!

ShShun Shioya, Nao Nagasawa e Kohei Yamamoto vão interpretar novamente seus respectivos papéis Yosuke Shiina/Hurricane Red, Nanami Nono/Hurricane Blue e Kouta Bitou/Hurricane Yellow. Os três deram as caras pela última vez em Gokaiger, mas foi uma aparição rápida nada muito trabalhado, que deixou um gosto de quero mais para os fãs.

As informações dão conta ainda de que a direção do V-Cinema também está planejando trazer de volta personagens da antiga série como Yujiro Shirakawa o Ikkou Kasumi/Raiger Kabuto, Nobuo Kyo o Isshu Kasumi/Kuwaga Raiger, Shoko Takada a Oboro Hinata, Ken Nishida a Mugensai Hinata, Azusa Yamamoto a linda Furabijou e Fukumizu Mio o Wendinu.

Essa produção foi planejada por Nagasawa e Yamamoto, que serão produtores assistentes juntamente com Hikasa e Tsukada Hideaki. Temos também na equipe Katou Kazuo Nakano e Takeshi como produtores executivos.

Ele então enviou um vídeo que mistura músicas brasileiras com temas de vídeo games. Vale uma nota especial para o merchandising feito por ele para o Senpuu!

Confiram essa mistura e um forte abraço!

Como a gente já conhece as novas roupas dos membros do super sentai não oficial, a novidade desses scans está mais relacionada aos vilões. Ressalto o capacete fodástico da Malsheena, que continua com seus mínimo trajes na parte de baixo! E continuo achando muito doido e engraçado esse “bebê” que o Akiba Red fica carregando o tempo todo! Hahahaha!

Em uma das imagens, a gente pode ver detalhadamente uma arma um pouco diferente das já usadas pelos heróis e também dois Zyurangers passeando por ali!

Como estão as expectativas de vocês para a segunda temporada da série?!

Primeiro, para celebrar o 10º aniversário da série, os fãs de Hurricanger vão poder adquirir nas versões DVD e Blu-ray, o “Ninpuu Sentai Hurricaneger: 10 Years After” (dez anos depois, como diz o título) a partir do dia 9 de agosto. O lançamento estará disponível num pacote em edição de colecionador pelo preço de 10.290 yen, sendo que a versão em Blu-ray custa 5.775 yen e os DVDs 4.725.
.
.
.
.
.

Além dos lançamentos envolvendo o super sentai, foi divulgada outra novidade que vai agradar aqueles que, assim como nós do Senpuu, são viúvas de W! Os detetives Shotaro e Philip e toda a turminha vão ganhar a versão home video em um box de Blu-ray em 12 de julho. O “Kamen Rider W Blu-ray Box 1″ tem um preço mais salgadinho, 20.790 yen. A data de lançamento e venda da próxima coletânea de Blu-rays do Rider por enquanto ainda não foram informadas.

G.I. Joe: Retaliação

Direção: Jon M. Chu
Roteiro: Rhett Reese e Paul Wernick

Crítica por Alexandre Landucci

com: Dwayne Johnson, Jonathan Pryce, Channing Tatum, Adrianne Palicki, D.J. Cotrona, Ray Stevenson, Bruce Willis, Ray Park, Byun-hun Lee

Sou uma cria dos anos 80. Durante minha infância tive uma dieta de Toddynho, chocolates Lollo e Charge, bolachas Negresco e muito Changeman, Gavan, Jaspion, Transformers, Thundercats e Comandos em Ação na tv. Além de assistir, tinha (e ainda tenho) brinquedos da maioria dessas series e desenhos que acompanhava na infância. Portanto, falar de um live-action de “Comandos em Ação” (sim, pra mim sempre serão Comandos em Ação) é um misto de nostalgia e dever profissional.

Aqueles molequinho de 12 anos que vibra a cada blockbuster divertido que assiste sempre me cutuca para que eu dê crédito a essas aventuras coloridas e cheia de explosão. Por outro lado, meu profissionalismo me impede de entrar no “modo fã xiita e maluco” e ignorar os muitos problemas que essa segunda aventura dos Joe’s tem.

A própria ideia de uma força tarefa norte-americana (nos desenhos isso foi expandido a uma força tarefa internacional, mas enfim isso não vem ao caso) que patrulha o mundo contra o terror é uma ideia absolutamente datada e que só tinha realmente ressonância nos anos 80 quando Rambo, Schwarzenegger, Top Gun e os demais símbolos da força bélica americana eram considerados inatingíveis e reais protetores da paz da humanidade.

Hoje é muito mais complicado adaptar esse conceito a uma realidade que impede uma “polícia do mundo”, portanto o conceito inocente e até ingênuo de uma organização que salva a humanidade não funciona mais. Por isso, a opção desse segundo G.I. Joe é a da conspiração nos mais altos níveis governamentais dando sequência aos movimentos orquestrados no primeiro filme da franquia. Para quem não lembra a substituição do presidente americano por um membro da organização Cobra que imita os trejeitos e com ajuda da tecnologia é transformado no já citado presidente.

A partir daí com os Cobra no comando do governo americano, os Joes são perseguidos e depois de uma operação, praticamente destruídos. Os remanescentes decidem revidar apelando para o primeiro dos Joe (na participação breve e desnecessária de Bruce Willis, que parece estar fazendo todos os filmes do mundo) na tentativa de salvar o mundo. Previsível até o último frame.

Quem continua roubando a cena é o ninja favorito de toda uma geração (não, não era o Jiraya) Snake Eyes, o calado personagem que se veste de preto e usa espadas melhor que ninguém. É dele a sequência mais impressionante da produção e que envolve uma fuga no monastério/casa de cura mais mal localizada do planeta, parkour por montanhas, briga de ninja praticamente na vertical e um corpo ensacado.

O protagonismo da trama cabe a The Rock (ou Dwayne Johnson) que faz o que se espera de um herói de ação: desce o braço sem dó, tendo direito a uma cena onde atira com sua arma apoiada na cintura no melhor clima anos 80. Por outro lado, os coadjuvantes da vez Flint (D.J. Cotrona) e Lady Jane (Adrianne Palicki) não são marcantes como eram os do primeiro filme.

E mesmo com a presença visual interessante do Comandante Cobra, o plano de dominação global é genérico e rende momentos de vergonha alheia como uma sequência – já na parte final da projeção – que envolve bombas nucleares, ou mesmo a indefectível coleção de piadinhas que causam sorrisos amarelos. Por outro lado a ação é bem orquestrada embora não passe de genérica, ou seja, você já viu aquilo antes muito melhor.

Em meio à nostalgia de rever seus brinquedos de infância (de novo) na tela grande, essa segunda aventura dos soldados da polícia do mundo é divertida por esse fator, por momentos de referência aos anos 80 (como o famigerado jipe dos Joe’s que finalmente deu seu ar da graça) e por ter sequências de ação que não incomodam. Por outro lado, o texto continua absurdo, pobre e resvalando no ridículo. Mas, o que se pode esperar de um filme que adapta bonecos para o cinema?

A imagem divulgada recentemente mostra cinco Metal Hero Keys (em referência óbvia às Ranger Keys dos piratas) que vão possibilitar os membros do super sentai se transformarem em Janperson, Jiraiya, Jiban, Draftredder, Blue Beet e B-Fighter Kabuto.

Já o Gavan que aparece em todos os scans relacionados ao filme , como é de se esperar, é o Type G já apresentado e trabalhado pela Toei nos últimos tempos, portanto, não faz parte da transformação dos Gokaigers.

De acordo com as informações de momento, ainda não há detalhes sobre qual membro do sentai vai ser qual dos Metal Heroes e nem o contexto do uso das chaves.

E aí, minha gente? Mais uma emenda maluca no roteiro? Ou pode dar certo?

Segundo anúncio da edição mais recente da TV Magazine, o novo herói será revelado durante o evento “Ultraman Film Festival” que acontece do dia 12 a 14 de abril, como parte das comemorações de 50 anos da Tsuburaya.

Uma imagem misteriosa já circula na internet e pode ser uma prévia do que aguarda os fãs!

E aí? O que acharam dessa história toda? Vai ser difícil esperar até abril?

A caminhada foi longa até aqui, com todas as dores e delícias que todas as trajetórias da vida normalmente têm. Para nós, do Senpuu, é com muito orgulho, felicidade e empolgação que apresentamos a vocês, a edição número 100 do nosso podcast sobre tokusatsu!

Ao mesmo tempo em que comemoramos esse número especial, cumprimos a promessa feita ao chegarmos a 1.500 curtidas no Facebook de publicar um SenpuuCast sobre Jaspion! E, para bater um papo sobre o assunto, Fire, Mozenjaa e Patrine receberam o Nordan, vocalista da Gaijin Sentai!

Outra participação que deve ser ressaltada nesse cast é a do Rodrigo Comarin, responsável por essa ilustração linda que vocês conferem aí em cima na vitrine! Agradecemos de coração a ele, a todos os colaboradores, amigos, ouvintes e leitores do Senpuu. É apenas por causa de todo o carinho e ajuda de vocês que conseguimos chegar nesse 100puucast!

Duração: 89 minutos

• Blog da Gaijin Sentai
• Matéria escrita por Patrine sobre o CD da Gaijin Sentai
• Facebook da Gaijin Sentai

ATENÇÃO, nesta edição, por motivos muito justificáveis, não tivemos Notícias do Senpuu e Rider Kicks. Essas colunas estarão presentes novamente no próximo Senpuucast.

Envie e-mails para: senpuu@senpuu.com.br

O ator de 20 aninhos, já fez participações pequenas nos dramas “Kaseifu no Mita” e “Gou“.

Quem quiser acompanhar um pouco mais do moço, é só acessar o blog oficial dele que é atualizado frequentemente com fotos!

Apesar de ainda não ter sido divulgada qual será a extensão da aparição dele e nem detalhes sobre qual papel o ator interpretará, a imagem publicada no Twitter da Legendary Pictures confirma que Takarada vai voltar às telonas, em uma clara homenagem ao Godzilla original.

As filmagens estão acontecendo em Vancouver e a produção tem no elenco Aaron Taylor-Johnson, Elizabeth Olsen, Juliette Binoche, David Strathairn, Bryan Crantson e Ken Watanabe.

Olha aí uma foto promocional do filme original e, vamos combinar que Akira Takarada era um belo galã!

O que se sabe por enquanto é que o Infinity Ring, que vai dar origem à forma Infinity Style (porque não), surge do desejo que Haruto tem de proteger as pessoas, expressado pelas lágrimas do protagonista. Ao usar o anel, o herói vai ganhar uma armadura brilhante e a arma será Axcalibur, nome que mistura a lendária espada Excalibur com a palavra “Axe” que significa “Machado” em inglês (como vocês podem ver nas imagens da galeria abaixo, tem tudo a ver!). Portanto, a arma pode ser usada tanto como espada ou machado. Na forma Axe, a Axcalibur pode mudar de tamanho para ativar um ataque especial, o Dragon Shining.

Mas isso não é tudo! Conforme informações, além do upgrade na armadura e a nova arma, Kamen Rider Wizard Infinity tem a velocidade como principal característica. Outro detalhe é que, a Axcalibur só pode ser usada nessa forma, devido à enorme quantidade de poder que ela contém.

A expectativa é que a gente possa ver a Infinity Style nas telas no mês que vem! Enquanto isso, confira algumas imagens de scans de revistas e envie sua opinião sobre mais essa forma do Wizard!

Voltando ao material de divulgação de GARO: The One Who Shines In The Darkness, recentemente um novo trailer online foi postado. O vídeo é um pouco diferente do convencional, pois tem mais de 3 minutos de duração, o que é bem raro. Mas, os responsáveis pela produção e publicidade da série querem que todos os fãs continuem assistindo o cavaleiro dourado e não poupam esforços para isso.

A terceira temporada estreia dia 05 de abril e apresenta uma história completamente nova, também com renovação de personagens e elenco. É nesse momento que eu parei e pensei: será que Garo vai iniciar uma nova franquia? Fica para vocês a  reflexão, e não deixe de expor a sua opinião.

De acordo com informações (e conforme podemos perceber pelo material de divulgação), a trama será centrada em Jabi e Rekka. Foi publicado que, paralelamente à luta de Kouga pela bizarra Terra Prometida em Dragon of The Blue Cry, as sacerdotisas Makai viajam para a Floresta do Norte com a missão de proteger um artefato místico.

Para esquentar os motores, nada melhor do que um vídeo que nos dá ideia de como essa história toda vai acontecer.

Confira e envia suas opiniões!

Pela terceira vez o Senpuu esteve na cidade de Juiz de Fora, em Minas Gerais. Assim como em todas as nossas visitas anteriores, muitas atividades foram realizadas e muito tokusatsu injetado nos fãs da cultura pop japonesa.

No sábado (23) realizamos o nosso tradicional Quiz de Tokusatsu, no qual oito equipes de três integrantes duelaram em prol da diversão e de suas séries favoritas. Como sempre, o público se divertiu com as provas mirabolantes e chorou de raiva quando as equipes não sabiam responder a perguntas simples como, qual o nome do sucessor de Jaspion.

Depois da rodada de perguntas, batemos um papo com alguns fãs sobre as expectativas para o novo sentai e também conversamos sobre os tokusatsus prediletos de cada um.

No domingo (24) aconteceu a palesta sobre o e-book “Tokusatsu: O Despertar do Herói”, contando como aconteceu a produção e os detalhes sobre como utilizar o livro e montar uma boa campanha de RPG.

Na sequência dessa apresentação, Mozenjaa montou uma mesa de seis jogadores e narrou uma partida. Infelizmente muitos quiseram participar, mas o jogo foi limitado a um número específico de jogadores, mas, os que ficaram de fora puderam acompanhar de perto o jogo.

.

Foi um grande evento, um sucesso para a produção e para o Senpuu. Aguardamos um retorno breve a Juiz de Fora!

A próxima parada do SenpuuLiner é em Ipatinga, também em Minas Gerais, nos dias 13 e 14 de abril.

Hoje venho então, trazer uma boa novidade para o pessoal! Kyoko Hinami, a intérprete da antiga AkibaBlue, Mitsuki Aoyagi, usou a conta de seu Twitter pessoal para confirmar que ela retornará ao super sentai não oficial.

Ainda não há informações sobre quando nem de quantos episódios ela participará, nem qual será o contexto tanto da saída quanto da volta dela, mas o certo é que a personagem pelo menos não desaparecerá do nada!

A Caça

Direção: Thomas Vinterberg
Roteiro: Tobias Lindholm e Thomas Vinterberg

com: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Annika Wedderkopp

crítica: Alexandre Landucci

Crianças nunca mentem? Esse é o mote da produção de Thomas Vinterberg sobre um pacato e simpático professor que tem sua vida destruída a partir de uma mentira contada por uma criança frustrada. A posição do diretor é ousada já que a afirmação mentirosa envolve um dos assuntos mais dolorosos e asquerosos do mundo: o abuso infantil.

Ao apostar nisso, Vinterberg consegue com que o público entenda até mesmo as motivações para com que os envolvidos nessa historia acabem agindo de forma condenatória em relação ao protagonista. Essa é a atitude normal diante de acusações tão virulentas. Automaticamente nos solidarizamos com as vitimas e atacamos os acusados mesmo sem termos provas a respeito. A óbvia lembrança ao ocorrido com a Escola de Base em São Paulo (quem lembra?) onde os responsáveis pela escola foram acusados de toda uma serie de abusos e depois se comprovou que nada daquilo era verdade. Porém, a vida dos donos já tinha sido destruída e os traumas sofridos por essas pessoas são certamente sentidos até hoje.

Esse é o caso de Lucas, que tem sua vida devassada e que realmente emociona o espectador com seu drama. A interpretação de Mads Mikkelsen é poderosa, intensa e emocionante conseguindo transitar pela sensibilidade de seu personagem e a tristeza profunda com as acusações infundadas que recebe. Acusações que ele (e o diretor inteligentemente ilustra em diversos momentos) sabe que dificilmente serão realmente perdoadas. Sua descrença em ver que sua vida está sendo destruída é comovente e conseguimos facilmente nos colocar na angustia que é ser injustamente acusado de algo que não se fez.

A 11ª edição do tutorial de cosplay publicada aqui no Senpuu é  uma sugestão da nossa querida Patrine, que conseguiu esse vídeo super bacana mostrando a montagem do capacete do Kamen Rider Kabuto que, como diz o Mozenjaa, “é só um Rider bonito” (mas não é!)

Vale a pena conferir esse passo a passo que, na minha humilde opinião, é o melhor capacete de Kabuto que eu já vi sendo confeccionado, até por que na minha incansável buscar de tutoriais, eu já encontrei muita coisa e já vi outro cosplay desse Rider, mas que não foi bem feito como esse.

E olha que o que tem de mais trabalhoso nesse capacete é a parte do meio que divide os “olhos”, onde o cosplayer usa tiras grossas de EVA e reveste com massa modeladora. De resto, é basicamente uma espécie de  corte e cola.

Inspirem-se, tirem ideias, coloquem em prática e divirtam-se!

Olá meus caros! Quem acompanha o site e os podcasts do Senpuu sabe que fui nomeado como especialista em Super Sentai por aqui. Então, nada mais justo que honrar esse título trazendo para vocês, leitores e ouvintes, mais informações sobre os nossos guerreiros multicromados. Sendo assim, começo hoje uma série de diversos artigos explicando os elementos que compõem as produções dessa franquia dos tokusatsus.

Para começar, vamos ao assunto mais básico de todos. Em sua essência, um super sentai é uma série sobre um grupo de jovens que se transformam em guerreiros, cada um de uma cor, para combater vilões. Mas o que significa isso? Depois de um tempo, as cores começaram a trazer um significado para os personagens. Vejam bem, isso está longe de ser uma análise fixa, pois cada série dá seu tom para as tradições, mas é um começo.

Um touro ficaria maluco!

Primeiro vamos para a cor mais significativa: o vermelho. Os rangers dessa cor são sempre elementos centrais da série. Tradicionalmente são os líderes mas, como eu disse aí em cima, não é uma regra em todos os casos. O fato é que, normalmente são eles que acabam enfrentando os principais vilões e tendo as tramas mais importantes. Temos diversos tipos de Red entre aqueles que não são líderes, mas sim, o coração como, por exemplo, o Jan/GekiRed. Outros começam assim, mas eventualmente crescem e se tornam líderes, que é o que aconteceu com Ryo/RyuRanger. E temos ainda os líderes absolutos, como o nosso saudoso Jin/Red Flash.

I’ve got the bluuuuueeeess!

Seguindo, a única cor além de vermelho presente em todas as séries, é o azul. Essa na verdade foi uma cor que sofreu grandes mudanças. No passado, tivemos rangers azuis que eram os mais jovens ou inexperientes da turma, normalmente mais baseados em velocidade, enquanto os rangers verdes/pretos/amarelos desempenhavam o papel de força. No entanto, mais recentemente, os azuis constantemente fazem o papel de segundo personagem mais importante. Quando isso acontece, temos a opção na qual eles se tornam o segundo em comando e braço direito do vermelho, assim aconteceu com Ryunosuke/ShinkenBlue ou há aqueles que disputam o papel de liderança com Red, como foi Hoji/ Deka Blue. Além disso, azul vem se mostrado a cor do personagem mais sensato do grupo, conforme pudemos observar recentemente com o Ryuji/BlueBuster.

Gokaiger, amarelando na parada!

Os amarelos já têm perfis bem diferentes. Quando são homens, costumamos ter personagens mais físicos, que lutam com força bruta. Aqui no Brasil vimos um grande exemplo disso com o gordinho Futoshi/Goggle Yellow. Já quando a Yellow é a mulher do grupo, especialmente quando divide espaço também com uma rosa, a amarela costuma ser a menos feminina e mais agitada das duas. Um exemplo desse último caso é a Moune/ Gosei Yellow, que é mais lutadora e menos delicada que a Gosei Pink, Eri. Tivemos um caso contrário a tudo isso que foi o Gaku/GaoYellow, um dos personagens mais legais da série e que, apesar de amarelo, desempenha o papel do rival que costuma ser do azul, conforme mencionei acima.

Esses aí? Ainda estão muito verdes!

Agora vou juntar duas cores que normalmente têm papéis bem semelhantes, além de serem muitas vezes esclusivas: Preto e Verde. Ambas são até hoje exclusivas de personagens masculinos e se reservam aos rangers que são lutadores de força. Diferente do amarelo, poucas vezes significa que são grandes, mas podem ser muito fortes (como Hayate/Change Gryphon) ou lutadores muito habilidosos (como Daigo/Shishi Ranger). As duas também também foram bastantes utilizadas para membros adicionais antes de Magiranger introduzir as cores metálicas. Agora, em personalidade, se diferenciam bastante, sendo que os verdes costumam ser mais próximos de irmãos mais velhos ou protetores, enquanto os pretos são lobos solitários e rebeldes. Dois dos meus personagens de sentai favoritos se enquadram nessas categorias são Sen-Chan/Deka Green na primeira e o lendário Gai/Black Condor na segunda.

Que fofura! ^^

Outra das cores básicas, que temospresente em uma enormidade de séries, é rosa. Única cor exclusiva das garotas por enquanto, e como não poderia deixar de ser, costuma ser usada pelas garotas mais femininas das séries. Também tem como tradição da ranger Pink ser habilidosa em disfarces, como brincou muito Gokaiger com a Ahim/Gokai Pink. É uma cor também mais constante, visto que, honestamente, o único caso que eu me lembro de que a rosa era a durona enquanto a outra mulher era mais delicada foi em Flashman com a Lu/Pink Flash, que contrastava bem com a Sara/ Yellow Flash, que era mais menininha.

Esses usaram Vanish!

Pra finalizar, uma cor que ficou meio coringa foi o branco. Por um lado, foi usado muitas vezes substituindo a rosa no papel da mulher do grupo, normalmente como única. Talvez o caso mais memorável foi Tsuruhime/Ninja White. Mas quando é um homem, normalmente é o ranger extra. Tivemos um protótipo disso lá no começo com Sokichi/Big One, e depois oficialmente com outros extras como o misterioso Mikoto/AbareKiller (que nome legal!).

Bem pessoal, finalizo aqui nosso passeio pelo arco-íris. Alguns vão dizer que faltaram os metálicos aqui, mas isso fica pra quando eu for falar sobre os membros extras.

Agora, nos dê sua opinião sobre quais os melhores de cada cor!

Até mais e, Catch the Rainbow!

De acordo com as informações, a suspeita aconteceu por causa do nome dos capítulos, que deixam a entender a estreia do 6º Zyudenryu Pteragodon e o parceiro, KyoryuGold.

Os episódios seriam (com uma tradução livre e bem simples feita por essa que vos escreve):

Brave 9: So strong! Pteraidenoh! (Muito forte! Pteraidenoh!)
Brave 10: Thunder! Gold’s resurrection! (Relâmpago! A Ressurreição de Gold!)
Brave 11: Ucchi! Allow me to be cool! (Ucchi! Permita-me ser legal!)

O dourado será o 6º membro na equipe do super sentai e o dispositivo de transformação dele será o GabriChanger, além da arma pessoal dele, a Zander Thunder. O parceiro dele é o Zyudenryu também de número 6, Pteragodon, que vai se transformar em Pteraiden-Oh. Combinado com Parasagun e Zactor, ele vai formar Pteraiden-Oh Western e, ao se juntar com Kyoryuzin o resultado será RaidenKyoryuzin.

E aí, pessoal? O que vocês estão achando das novidades e da série em si?

A carreira da moça começou em 2010 na televisão em Hammer Session! e, nos filmes com uma participação na produção Aruyo no Dekigoto. No ano seguinte, ela atuou em Kingyo Club e, em sua primeira aparição em tokusatsus, começou Kamen Rider Wizard em 2012.

Vejam as fotos e depois contem se vocês iam querer lutar contra essa linda vilã!

A galeria de imagens do grupo de idols inspirada na franquia dos heróis mascarados, Kamen Rider Girls, foi publicada no site japonês de calendários femininos Bijogoyumi.

Mas, as meninas não pararam por aí! Incorporando os personagens interpretados por cada uma delas,  foram feitos vídeos mostrando o henshin de cada uma!

Como representante das mulheres no Senpuu, achei bacana pra gente ver como seriam meninas Kamen Riders, além de elas serem super fofas!

Confira os vídeos das moças e seus respectivos Riders:

Erika Yoshizumi: Kamen Rider Den-O

Chisato Akita: Kamen Rider Wizard

Nao Yasuda: Kamen Rider Blade

Kaori Nagura: Kamen Rider Kiva

Mitsuki Endo: Kamen Rider Fourze

Hitomi Isaka: Kamen Rider OOO

É um livro, que você pode baixar totalmente sem custos, cuja história é baseada no universo das nossas queridas séries japonesas! O autor de “Unhuman – Guardiões da Terra”, Jerónimo Lourenço, afirmou que a publicação foi feita puramente motivada pela paixão por esse tipo de produções e ele tem atualizado uma página no Facebook com desenhos, músicas e tudo mais que o inspiraram a fazer o livro.

E, por falar em ilustrações, esses desenhos de duas das personagens, que vocês conferem aqui no post, foram feitas pelo Henryk Valadas e, segundo o Jerónimo, existe um planejamento para que todos os personagens ganhem vida pelas mãos do ilustrador.

Quem se interessou, se liga na sinopse da história!

A Terra foi invadida por novas raças de criaturas, os Etno, criaturas extremamente violentas cuja origem permanece um mistério; Talvez seres extraterrestres ou quem sabe, criação do próprio humano que não resistiu aos limites éticos na manipulação genética. Fosse o que fosse, foram anos infernais com milhares de baixas. O homem foi forçado a criar novas entidades policiais especializadas na liquidação de qualquer criatura que aparecesse e adaptar as cidades de modo a que as pessoas pudessem proteger-se em alturas de maior perigo.

Não foi a cura, mas a vida melhorou consideravelmente ao ponto de conseguirem fazê-la como um cidadão comum. Porém o medo nunca se extinguiu… Alexandra nasceu diferente, com a sua pele ausente de cor e dentes caninos salientes. Por alguma razão, os Etnos sentiam-se especialmente atraídos por ela e foi esse o motivo que levou a mãe a ensiná-la a matá-los desde muito nova.

Aos dezenove anos, após um horrível incidente, a moça descobre que é portadora duma alteração genética hereditária, que lhe concede uma força incomum, a custo de dores periódicas cada vez mais insuportáveis. Cheia de dúvidas e próxima de uma inevitável morte, inicia uma busca com quem mais confia para encontrar a cura da sua doença e respostas sobre a sua família. Mas descobre que esta lhe deixou uma herança que nunca pedira para ser sua, uma herança que poderá impedir um mal tão antigo como a Terra.

Depois que fizerem o download e lerem, contem para a gente o que acharam! Já estamos programando um post com as nossas impressões sobre o livro!

Entre os atores selecionados para o elenco principal estão Aaron Taylor-Johnson (Kick-Ass), Ken Watanabe (Inception, The Last Samurai e Batman Begins), Elizabeth Olsen (a irmã mais nova das gêmeas que participou de The Silent House) e Juliette Binoche (O Paciente Inglês) e ainda David Strathairn (Boa Noite, Boa Sorte e Lincoln) e Bryan Cranston (Argo).

Gareth Edwards dirige o filme a partir de um roteiro escrito por Max Borenstein, Frank Darabont e Dave Callaham. Thomas Tull e Jon Jashni, da Legendary, estão produzindo com Mary Parent e Brian Rogers. Alex Garcia e Patricia Whitcher são os produtores-executivos ao lado de Yoshimitsu Banno e Kenji Okuhira.

As empresas anunciaram também que as filmagens começaram na última segunda-feira (18), em uma locação em Vancouver.

Godzilla será distribuído mundialmente pela Warner Bros. Pictures, exceto no Japão, onde será distribuído pela Toho. Com lançamento previsto para 16 de maio de 2014 nos Estados Unidos, há possibilidade de que o filme seja apresentado também no formato 3D.

Agradecimento especial ao Alexandre Landucci que repassou a informação recebida por ele para que esse post pudesse ser feito.

 

Dando sequência aos nossos posts sobre intérpretes clássicos dos temas de tokusatsu, hoje quero falar um pouco sobre Akira Kushida! Kussy, como é conhecido por seus fãs, nasceu em 17 de outubro de 1948 e é um cantor muito conhecido, especialmente aqui no Brasil, por interpretar as aberturas das séries de Metal Hero que foram exibidas por aqui. Sim, estou falando de Jaspion, Jiraya, Sharivan e Jiban.

Mas, o currículo dele não é feito só desses temas musicais (como se esses clássicos para os brasileiros não fossem o suficiente). Kushida é a voz que embala as trilhas sonoras de séries das franquias Super Sentai e Kamen Rider, como Dragon Road de Kamen Rider ZX, e a abertura de Taiyou Sentai Sun Vulcan.

Além de interpretar tokusongs, ele também é famoso por algumas canções de animes, que vieram antes do convite para interpretar sua primeira tokusong. Escolhido pela gravadora Nippon Columbia para ser intérprete  dos temas dessas produções da TV japonesa, em pouco tempo ele virou figurinha da empresa por adorarem seu trabalho. Também não é pra menos, não é? O cara é fera no que faz.

Mas, antes de cantar essas músicas que nós conhecemos e adoramos, o início da carreira de Kushida aconteceu bem longe desse cenário. Ele fazia parte de um grupo musical chamado NHK Stage, e quando mais adulto, começou a cantar músicas de Rhythm & Blues, estilo musical que ele continua a cantar até hoje.

O trabalho mais recente do cantor foi nos efeitos e trilha sonora de Kamen Rider OOO em 2010 e 2011, quando emprestou a voz para o henshin do protagonista e fazendo também a voz do dispositivo nas músicas interpretadas por Shu Watanabe.

Em uma de suas vindas ao Brasil, Kushida bebeu cachaça e cantou  “É isso aí” de Ana Carolina e Seu Jorge, que é uma adaptação para “The Blower’s Daughter” do cantor irlandês Damien Rice.

E para homenagear Kushida de uma forma bem brasileira, vamos para alguns vídeos de intérpretes das músicas cantadas por ele aqui na nossa terrinha:

Foi divulgado, no site oficial da série, um novo vídeo promocional cheio de imagens de bastidores e detalhes das filmagens do super sentai não oficial!

De acordo com as informações mais recentes, são vários convidados de diversos tokusatsus incluindo Yu Kamio (Dr. Maki de Kamen Rider OOO), Keiichi Wada (Ryu Ranger de Gosei Sentai Dairanger), Sakina Kuwae (Natsume Masaki em Jyuken Sentai Gekiranger), além de Beauty Kokubu, Yoshiyuki Ishizuka, Mitsuko Horie, MoJo e Yukio Yamagata.

Ainda na preparação para o mês que vem, ouça a edição do nosso podcast que falou sobre a primeira temporada de Akibaranger!

 Killer Joe – Matador de Aluguel

Direção: William Friedkin
Roteiro: Tracy Letts

com: Emile Hirsch, Matthew McConaughey, Juno Temple, Thomas Haden Church, Gina Gershon

Crítica de Alexandre Landucci

Queria conseguir traduzir em palavras o que William Friedkin nos oferece em sua primeira sequência no filme aqui analisado. Sim, porque Friedkin é um diretor tão malandro e inteligente que precisa de meros cinco minutos (menos até, confesso não ter cronometrado) para nos apresentar de maneira clara o mundo deturpado e imundo de Killer Joe.

Vamos a cena: Emily Hirsch chega a um lugarejo praticamente ermo rodeado de terra (que embaixo da chuva torrencial que enfrenta se transforma em lama) enfrenta os latidos enfurecidos de um cachorro vadio amarrado em uma corrente e chega até a porta de um trailer. Depois de muito bater, Friedkin nos apresenta sua visão desse mundo completamente fora dos padrões estéticos, visuais e morais.

Aos mais pudicos, um aviso. O close é fundamental, apesar de poder parecer desnecessário. Ao mostrar Gina Gershon nua da cintura pra baixo e nos levar para dentro da caverna intumescida de vícios e tragédias anunciadas, Friedkin alerta o espectador do que estará por vir. A depravação é o prato de sempre e a luz está fadada a ser consumida pela sordidez.

A trama é bem simples e coloca o personagem de Hirsch como um jovem traficante sem eira nem beira que chega ao tal trailer em busca do pai, um homem fraco e ignorante vivido por Thomas Haden Church. Com ele vive sua esposa a inescrupulosa Sharla, em interpretação muito segura de Gina Gershon e a inocente e ingênua Dottie, irmã de Chris/Hirsch e que funciona como único elemento de luz em meio aquela gente podre. Chris tem um plano: devendo muito dinheiro decide matar sua mãe e ficar com o dinheiro de sua herança. Para isso precisa encontrar um matador disposto ao serviço. Entra em cena, Joe (Matthew McConaughey). Joe aceita o serviço, mas quer uma garantia, a virginal irmã do personagem de Hirsch.

Tecer ainda maiores elogios ao que um inesperado Matthew McConaughey apresenta aqui, depois de ter visto tantos outros filmes do ator chegar aos cinemas antes de Killer Joe, parece o óbvio. Mas é importante o registro. Joe é um dos mais imorais e depravados personagens que o cinema americano recente mostrou na tela grande. Profundamente profissional em seu trabalho, tem um código de ética perturbado e inspira o temor de forma elegante, como se proferisse maldições ao pé do ouvido.

Como em toda tragédia anunciada, Killer Joe brinca com as expectativas do publico. Mesmo sabendo que iremos ver a desgraça diante de nossos olhos, acompanhamos como maníacos o desenrolar da trama sórdida. Friedkin é muito seguro ao lidar com seus atores e ao não poupar o público de sequências mais impressionantes, como a que envolve a entrega da então virginal Dottie, em uma cena profundamente erótica sem, no entanto apostar em recursos óbvios como uma montagem intrusiva, closes ginecológicos ou trilha apelativa. A sexualidade está na situação absolutamente perturbadora e mesmo assim sedutora.

Isso é explicitado graças a ótimos momentos de Juno Temple e sua ingênua sensualidade e de McConaughey que ao construir Joe como esse sujeito frio e direto, capaz de camuflar sua fúria por meio de uma doçura ensaiada, nos faz crer nas mais absurdas situações. Do outro lado da trama Chris (Emile Hirsch) é um sujeito que percebe no decorrer da história que o preço a ser pago pelo serviço de Joe talvez seja alto demais enquanto Ansel/Haden Church vaga estéril e submisso a uma mulher forte que usa do sexo como arma de poder.

Killer Joe ainda pode ser lido como uma analise do mal que o dinheiro “fácil” pode causar em uma desestruturada família. Pelo dinheiro os homens vendem muito mais suas almas, parece dizer Friedkin. Pelo dinheiro vendem a alma de todos ao seu redor, marcando para sempre a vida dos mais ingênuos.

O filme é uma fábula sobre a desgraça. Sobre a derrocada dos valores americanos, sobre a substituição de conceitos cada vez mais nebulosos como moral e dignidade, por outros como ganância e exploração. A partir do microcosmo de uma família absolutamente irrecuperável que perde tudo o que tem para o misterioso matador chamado Joe, William Friedkin, aponta o dedo e se diverte com o resultado orgástico. Mesmo que a orgia seja regada a frango frito.

Não gosta de Power Rangers? Odeia o fato dos americanos terem adaptados os Super Sentais? Então esse podcast foi feito especialmente pra você, pois traz a chance de analisar com outros olhos a franquia que completa 20 anos!

Para você que só viu Mighty Morphin e você aí que conhece muita coisa e gosta também deve ficar ligado no bate papo de Fire, Mozenjaa e Raphael Maiffre sobre esses heróis que geram tanta polêmica entre os fãs de tokusatsu.

Alerta! Mantenha a mente aberta e envia seu amor ou ódio para a gente nos comentários! Lembrando sempre que uma boa argumentação não faz mal a ninguém!

Duração: 76 minutos

NOTÍCIAS, RIDER KICKS E COMENTÁRIOS DO SENPUUCAST

• Hot site do “Tokusatsu: O Despertar do Herói”
• FanFic “Astros & Zodiaks”
• Fotos do nosso jogo de RPG 
• Uai Drops Juiz de Fora – 23 e 24/03
• Site do TokuBahia
• Site Mega Power Brasil

SUGESTÕES, CRÍTICAS, ELOGIOS, DÚVIDAS E RIDER KICK

Envie e-mails para: senpuu@senpuu.com.br

E, para a gente que está tão longe, resta conferir algumas imagens prévias e esperar. As cenas publicadas trazem, mais uma vez, as batalhas que acontecerão no filme. Podemos ver Wizard vs Gavan e ainda o retorno de alguns vilões.

Além disso, os encontros dos personagens também são destaque Kamen Rider Wizard e Kyoryugers, Gavan, Kamen Riders Decade, Fourze, Meteor e Super-1, na pose, juntinhos com os Dekarangers e, para delírio das viúvas, os Flashman.

Confira as imagens, lembrando que abril é o mês de estreia do filme.

Em seu primeiro trabalho na televisão, Matsuzaka Tori deu vida a Shiba Takeru, o Shinken Red, um líder que, no início, passou muitos perrengues para lidar com seus companheiros, mas acabou se mostrando forte, carismático e ficou marcado na memória do público.

Depois da estreia nas telas, em 2009, o rapaz fez diversos outros trabalhos na TV japonesa. Em 2010, entre as muitas produções, participou de  General Rouge no Gaisen. No ano seguinte, atuou em Kaito Royale e 2012 foi a vez de One no Kanata ni ~Chichi to Musuko no Nikkouki Tsuiraku Jikou~, Meitantei Conan SP 4 e Umechan Sensei.

Além disso, a presença do gatinho está confirmada no live action de Gatchaman, que será lançando nos cinemas neste ano. Tori fará, novamente, o papel de líder do grupo.

Fire, Mozenjaa e Patrine apresentaram para os alunos de Programação em Jogos Digitais alguns tópicos como a origem do tokusatsu, o significado do termo, a chegada das séries japonesas no Brasil e até as polêmicas adaptações norte americanas dos heróis.

Como apenas uma turma pôde assistir à palestra, a sala não ficou muito cheia, mas o pessoal mostrou interesse, participaram e nos procuraram para trocar ideias ao final da apresentação. Nossa querida Val (Thaysa Caroline) foi a fotógrada da noite.

A gente pôde também contar um pouco da história do Senpuu, como começamos e o caminho traçado para chegar até aqui. Falamos sobre o caráter mais opinativo dos nossos textos e a possibilidade de gerar conteúdo em português sobre um tema tão específico quanto o tokusatsu.

Citamos ainda algumas dificuldades e a rotina para manter um site sempre atualizado, especialmente com o tipo de tema abordado pela gente, comentamos a expansão dos posts para além das séries e, é claro, sobre como é produzir e colocar no ar, quinzenalmente, um podcast de tokusatsu.

Para nós é sempre empolgante e gratificante falar sobre o que a gente gosta e fazer com que as pessoas conheçam ou se interessem mais sobre tokusatsu! Agradecemos muito pela oportunidade e também a todos que participaram deste evento, tão importante para nós.

Ça va, caros amigos. Recentemente, tivemos a análise do final de Tokumei Sentai GoBusters no nosso podcast de número 98. Infelizmente, por obrigações como recém pai de novo, não pude participar da edição do SenpuuCast. Mas não posso deixar de dar a minha opinião sobre a série.

Para começar, temos um roteiro muito bem trabalho, ótimos protagonistas, um vilão que vai entrar pra história, ótimas cenas de ação e mechas incríveis. Enfim, em todos os pontos que um sentai, ou um tokusatsu, poderia acertar, GoBusters teve êxito.Porém, a série foi um experimento mal sucedido, e nesse post eu explico porque.

Comemorando com estilo

Enquanto falávamos de Gokaiger, nos perguntamos várias vezes como seria sua sucessora. Os piratas não fizeram só a comemoração de 35 anos, mas também a apoteose de uma era nos Super Sentai, o Grand Finale na jornada que começou lá atrás, em 1975, com Himitsu Sentai Goranger. Então, não poderíamos ter apenas mais uma série na continuidade. A seguinte teria que começar um novo caminho. E essa produção foi GoBusters.

Robôs legais não olham para explosões

Logo de cara, GoBusters mostrou que estava tentando cumprir esse papel. Temos como roteirista principal a genial Yasuko Kobayashi, responsável por séries adoradas como Den-O e Shinkenger. Além disso, vimos um visual diferenciado, com as roupas de couro muito diferente das que estávamos acostumados. Sem dúvida, o Esquadrão de Missões Especiais veio pra deixar uma marca.

Os primeiros dez capítulos revelaram um sentai totalmente distinto. Nem o velho e bom Protocolo Super Sentai era seguido à risca, visto que tínhamos as batalhas com os monstros gigantes muitas vezes em paralelo ao monstro normal. O andamento era diferente, mais urgente do que nunca. Mas, após dez episódios, a audiência estava péssima e o sentai que poderia ter sido, precisou passar por modificações…

Vejam bem, a audiência dos Super Sentais vem caindo desde Boukenger, mas nunca chegaram a níveis tão baixos. Os sentais anteriores mantiveram médias entre 5% e 7% , mas GoBusters viu esses números caírem para baixo de 4%. Quando consideramos apenas a fatia infantil, que é o foco das séries, a coisa piora ainda mais. Na última década, os números ficaram entre 11% e 14%, enquanto os dados dos Busters indicaram menos de 7%.

Mais certo é Oh Ohranger

O que isso significa? Vamos voltar lá para 1995 com Chouriki Sentai Ohranger. Essa foi uma época bem conturbada para a franquia. Ohranger foi mal recebida pelo público e pela crítica, especialmente devido a diversas mudanças de última hora no roteiro por conta de um atentado. E, se algum dia os Super Sentais estiveram ameaçados, foi nesse período. A audiência de Ohranger ficou em média com 4,5%. Vamos lembrar novamente que GoBusters ficou consistentemente abaixo disso.

Mas, não se preocupem, caros amigos, nossos heróis coloridos não sofrem risco de cancelamento por enquanto. A audiência está baixa, sim, mas a outra ponta do faturamento, a venda de brinquedos, continua boa. Ainda sim, algo tinha de ser feito. Nenhuma empresa vê uma série ir mal e deixa como está.

Ninguém reclamando aqui

Aos poucos, vimos elementos mais tradicionais serem inseridos. Os henshins ficaram um pouco mais visuais, e os vilões um pouco mais caricatos (como Dumbellroid, por exemplo). Entraram também personagens novos, Jin, J. e Escape, com personalidades mais tradicionais, cheios de frases de efeito e características bem marcantes.

Para mim, é aí que está o brilho da série. Nada disso afetou o andamento. Todas essas mudanças foram incorporadas de forma quase imperceptível. Digo mais, nada disso afetou o roteiro. Reparem bem o segundo arco, a partir do episódio 30, e terão a oportunidade de ver um dos finais de sentai mais bem trabalhados de todos os tempos.

Samba no pé, rapaziaaaaada!

No entanto, ainda sim, foi um experimento falho. O pouco alcance do público e a fraca recepção fez com que a Toei não seguisse nessa linha. A reposta, já estamos vendo no Dino Samba de Kyoryuger. Com certeza veremos uma série bem mais leve, com efeitos grandiosos, muitos robôs, monstros bobos, vilões mais unidimensionais e uma trama em geral mais tranquila.

Não estou dizendo que Kyoryuger será ruim, uma série que seguiu esse molde e que eu gosto bastante foi Gaoranger. Coincidentemente, veio na sequência de uma série bem adulta que foi Timeranger. Mas, ainda sim, voltamos ao caminho já trilhado por 35 anos.

Enfim, meus caros, espero que tenham aproveitado essa jornada dos Busters e, quem não viu, vai já buscar os episódios para assistir! Acima de tudo, espero que GoBusters tenha sido apenas uma semente de mudanças a vir ou pelo menos de outros riscos a serem corridos.

Shutdown kanryou!

São apenas 16 segundinhos, mas podemos ver mais algumas imagens bacanas de “Kamen Rider × Super Sentai × Space Sheriff: Super Hero Taisen Z”, que tem estreia marcada para o dia 27 de abril. Vale o destaque para a cena que mostra os Kamen Riders junto com Akaranger e uma prévia da luta deles com o Demon King Psycho.

O scan que ilustra esse post já circula na internet desde a semana passada e nós publicamos ele no Facebook do Senpuu, onde o pessoal colocou as expectativas para essa produção que nos aguarda.

Quem ainda não ouviu e tem interesse em saber o que nós achamos sobre o filme antecessor, “Kamen Rider x Super Sentai: Super Hero Taisen” é só clicar aqui e conferir a 95ª edição do nosso podcast que abordou o tema!

Oz: Mágico e Poderoso

Direção: Sam Raimi
Roteiro: Mitchell Kapner, David Lindsay-Abaire

com: James Franco, Michelle Williams, Rachel Weisz, Mila Kunis, Zach Braff

Crítica: Alexandre Landucci

Desde que vi o primeiro trailer de Oz tive uma sensação de estar vendo uma versão ainda mais colorida de Alice no País das Maravilhas, na versão covarde de Tim Burton. O fato de se divulgar que a produção era dos mesmos responsáveis pelo filme citado me deixou preparado para o pior.

De fato, Oz: Mágico e Poderoso não é grande coisa. Mas, felizmente, não chega aos níveis do patético como o filme de Burton. Muito graças a algumas opções de produção e direção, e outras ao elenco que se esforça para dar alguma graça a uma historia que parece ter ficado engavetada há anos na Disney e que hoje parece anacrônica, datada, fora de moda.

Reverente ao clássico O Mágico de Oz, o filme de Sam Raimi começa em preto e branco, usando o formato de tela 4×3 como eram os filmes da época. Esses primeiros minutos são muito bem construídos e Raimi consegue nos apresentar satisfatoriamente seu protagonista Oscar/James Franco (um farsante mulherengo), seu amor Annie (a bela Michelle Williams quase etérea) e seu companheiro/capacho Frank vivido por Zach Braff. O uso do 3D aqui se faz de forma criativa, já que uma vez que a tela é menor, o 3D “rasga” a projeção em alguns momentos, como ao vermos um homem cuspindo fogo logo nos primeiros minutos do filme.

A canastrice de James Franco, um ator que raramente acerta, até ajuda nessa construção de Oscar/Oz (que para evitar pleonasmos, chamarei de Oscar mesmo). É impossível acreditar em cada mentira proferia pelo personagem, cada discurso empolado, cada cantada barata. Talvez seja um dos melhores desempenhos do ator na carreira, exatamente por ele ter muita naturalidade ao dizer ao mundo que é um farsante. É dicotômico, já que por ser um ator meia boca, Franco nos convence como um impostor, como alguém que fala coisas claramente mentirosas e sem muito sentido. E quando ele “abre o coração” e confessa: sou um farsante, a credibilidade vai às alturas. Claro que o personagem é um mágico de palco talentoso, mas falo em farsa no sentido daquele esperado pelos habitantes da Terra de Oz, alguém com poderes verdadeiramente mágicos e não truques.

Já que citei as expectativas dos habitantes de Oz vamos à trama, que é bastante pueril( talvez até propositalmente) e não faz muito mistério sobre suas revelações, por exemplo, entrega a verdade sobre a origem da famosa Bruxa Má do Oeste já nos (belíssimos) créditos de abertura do filme, bastando ao espectador perceber a referência.

Oscar é um mágico fajuto desses de circo itinerante e durante uma fuga desastrosa diante de um potencial namorado traído, acaba pegando um balão e sabe-se lá como caindo no mundo de Oz. Lá encontra as belas feiticeiras/bruxas boas vividas por Mila Kunis (Theodora) e Rachel Weisz (Evanora), talvez o casal de irmãs mais bonito que o cinema já mostrou. Ao encontrar as bruxas fica sabendo que existe uma profecia na terra de Oz, que diz que um mágico cairá do céu e salvará o país da terrível Bruxa Má. Estimulado pela quantidade obscena de dinheiro envolvido o salafrário Oscar decide ajudar.

Claro que ele não sabe de nada sobre o que vai enfrentar e entre idas e vindas (que não vou contar pra não estragar a diversão do espectador) se vê em meio a uma guerra entre o bem o mal, tendo de optar por um dos lados e ainda lidar com seu envolvimento com Glinda que também é uma bruxa e é vivida por Michelle Williams.

O elenco se esforça, mas a sensação de estar vendo um filme moroso só se amplia, já que de fato a trama é bastante simples e embora envolva um plot twist e uma motivação para o aparecimento da Bruxa Má do Oeste, seu ritmo é bastante irregular. O tempo gasto para apresentar Oscar não é o mesmo destinado a dar alguma profundidade aos habitantes de Oz. A apresentação de Glinda por exemplo acontece em meio a uma confusa sequência de ação que culmina no único momento em que os efeitos visuais me incomodaram, um salto de fé diante de um precipício.

As muitas frases de efeito e lugares comuns também enfraquecem a trama, assim como rimas narrativas entre o mundo real de Oscar e a terra de Oz. Sim, eu sei que isso também acontecia no filme de 1939, mas lá você não tinha a companhia da insuportável garotinha de porcelana, uma referência a uma garota do “mundo real” que deslumbrada pelos truques do mágico pede que ele a faça andar novamente. O filme reapresenta essa mesma ideia de forma lúdica, para nos mostrar que aqui, seus poderes (leia-se tecnologia) são de fato mágicos.

Essas obviedades podem funcionar (na verdade, até devem) com os mais jovens, mas é um discurso já tão falado no cinema, que lhe falta impacto. E a tal garotinha é tão irritante que qualquer simpatia que pudéssemos ter por ela, vai se dissolvendo durante a trama.

No entanto, todo o aspecto técnico do filme é muito bom. Foge-se dos excessos de Alice, aquela virtualidade exagerada, e mesmo em cenários claramente computadorizados, tudo é feito com mais zelo e menos insanidade. Esse impacto de luzes e cores já se dá na passagem do mundo cinzento do Kansas (que assim como no filme original serve de cenário a trama) ao mundo de Oz, com o crescimento da tela para o padrão do cinema e a explosão de cores, todas muito vivas, na tela.

Os efeitos visuais na criação de alguns seres mágicos são muito bons. O macaco que serve de companheiro para Oscar (outra das referências obvias ao mundo real que o filme faz) é crível, embora seja limitado em suas expressões e mesmo que a personagem da garotinha seja insuportável, é muito bem realizada.

Os cenários construídos com auxilio da computação gráfica evitam os exageros e a direção de arte é rica em cores e em diferentes elementos visuais. É fácil notar que tanto o castelo de Theodora e Evanora quanto o de Glinda fazem parte do mesmo mundo, embora sejam diferentes em alguns detalhes. Enquanto a morada das irmãs tem uma sala do trono com uma longa escada circular que circunda o ambiente, uma passarela murada e uma longa praça popular, dando um ar de solenidade e de cidade-estado muito bonita, a floresta de estalactites esmeralda, flores de rubi e a simplicidade e tons pastéis do castelo de Glinda, criam uma atmosfera de aconchego próxima a de uma cidade interiorana, com habitantes simpáticos e prestativos.

Os figurinos (que no momento que essa crítica for ao ar estão em exposição em um shopping de São Paulo) são outro elemento de grande competência da produção. Do traje simples e elegante de Oscar, ao belo modelo que introduz a personagem de Mila Kunis e que parece ter saído do arquivo de algum estilista da era de ouro do cinema americano, o vestido levemente sensual de Rachel Weisz, a pureza que é ilustrada no traje de Michelle Williams, cada um dos trajes funciona muito bem para caracterizar seus modelos.

A fotografia de Peter Deming, abusa da possibilidade de encher a tela de cor e nas sequências finais consegue dar a epicidade necessária para que o grand finale seja mostrado com competência.

O tutorial para fazer cosplay de hoje é do Kamen Rider Kuuga e, assim como o passo a passo da Rod Form de Den-O, esse também não é extremamente detalhado, mas dá uma base bacana para você que quer começar ou testar coisas novas.

A cada tutorial que eu assisto, consigo absorver um pouco de técnica e também observo a diversidade de materiais que podemos usar para fazer um mesmo cosplay. Nesse caso, o cosplayer usou fibra de vidro e muita massa na máscara e no peitoral. Já as munhequeiras e ombreiras são feitas de algum emborrachado no estilo de E.V.A., coberto por courino.

O efeito brilhante da armadura é conseguido com um spray prateado, aplicado no cosplay todo. Um detalhe bacana é que, para gravar os símbolos na parte de cima da armadura, ele usou uma daquelas furadeiras elétricas portáteis que você pode trocar a ferramenta que encaixa nela. Ou seja, são coisas simples que a gente pode conseguir emprestado ou mesmo em casa.

Então, vamos ao vídeo!

Portanto, como não poderia deixar de ser, fica a singela homenagem a essas heroínas, assistentes e amigas que embelezam e estão sempre presentes nas nossas séries favoritas!

10º Lugar – Yuri Aso

Yuri Aso é membro fundador dos Caçadores Fangire nos anos 8. Ela odeia os Fangires com uma paixão, referindo-se a eles como “erros de Deus”, como era Rook Quatro Checkmate do que assassinou sua mãe Akane Aso, um dos membros fundadores e criador do sistema de IXA.

.

9º Lugar - Shiratori Swan (Dekaranger)

A doce Swan-san foi responsável por nada menos que a criação de todos equipamentos e mechas dos Dekaranger, desde a manutenção até o funcionamento. Além disso, a moça botava o chefão Doggie Kruger em cheque quando precisava e, se não bastasse, ainda se transformava em DekaSwan de vez em quando para dar aquela ajudinha básica. Isso é que é mulher mil e uma utilidades!

.

8º Lugar - Mari Sonoda

Mari é membro da Escola Ryusei para onde foi enviado o cinto Faiz e Auto Vajin por Hanagata, mas ela não foi capaz de usá-los, porque não é um Orphnoch. Então, Mari conhece Takumi por um acaso e descobre que ele pode usar o cinto. Aí vem a importância da nossa oitava colocada: ela obriga Takumi a usar o cinto para lutar contra Orphnochs. O mais legal é que ela não se importa com o fato de ele ser um completo estranho, o hospeda em sua casa e faz de tudo pra ele se sentir bem, com o intuito de convencê-lo a ter vontade de lutar contra os inimigos.

7º Lugar – Akiko

O que seria dos nossos detetives Shotaro e Philip sem a chefe Akiko e sua famosa chinela verde? Alívio cômico de Kamen Rider W, ela é uma personagem extremamente carismática. Mas isso não é tudo! A personagem é usada como elo entre os personagens, está ligada também ao passado por causa de seu pai e muitas vezes rouba a cena durante a série. Para finalizar, ela está na lista por protagonizar um dos romances mais fofos e surpreendentemente mais trabalhado em séries de tokusatsus!

6º Lugar - Yui Kanzaki

Os laços familiares também são responsáveis por inserir garotas nos tokusatsus. Em Kamen Rider Ryuki, Yui é a irmã de Shiro Kanzaki , o criador das plataformas. Ela entra na luta junto com Shinji e Ren para impedir que bandidos acabem ganhando a batalha dos Riders e tentem destruir o mundo, libertando os monstros do espelho. Fazer o papel de irmã e ainda chegar junto na batalha, não é para qualquer mulher não, hein!?

.

5º Lugar – Anri

Já imaginou como seriam as aventuras de Jaspion se ele estivesse sozinho naquela nave, explorando os planetas em busca de monstros? O sábio Edin pensou nisso e construiu uma simpática e linda androide para fazer companhia e ajudar o herói. Além de todas as utilidades de computador que ela tem, Anri muitas vezes é mais “mãe” do que parceira de Jaspion e, ao mesmo tempo, causa problemas para o protagonista em seus momentos de “curto circuito”. Apesar de ser considerada um robô, a companheira de um dos heróis mais clássicos do tokusatsu no Brasil, não poderia estar fora deste Top 10 de mulheres importantes!

4º Lugar - Tsuruhime ( Kakuranger)

Uma marca na história da franquia, a primeira líder mulher de super sentais, fez isso ainda sendo a mais nova do grupo. Durante a série, Tsuruhime mostrou diversas vezes sua liderança e abriu precedente para personagens femininas realmente dominantes nessa vertente dos tokusatsus. Portanto, nada mais justo que a quarta colocação para ela na nossa lita.

.

3º Lugar - Shiba Kaoru (Shinkenger)

Mais uma personagem que traz uma exceção para torná-la especial e digna da medalha de bronze. Além de ser a primeiríssima Red mulher, Shiba Kaoru teve que comandar uma equipe que amava seu antecessor e, apesar da pouca idade, conseguiu exercer esse papel e, ao mesmo tempo, soube ver que Takeru era o melhor líder para derrotar os Gedoushu. Para finalizar, ela também foi peça essencial do plano final do selo.

.

2º Lugar - Patrine

A personagem que dá nome a um dos membros do Senpuu não poderia ficar em nenhuma posição menor! Patrine é praticamente um ícone da feminilidade nos tokusatsus, desde o modelito e a cor da roupa até o jeito doce e forte ao mesmo tempo. Ela está inserida em uma época de algumas outras garotas como protagonistas e heroínas nas séries, mas, com certeza, é sempre a mais lembrada, tanto é verdade, que ela foi repaginada e trazida de volta no recente no Movie Wars Ultimatum. Para uma mulher marcante nas séries japonesas, o nosso segundo lugar!

1º Lugar – Tomoko

Um dos pontos mais discutidos quando se fala em Dia Internacional da Mulher é a inserção delas no mercado de trabalho, a disputa de espaço com os homens e até toda aquela história de direitos iguais. Sendo assim, para a gente, mais difícil do que protagonizar sua própria série, ou ser líder de um grupo o grande desafio de uma personagem nos tokusatsus é se destacar em um ambiente exclusivamente masculino. E é isso que a bela Tomoko Uesugi consegue fazer com sucesso em Cybercops. Veja bem, além de ter que ficar com um papel secundário depois que sua unidade não foi construída por problemas financeiros, ela ainda se manteve firme com o grupo e os ajudou em praticamente todos os episódios! Com ações cruciais em diversos momentos, ela não deixa de ter seu lado menininha que fica explícito com a sua paixonite por Takeda.

Este post contou com a colaboração de: Patrine, Jullieth e Luiz Mendes

Já temos mais sentais para falar, vou tentar ser mais breve, até porque, se deixar, eu vou ficar falando mal dessas séries até não ter mais espaço no post. Então, sem mais delongas, trago a vocês a entediante Kousoku Sentai Turboranger de 89, a engraçaralha Gekisou Sentai Carranger de 96 e a bobíssima Engine Sentai GoOnger de 2008.

Abaranger fez melhor

Eu gosto sempre de falar de um dos aspectos mais importantes de qualquer tokusatsu: os personagens. Nesse quesito, cada uma das séries conseguiu falhar de uma forma diferente.

Começando por Turboranger, seus protagonistas tem pra mim o pior defeito de todos que é não ser memorável. Eu já mencionei isso uma vez no podcast e acontece agora novamente: eu sempre tenho que ir pesquisar quem são os personagens porque não lembro de nenhum. E não é só porque eu assisti a série já faz muito tempo, já que vi Liveman antes e ainda sim consigo me lembrar vividamente de todos os cinco. Eles não passam de clichês ambulantes.

Eles ainda estão aprendendo a contar, calma

Carranger não tem esse problema, pelo contrário. Kyousuke, Naoki, Minoru, Natsumi e Yoko são personagens memoráveis. Eles também usam muitos dos clichês que mencionei em Turboranger, mas fazem isso de uma forma debochada. Quem viu o episódio da série em Gokaiger sabe o que esperar, aquele lá é o climão e foi possível transparecer toda a personalidade de Kyousuke.

O que me incomoda no sentai, especialmente nos personagens, é que eles são rasos. Há pouquíssima evolução deles. Eu entendo que Carranger é uma série mais de comédia, mas, depois de um tempo, esses personagens viram caricaturas e você para de se importar muito com eles sem alguma profundidade.

Quem tem dedão e atua mal? Esses caras!

Finalmente, GoOnger. Aqui para mim o problema é muito claro: o elenco é péssimo! Temos papéis que já funcionaram antes, mas não sei se o roteiro é fraco, se os atores são ruins… Acredito que ambos.

Sousuke é um vermelho impulsivo e todo coração, assim como Ban/DekaRed, mas ele não cativa. Temos o badboy Gunpei como o cara que não aceita o líder e é meio que o lobo solitário, assim como foi Gai/BlackCondor, mas ele só parece constipado o tempo todo. Temos até a dupla que se acha superior ao resto do time, mas que acaba cedendo nos GoOnWings assim como foram os Goraiger, mas eles são tão sem graça que não cativam a rivalidade. GoOnger usou vários elementos que já funcionaram outras vezes, mas aqui simplesmente se perderam.

Nem tudo se perde

Em termos de vilões, até que as séries se saem um pouco melhor. Não que nenhum deles seja um vilão a ser lembrado, mas são até legais. Em Turboranger temos as Cem Tribos Bouma. Os vilões aqui são visualmente muito bacanas,  não são bem desenvolvidos durante a série nem temos grandes mudanças mas fazem seu papel. Apenas Wu e Lar, e os capagangas Wular que eu acho horrorosos. Essa roupa Flintstones não deu certo mesmo. Já para os monstros da semana, temos coisas bem interessantes. A ideia de serem tribos demoníacas é explorada bem fracamente, mas os vilões tem carisma pelo menos.

Bonito dia né?

Já os vilões de Carranger, a gangue Bowzock é horrorosa. Caramba, difícil ver vilões com design mais feioso que esse. O legal é que a dinâmica deles é muito diferente, bem menos certinha que de outros sentais, o que tem tudo a ver com o ar mais engraçadinho da série. Temos também uma mudança do big bad mais no final, com a chegada do chefão Exhaus, bem como aconteceu recentemente em Gokaiger (e pelo mesmo motivo), mas este não tem o carisma dos outros e eu acho que sua chegada não acrescentou quase nada ao sentai. Já os monstros da semana são excelentes, até melhores que seus chefes. Eles são escrachados ao extremo, com visuais hilários e comportamento mais ainda. Um exemplo é um vilão que ingeriu uma bebida que o deixou tão idiota, que ele ficou poderoso. Não, não estou brincando.

Olááááááá, vilã!

Por último, temos os Gaiarc contra os GoOnger. E esse time de vilões é tão visualmente bem feito quanto são sem personalidade. De verdade, por toda a série, a impressão que eu tive foi de estar vendo vilões de Capitão Planeta. Já os monstros da semana me agradaram um pouco mais. Eles são baseados em objetos, tradição da Toei que eu realmente detesto, mas aqui até que é feito de uma forma legal. Nada de mais, mas funcionam.

Uuuugh!!!

Para finalizar, a parte visual e de ação de cada série. Todas as três têm o problema sério de terem cenas de ações bem medíocres. Turboranger não foge à regra de seus contemporâneos com uma arma/espada, uma bazooka bem mediana e, para uma série de carros, seus veículos são horrorosos!

Agora, nada se compara aos robôs. Temos dois: TurboRobo e Turborugger e o gattai deles, Super Turbo Robo. Meus amigos, tirando TurboRugger que é passável, que vergonha. Sério, Super TurboRobo é uma das coisas mais feias em qualquer tokusatsu. Qualquer coisa. Em qualquer tokusatsu.

Build Up, Hello Kitty Robo!

Já Carranger é surpreendentemente boa em sua ação. As cenas de luta são bem diferentes, visto que são feitas de uma forma bem mais pastelão. O resultado chega até a me lembrar coreografias do Jackie Chan às vezes. Eu também gosto bastante dos uniformes. Assim como Turboranger, usam a frente dos carros nos capacetes. A diferença é que aqui isso realmente é visível, além do resto do uniforme ter toda a cara de corredores.

Os mechas também são muito legais. O primeiro, RV Robo, é bastante estranho. Ele realmente parece um bando de carros juntos, mas acho que funciona. O robô do Signalman, Sirender, para mim tem toda a cara de Transformers e me lembra o design que depois seria usado para o DekaBikeRobo. E finalizando, temos o VRV Robo, meu favorito da série e protótipo do Victory Robo de GoGoV, que eu adoro. Quer dizer, temos até mais um, predatando Akibaranger, o robo-carro (que transformado fica em tamanho quase humano) RadiaCar Robo, mostrado na imagem acima.

Engine, eu escolho você!

Pra finalizar, os Engines de GoOnger. A ação na série é ruim, os uniformes até que são legais, mas eu quero falar mesmo são desses… seres…. Se eu parei de ver a série várias vezes, muito foi por causa deses Pokeveículos. Sério, todo episódio, você tinha que passar pelo menos metade ouvindo “Getta Getta”, “Doru doru!”, “Baru Baru baruuuuuuuuuka” e afins. Que nervo nesse bichos! Individualmente, eles variam. Temos designs bem legais, como Jumbowhale (whaaaaaaaaaaaaaaaaaale), hilários (o Frangocóptero) e outros horrorosos (Bear RV, estou olhando para você). Sem dúvida, os mais legais são os três dinotrens, tanto separados quanto individuais.

Os gattais são ainda piores. Os três “iniciais” são muito feios. EngineOh parece um totem com pernas, GunBirOh é totalmente desconjuntado e SeikuOh parece um mecha de anime dos anos 70. A ideia das trocas de braço do EngineOh, para mim também não funcionou, visto que todos os braços ficavam parecendo improvisados. Sério, até o SenpuuJin usando os braços de elefante de Gaoranger ficou melhor. G6 é só o EngineOh de patins, G9  de patins e com uma baleia grudada nas costas (Jetoras e Frangocóptero são só grudados no ombro e tá tudo certo) e mesmo o G12 só parece que saíram grudando mechas no original. Pegue por exemplo o impressionante Samurai Haoh. Ele parece um mecha completo e único, enquanto o G12 é só um lego errado.

Enfim, já falei demais dessas séries. No tema mais recorrente da Toei (com os dinos empatando agora), temos apenas uma marginalmente “assistível”, e olhe lá. Vamos lá Toei, quem sabe na quarta vez funciona? Até mais, e esperem a bandeira quadriculada!

Ele participou de um bate papo com Kelson Douglas, Ricardo Marquies e Níckolas Xavier sobre O Hobbit: Uma Jornada Inesperada.

Acesse e saiba o que eles acharam desta, que foi a maior estreia dos cinemas em 2012, além das opiniões sobre o livro que originou o filme (e se Tolkien é um cara tão legal assim mesmo).

Fica a dica também para quem quiser ouvir a participação do Fire e da Patrine no episódio do Talk! que falou sobre ETs!

Depois do sucesso de Rurouni Kenshin Meiji Kenkaku Romantan, o ator Takeru Satoh está confirmado em mais um live action. Desta vez, é a adaptação do mangá Kanojo wa Uso o Aishisugiteru, de Kotomi Aoki.

Novamente, Satoh fará o papel do protagonista, interpretando o personagem Aki Ogasawara, um compositor bem sucedido, porém introspectivo, excêntrico e idealista que escreve letras para a também famosa banda Crude Play.

Para a escolha da companheira de cena do rapaz, aconteceu uma audição com mais de cinco mil garotas e a selecionada foi a estudante Sakuraku Ohara, de apenas 17 anos. Ela vai dar vida a Riko Koeda, a personagem principal feminina.

A trama parece ser bem água com açúcar. Não acompanhei as revistas mas, as informações divulgadas sobre o roteiro do filme são de que, descontente com a vida de astro da música, Aki conhece Riko, a filha do dono do mercado que faz parte de uma banda com amigos de infância.

Em um rompante ele pede para que a moça seja sua namorada, na busca por uma vida comum, sem saber que ela é, na verdade, uma grande fã do trabalho musical dele. Então, mesmo com a nova namorada, Aki não consegue se livrar dos holofotes do mundo da música.

A equipe de bastidores é formada pelo diretor Norihiro Koizumi (Flowers), com roteiro de Tomoko Yoshida (Bokura ga Ita). Em uma história tão musical, fica também o destaque para Seiji Kameda (Eureka Seven, Fullmetal Alchemist: Brotherhood) que vai fazer a produção das canções. As filmagens acontecerão entre este mês e maio e a estreia está prevista para dezembro deste ano.

Para quem não ouviu, nós falamos do Takeru Satoh e do live action de Rurouni Kenshin na edição 97 do nosso podcast!

Faites-vous plaisir et bon appétit!

Mas, como essa sessão não é para falar sobre minhas preferências ou para dizer o que vou ou não fazer e sim para mostrar bons cosplays para vocês! Portanto, fique com a Galeria Cosplay,  que tem o tema MegaMan.

Agora oficialmente saiu o trailer do filme e a minha reação foi um misto de esperança e receio. Pelo que pude constatar, a história não é só de ficção científica como sugerem a capa e sinopse. Vai haver também monstros (não de borracha), magia, ciborgue, pernas gostosas, lindas mulheres e muita cena de ação.

Eu fiquei esperançoso pois o filme, apesar de revelar efeitos especiais precários, parece ter uma trama divertida. A ideia de futuro pós apocalíptico me agrada muito, dá para explorar bastante esse universo. Sem contar o lindo corpo da Nao Nagasawa que deve aparecer semi-nu em várias partes.

Em contrapartida, fiquei receoso pois o trailer é gigante e mostra muita coisa. Às vezes você assiste no vídeo, que deveria ser uma prévia, as melhores partes da produção. Isso já aconteceu com vários blockbusters de Hollywood e o Japão parece não estar fora dessa regra. Talvez um trailer mais simples e enxuto poderia atrair mais os fãs. Quem se lembra de Kamen Rider THE FIRST e Kamen Rider THE NEXT? As chamadas eram curtinhas e bem atrativas.

Uma viagem no tempo cheio de mundos paralelos e cenas de ação é muito difícil de ser contada em apenas 83 minutos, isso é outro fator que me incomoda bastante. Mas, vamos esperar o lançamento e assistir para formar uma opinião mais consistente.

Na trama, a policial AI (Nao Nagasawa) viaja para uma dimensão conhecida como “Retroworld” e lá encontra sua ex-parceira, YUI (Ayumi Kinoshita). Nessa dimensão YUI é uma terrorista e AI tem que tentar ajudá-la a voltar ao normal e abandonar essa nova empreitada. A produção conta ainda com efeitos especiais e muitas cenas de ação.

O lançamento está marcado para 13 de abril, apenas nas telonas japonesas. Por enquanto, essas são as minhas expectativas. E as de vocês?

Site Oficial: Travelers: Dimension Police